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UNA HISTORIA CHINA DE FANTASMAS (1987), CHING-SIU TUNG

UNA HISTORIA CHINA DE FANTASMAS (1987)
SINOPSIS: Un inocente inspector de Hacienda llega a la ciudad donde tiene que recaudar impuestos, pero sólo tropieza con dificultades: la lluvia ha borrado los registros de su libro de cuentas y se ha quedado sin dinero. No tiene más remedio entonces que pasar la noche en una misteriosa casa situada en un bosque encantado. Allí conoce a una hermosa mujer, pero ignora que se trata de un fantasma que está obligado a capturar jóvenes para su cruel y perversa ama. El fantasma y el inspector se enamoran y, con la ayuda de un guerrero experto en el arte de la esgrima, lucharán contra el Señor de la Oscuridad para que el alma de la mujer pueda descansar en paz.
COMENTARIO: En pleno auge del revival ochentero en formato de cine o televisión, y coincidiendo con el trigésimo aniversario de su estreno (1987), el reciente lanzamiento en Bluray de Una historia china de fantasmas ofrece la posibilidad de disfrutar del (re)visionado de este pequeño clásico del fantàstiqueoriental .
Bastantes años antes de que se popularizara en el cine comercial el uso de cables (disimulados digitalmente), con el cual los actores simulan realizar piruetas que eliminan los límites físicos de la gravedad (con éxitos de taquilla del calibre deTigre y dragón y Matrix a la cabeza), el coreógrafo y esporádico director de cinehonkonés Ching Siu Tung, irrumpió con fuerza en el panorama cinematográfico con esta película, considerada desde el primer momento como un film de culto, y galardonada en festivales especializados como el de Avoriaz, Fantasporto o Sitges (en este último , se alzó con el galardón de mejores efectos especiales en la edición de 1987).
   La historia desprende desde el incio de su metraje el aire de una típica fábula : Un inocente inspector de Hacienda llega a la ciudad donde tiene que recaudar impuestos, pero sólo tropieza con dificultades: la lluvia ha borrado los registros de su libro de cuentas y se ha quedado sin dinero. No tiene más remedio entonces que pasar la noche en una misteriosa casa situada en un bosque encantado. Allí conoce a una hermosa mujer, pero ignora que se trata de un fantasma que está obligado a capturar jóvenes para su cruel y perversa ama. El fantasma y el inspector se enamoran y, con la ayuda de un guerrero experto en el arte de la esgrima, lucharán contra el Señor de la Oscuridad para que el alma de la mujer pueda descansar en paz.
   Con una absoluta —y celebrada— falta de prejuicios, el espectador asiste a una auténtica mezcolanza de géneros: Desde las terroríficas y orientalizantes apariciones espectrales, hasta la erótica (aunque inocente) relación entre el protagonista y la joven fantasma de la que se enamora... Asimismo tiene lugar la comedia, con algún ribete escatológico, en la trama,con el hiperbólico samurai taoísta como principal generador, el cual se marca un hilarante (e improvisado) número musical en mitad de la historia.
Hablando de los códigos y posibles referentes que usa la película en su entramado puramente fantástico, cabe destacar el uso de la técnica “Stop motion” (sucesión de fotogramas fijos aparentando la ilusión de movimiento), en las escenas de los cadáveres vivientes del altillo que intentan atrapar al protagonista.
Con un presupuesto que se intuye más que ajustado, las escenas de las apariciones fantasmales, presentan en pantalla una satisfactoria apariencia de credibilidad, y en más de un momento (especialmente en los fragmentos de terror más físico) evocan algunas de las escenas del primer cine de Sam Raimi(con Posesión infernal a la cabeza), o de John Carpenter. De hecho, este último concibió su personal homenaje al cine asiático de acción y la imaginería típica de la cultura oriental, con su Golpe en la pequeña China (1986), con la que casi coincidió en el momento de su estreno.
   A modo de Coda, cabe decir que el actor Leslie Cheung, que interpretó el papel del joven inspector de hacienda enamorado de la fantasma en este título y su primera secuela —la saga tuvo dos casi consecutivas—, desarrolló una prolífica carrera , alcanzando el zénit con su papel en la prestigiosa Adiós a mi concubina, en 1993, donde fue encontrado muerto en un hotel de Hong Kong,•
Mario Ripoll      

LA ISLA DE LOS VIVOS (1987, LARRY COHEN). T.O.: IT'S ALIVE III: ISLAND OF THE ALIVE

LA ISLA DE LOS VIVOS (1987)Producción de Larco Films -la empresa propiedad exclusiva del todoterreno Larry Cohen-, It's Alive III es la tercera entrega de una saga que se desarrolló por pura inercia dentro de una espiral dedicada al cine dramático-terrorífico. Con la ayuda del operador Daniel Pearl (La matanza de Texas), Larry Cohen desarrolló de forma simplista un divertido engendro, bajo el punto de vista de una serie de criaturas que ven la realidad en una especie de 3D. Bajo esta estela de cine de bajo presupuesto, Cohen construyó una tercera entrega sin demasiados aspavientos. Descartada la posibilidad de contar con la música del llorado Bernard Herrmann -en 1976, tras concluir Taxi Driver y de manera póstuma la segunda parte de It's Alive-, se contrató a Laurie Johnson para dignificar la partitura de esta desbaratada secuela con puntos álgidos, eso sí. La perversión de lo humano, la libre elección en cuanto al aborto y esa forma rudimentaria, pero efectiva que es el empleo de los Animatronics como solución al problema de verosimilitud de las criaturas, aquí convertidas en prole, no desencantarán al personal que vio en Estoy vivo un trasfondo social más allá de una película de terror al uso.Resultat d'imatges de La isla de los vivosEl inicio del film, con la muerte injustificable de un taxista a manos de un recién nacido (sic), nos conduce hacia un lugar común en el cine de Cohen -también de su coetáneo Martin Scorsese, amigo personal también de Herrmann-, la iglesia. Es allí donde encontramos al veterano Jamie Dixon -superviviente de las anteriores- y, más tarde, ya en el juzgado donde se dirime la custodia de la criatura-monstruosa, a Michael Moriarty como Stephen Jarvis, el padre antiabortista. A partir de la sentencia del juez, dando la razón al progenitor, salvaguardando la vida del bebé, el film se convierte en todo un via crucis. Deslavazado y con un ritmo desacelerado, irrumpe la figura de Karen Black, para acabar de dilapidar la función. El bebé mayor se asemeja más a El hombre elefante que a sus hermanos; Cuba es la diana perfecta para combatir ese anticomunismo reinante en el guión -también de Cohen. A ello hay que sumar frases antológicas como aquella en la que Jarvis padre cuestiona a su hijo: ¿Tú no eres mi hijo? Respóndeme. Resultat d'imatges de La isla de los vivosCon todo, un film divertido de contemplar, que llega a cerrar un círculo que jamás tuvo que concluir dadas las vastas posibilidades técnicas que se podría haber tenido en cuenta en los años sucesivos. Quizá la falta de éxito de este film Direct to Video tuvieran la culpa. Àlex Aguilera

QUIÉN MATÓ A TÍA ROO? (WHOEVER SLEW AUNTIE ROO?, 1971). DTOR.: CURTIS HARRINGTON.

¿QUIÉN MATÓ A TÍA ROO? (WHOEVER SLEW AUNTIE ROO?, 1971). DTOR.: CURTIS HARRINGTON. DISTRIBUYE: RESEN. 91’.SINOPSIS: Inglaterra, años 20. Tía Roo es una amable viuda americana que cada año recibe la visita por Navidad de un grupo de huérfanos con los que compartir tan señalada festividad. Sin embargo, la anciana, que reside en la mansión de Forrest Grange, su marido fallecido hace pocas fechas, no duda en quedarse con una de las niñas que la visita por sorpresa. Esta le recuerda a su hija, igualmente fallecida en extrañas circunstancias.Resultat d'imatges de ¿Quién mató a Tía Roo? COMENTARIO: El díptico que han formado ¿Qué le pasa a Helen? y ¿Quién mató a Tía Roo? fue fruto de una colaboración especial entre la compañía que representaban los productores James H. Nicholson y el más despiadado Sam Arkoff, con un cineasta de escaso renombre entre el público aficionado en general, Curtis Harrington. Un venerable director que trazó la decadencia a través de personajes anquilosados en un pasado que los encumbró. Más manifiesto resulta este aspecto en ¿Qué le pasa a Helen? Por su condición de film de cine dentro del cine; con el ocaso de una actriz (la recientemente llorada Debbie Reynolds) en estado de enajenación producido por un trauma artístico. Sin embargo, su alma gemela ¿Quién mató a tía Roo? lo es más por su carácter macabro, perverso e incluso maniqueo en la representación –cuasi teatral- de una historia que se asemeja a la de los Hermanos Grimm, Hansel y Gretel. Una revisitación realizada con un pulso interesante a partir de una apertura que aclara la condición de subversión del cuento, cuando Tía Roo (Shelley Winters) entona una conocida canción infantil ante la inexistente mirada de su hija muerta postrada en una cuna. El Gran Guignol vuelve a flotar en el ambiente de una casa rodeada de muñecas, artículos de magia, casas en miniatura y otros artilugios infantiles. La sombra de Psicosis –con la escena de la caída en la escalera, principalmente- se entrevé en esta realización de la AIP en colaboración con Hemdale Productions, rodada en los interiores y exteriores de los Estudios de Shepperton.Resultat d'imatges de ¿Quién mató a Tía Roo?Una noche de tormenta da el pistoletazo de salida a la ubicación exacta de la siniestra mansión (un Manor, a todas luces) propiedad de la aparentemente filántropa señora Roo. A pesar de que el film se nutra de jóvenes promesas (el niño prodigio Mark Lester y la debutante Chloe Franks) en los papeles de los hermanos Christopher y Kathy Coombs, respectivamente, hemos de resaltar la conjunción de tres secundarios de lujo –amen de Shellley Winters- en todo tipo de producciones (pseudo)terroríficas, como serían Ralph Richardson (un médium venido a menos, debido a su afición por la bebida); Hugh Griffiths (en el rol del carnicero ensimismado por la doncella de la mansión) y Lionel Jeffries (el inspector Whilloughby, encargado de la desaparición de los niños).Rodadas ambas en 1971, con escasos medios pero con suma imaginación –historia escrita por David Osborn en el segundo caso, con diálogos adicionales- dirimen un aspecto social inquebrantable, como es el de la separación traumática entre padres e hijos, por diversas circunstancias. La negligencia en el caso de Tía Roo, quien –en un ajustado flash-back- evoca en blanco y negro la muerte súbita de su hija por culpa de un juego insignificante –la bajada por una barandilla-.Resultat d'imatges de ¿Quién mató a Tía Roo?La recitación de un cuento por parte de Tía Roo a los niños huérfanos que acaban recluidos en su casa, evidencia un tono más que nostálgico, evocando a la vez Al otro lado del espejo, de Lewis Carroll, como fuente escapatoria. Colores que van del ocre al rojo intenso, pasando por el amarillo y el violeta –representante del deseo- conforman la paleta visual de esta rareza del séptimo arte, emparentada a la postre con las anteriores ¿Qué fue de Baby Jane? y Canción de cuna para un cadáver; estas más elaboradas pero igualmente sugerentes de un tiempo pasado perdido y ya desvanecido. En este sentido, Whoever Slew Auntie Roo? alude a este sentido del volver atrás a través de simples detalles –la precipitada sesión de espiritismo amañada, la sustracción del oso de peluche, …- al punto de convertirse en una forma de vivir con la mirada perenne en el pasado (glorioso).Resultat d'imatges de ¿Quién mató a Tía Roo?Harrington pasaría a convertirse a partir de estos dos filmes más la poco visitada La muerte llama a la puerta (Games, 1967) en maestro de la ‘macabro’ y la putrefacción –magnífica la escena en la que Roo intenta levantar el cadáver de su hija-, en recrear su particular ‘teatro de variedades’, convirtiendo a una simple actriz de reparto llamada Rosie Miller –nombre artístico- en una auténtica bruja con capa negra, acechadora de niños indefensos. Un recuerdo a la magnífica La noche del cazador, con la Winters asumiendo otro rol bien distinto. Àlex Aguilera

EL RETORNO DEL DR. PHIBES (1972, ROBERT FUEST)

EL RETORNO DEL DR. PHIBES (DR. PHIBES RISES AGAIN, 1972). DTOR.: ROBERT FUEST. DISTRIBUYE: RESEN. NOVEDADES EN BD Y DVD.SINOPSIS: El doctor Phibes quiere volver a la vida a su amada esposa Victoria. Para ello deberá surcar el Río de la Vida que fluye en el interior del Templo de Isis, en Egipto. Con el fin de lograrlo, no repara en nada, cometiendo una serie de atroces crímenes secundado por su bello robot Vulnavia.Resultat d'imatges de El retorno del Dr. Phibes (1972)COMENTARIO: Tomando la misma fórmula que aupara a convertirse pronto en un icono del cine fantástico, El doctor Phibes; su realizador, Robert Fuest, concluyó su particular aportación del Mad Doctor en una secuela desprovista de cualquier encorsetamiento. Sin ambages, ni condescendencia con sus precedentes literarios adscritos al pulp, esta sencilla cinta de horror cien por cien British adquiere su mejor definición en una obra kitsch, simplista en cuanto a su propuesta y deudora de su inmediatamente precedente título seminal, rodado en 1970, con el ominoso y repulsivo nombre de El abominable doctor Phibes. De la pluma de dos autores británicos de escaso relieve, surgió esta especie de Fantasma de la ópera si cabe más desfigurado aún que el del personaje extraído de la mente de Gaston Léroux. A    quí, la ópera de París es substituida por una postmodernidad tan bizarra como funcional al estilo Art-déco donde se reduce el espacio en el que deambula Phibes y posa su llorada esposa Victoria. La continuación de una y otra cinta se entrelaza con un breve repaso en el inicio de El retorno del Dr. Phibes de la epopeya vivida en primera persona por tan siniestro doctor. Así pues, el devenir del relato se conjuga con una suerte de asesinatos a cual más divertido y original, al estilo de lo que pasaba en la anterior Matar, o no matar este es el problema (1971). Esta sí, una obra cumbre del fantástico.Resultat d'imatges de El retorno del Dr. Phibes (1972)Si bien, los dos Phibes se sustentan también en la interpretación del malogrado Vincent Price, todo un prodigio a la hora de encarnar personajes torvos y desquiciados, no lo es menos el hecho de que lo secundaban primeras espadas en el arte de la exageración en escena, caso de Terry-Thomas, Hugh Griffith (el primer asesinado, Ambrose, en la segunda parte del díptico) o el inconmensurable Peter Cushing (un Capitán venido a menos, en cuanto a su escasa participación en el proyecto).Resultat d'imatges de El retorno del Dr. Phibes (1972)Un factor a tener en cuenta en esta secuela es el de prolongar la narración a un estadio de comprensión general del estrafalario comportamiento de su principal protagonista. Esto es, dar un sentido propio al film anterior, difuminado en exceso en cuanto al pathos interior de Phibes. Conocida su vena megalómana, esta se combina con la necrofilia, la perversión de la muerte como fuente de vida sentimental. Punteada en exceso la filiación marital con un cuerpo inerte –nada menos que el de Caroline Munro-, Price (en todo momento en voz en off, ante la falta del habla) concluye su propia experiencia en pos del ansiado Elixir de la Vida, con una conjunción de delirios y transformaciones toscas que lo convierten en una caricatura de sí mismo. Enfrentado a sus temores y a sus atribulados enemigos, el film se abre tres años después de los sucesos anteriores, con una hibernación inconclusa, dando paso a un ritual de acertados asesinatos en la piel –nunca mejor definido- de sus detractores y opositores. Aun siendo brillante la interpretación de Price, el film convence a medias tintas, puesto que su diseño de producción es tan endeble como la capa que cubre el rostro del funesto Doctor. No así, la fotografía del mejorado Alex Thomson y la elegante música de John Gale. Robert Quarry dio el contrapunto igualmente patético de Price, ambos buscando el tan soñado don de la vida eterna. Leves toques de humor adecentan esta transfiguración del obsesivo doctor, tales como bautizar a cuatro monos mecánicos como los cuatro de Alejandria o dirigirse a un águila imperial tras descarnar a una de las víctimas de Phibes con aquella frase tan humanamente característica de: ¿has cenado bien?Resultat d'imatges de El retorno del Dr. Phibes (1972)El final atestigua ese paso marchito a la realidad humana, en la línea de Oscar Wilde y su El retrato de Dorian Gray. Otros referentes como el de Otra vuelta de tuerca y por extraño que parezca, la canción Somewhere Over the Rainbow cierra un film marcado por su tiempo, pero identificable claramente como una producción American International. Dr. Phibes Rises Again se hizo con el carismático premio Clavel de Oro del incipiente Festival de Cine Fantástico y de Terror de Sitges, así como otros premios menores a nivel local. Àlex Aguilera

PATRICK (1978, RICHARD FRANKLIN)

 
PATRICK (1978, RICHARD FRANKLIN). PATRICK.RESEN. CINE FANTÁSTICO
Galardonada con el Gran Premio del fenecido Festival de Cine Fantástico de Avoriaz de 1979 y con la máxima distinción como director en el Festival de Cine Fantástico y de Terror de Sitges en 1978, Patrick y Richard Franklin, respectivamente, acapararon la atención de aficionados, críticos y profesionales del sector en las postrimerías de los años setenta. Una mirada encauzada fundamentalmente hacia un personaje, Patrick —protagonizado por Robert Thompson—, postrado en una cama de hospital y con unos poderes paranormales agudizados por la falta de sus otros cinco sentidos. La cinta fue realizada bajo bandera australiana, aquella cinematografía que hizo furor entre los defensores del refinado cine de terror que propusieron principalmente durante ese lustro (1975-1980) cineastas como Peter Weir, (Doctor) George Miller, Brian Trenchard-Smith o el propio Richard Franklin, siempre al amparo de productores insaciables del talante de Anthony Ginnane, uno de los defensores e impulsores de la Australian Film Comission. El aspecto que mejor desarrollarían en estos trabajos primerizos en muchos casos serían las localizaciones, y una iconografía inserta y vinculada de forma ejemplar en una historia generalmente extraída de las noticias de sucesos de los periódicos o de fuentes documentales remotas. No fue el caso, no obstante, de Patrick, la cual se asemeja más a una tipología cinematográfica norteamericana y más contemporánea, a partir de retazos e ideas de títulos como Carrie (1976) o La furia (1978), ambos realizados por Brian De Palma. La persona encargada de ejecutar en papel escrito esas ideas contextualizadas en una época y lugar determinados fue Everett de Roche, quien el año anterior firmaría el guión original de la perturbadora Largo fin de semana (1977).
   Centrada en la ambigua visión que los profesionales de la medicina confieren a un hombre en estado de coma por espacio de tres años más que en los supuestos poderes de psicoquinesis o telequinesis atribuidos al mismo, Patrick transita entre el shock al estilo Dario Argento y el discurso acerca de la eutanasia y el ateísmo. Hay aspectos que refuerzan el carácter indestructible del protagonista, como en la escena inicial en la que el pomo de una parte de la cama refleja un momento de sexo en la habitación contigua de aquél pasando, acto seguido, a formar una figura de forma robótica opuesta en un plano doble a parte del cuerpo semirrígido de Patrick. La base musical del compositor Brian May (sin parentesco alguno con el bajista de Queen), habitual también del cine de las Antípodas vinculado al Fantástico, sirve para subrayar los momentos álgidos y los más dulcificados de una narración que discurre básicamente en un Hospital  semiabandonado —el portero resulta ser un enfermo del propio centro—. Sirva la mirada perdida de Patrick como testimonio, en primera persona, de un menosprecio continuo que acabará desembocando en un doble crimen. Asimismo, los juegos de espejos devienen un rol importante en el desarrollo de una trama que no derva en un cataclismo final estiloCarrie, pero sí en una previsible secuela, esta vez, a manos de los italianos en forma de un sucedáneo de nulo interés, Patrick vive ancora (1980), dirigida por Mario Landi. En Patrick la figura inquietante de la doctora Cassidy, la ubicación de la clínica Roget y las relaciones extramaritales ayudan a incrementar ese trasfondo extraño y malsano que, en ocasiones, recuerda al Psicosis(1960), de Alfred Hitchcock, con el plano de la escalera en los momentos finales. No en vano, Richard Franklin fue un alumno y ojeador aventajado durante su estancia en la U.C.L.A. del trabajo de su «maestro».
   Rodada en Merlbourne, Patrick, es considerado uno de los ejemplos más apreciados del material de indudable interés para el aficionado al cine aussie que se filmó en aquel rincón del planeta en los años setenta.
Àlex Aguilera

LOS CHICOS DEL MAÍZ (1984, FRITZ KIERSCH)

LOS CHICOS DEL MAÍZ (CHILDREN OF THE CORN, 1984). DTOR.: FRITZ KIERSCH. DISTRIBUYE: RESEN. CINE FANTÁSTICO.COMENTARIO: Sin ser la menos considerada de cuantas películas se orquestaron en los años ochenta a partir de la ingente colección de obras de Stephen King, Children of the Corn, es, sin embargo, una de las más recordadas. La popularidad que cosechó en su época fue más allá de un simple film de horror auspiciado a la sombra del escritor de Maine. En este sentido, Los chicos del maíz trascurre en una época dorada para el aficionado a esas adaptaciones que año tras año veían aparecer sus pesadillas en el celuloide, con mejor o peor fortuna. Por cuanto conocemos de ese legado literario, Los chicos del maíz sería de las menos leídas, puesto que su fuente proviene de una antología de relatos de horror –el primero que tuvo a bien ver la luz- de King llamada Night Shift. Traducida en nuestro país por la editorial Grijalbo –después vendrían Plaza & Janés y demás- como El umbral de la noche. De allí surgieron relatos cortos que posteriormente dieron igualmente el salto a la gran pantalla, caso de El hombre de la cortadora de césped o Camiones –el único que dirigió el propio King-, además de ese mini relato de escasas treinta páginas que fuera Los chicos del maíz.Remontándonos más de treinta años atrás –el relato data de 1978- el relato en sí fue adquirido por los Hal Roach Studios, a este se le sumaría la empresa New World para una pronta adaptación. Ubicada en la localidad de Gatlin, Nebraska, una apacible localidad que se envuelta en una serie de extraños asesinatos por parte de unos niños huérfanos liderados por la figura de Isaac (John Franklin), el cuento de terror cuenta con pocos elementos de sorpresa y personajes escasamente desarrollados. Eso sí, la descripción de los acontecimientos es relatado por King con su habitual maestría. Líneas de diálogo que dejan bien a las claras que los derroteros de la historia tiene un claro catalizador: una secta de niños. La Iglesia Católica del Bautista es el centro donde se agrupan una suerte de niños abandonados por una extraña fe que causa la muerte a sus progenitores. La traslación cinematográfica aportó un preludio que no estaba en la novela y donde esos primeros asesinatos se producen en el interior de un restaurante narrado por un niño que no profesa las mismas simpatías por esa fe ‘demoníaca’ que aparta a sus gestantes del camino. Además, el guión introduce a los niños Sarah y Job, como contrapunto a esos ideales adulterados de una prole liderada por Isaac, con un Dios que los protege y guía, igualmente.Sin duda, uno de los grandes aciertos de un film si se quiere menor dentro de las Horror Movies del pasado siglo, es la elección del casting. Un mérito atribuible a Linda Francis quien en su selección incluyó dos nombres propios: la pareja protagonista, Burt (Peter Horton) y Vicky (la incipiente pero ya treintañera Linda Hamilton); aunque también a John Franklin (Isaac profiriendo aquello de Yo soy la palabra, a modo de Doctor Moreau), quien aparentaba una edad muy inferior a la que realmente tenía, y esa figura desgarbada con una mirada maligna y penetrante que tenía Courtney Gains, que le valió para interpretar al diabólico Malachai –la pronuncia de su solo nombre ya marcaba una cierta animadversión-. Añadiremos la figura de R.G. Armstrong a esta lista para dar ese toque de veracidad que en realidad el film no tendría analizando detenidamente la estructura del film. Tres años después de la matanza en el bar-restaurante y nadie haya podido extender la noticia del lamentable suceso., está entre esos errores de principiante en el tratamiento de guión por parte de George Goldsmith. Además, la música de Jonathan Elias –otro debutante, esta vez en las bandas sonoras- bebía de demasiadas fuentes, inclusive de otras adaptaciones de obras de King, y de un film como La profecía, con sus cantos satánicos en la memoria.Resultat d'imatges de los chicos del maízPese a que fuera ofrecida a Sam Raimi por parte del productor Donald P. Bochers, Los chicos del maíz fue rodada durante todo un verano en las cercanías de un maizal de Iowa, tras recorrerse varios estados hasta encontrar el lugar correcto para su filmación en exteriores. Finalmente, el proyecto recayó en Fritz Kiersch, siendo éste su mejor y más recordado film. Además de la inclusión de ese prólogo y de los dos nuevos personajes –que inicialmente juegan a adultos a imagen y semejanza de lo pasaba en Bugsy Malone-, Kiersch aportó un protagonismo mayor al pelirrojo Malachai, amén de un par de momentos de auténtico shock –el accidente en la carretera y el posterior resurgimiento del cadáver; el ataque en la iglesia o la huida por los campos de maíz-. El que camina detrás de las hieras era una frase con la que la secta definía su ser superior, apenas visto en la película como una nebulosa en el cielo o como un ser amorfo recorriendo el subsuelo del maizal –escena rodada con ingenio y pocos recursos, por otra parte-. Igualmente, terrorífica resulta la figura de Isaac y la panocha que cubre su pequeña figura.Resultat d'imatges de los chicos del maízMás evidente incluso resulta la comparación con ¿Quién puede matar a un niño? (1975), la obra de Chicho Ibáñez Serrador que encontraba en la peculiaridad de una isla la pequeña trampa para no dejar escapar a los cautivos de unos niños ansiosos por aniquilarlos. Si bien, Kiersch muestra la cámara desde una altura menor –a la altura de los chicos- es inevitable su referencia, a pesar también de ubicar la trama en un lugar poco visitado y circunscrito a un estilo de vida determinado –el norteamericano-.EXTRAS: Entrevistas con Craig Stevens y Jonathan Elias. 15’30; Linda Hamilton treinta años después hace sus valoraciones sobre los ochenta; Stephen King con poco dinero. Entrevista con Donald P. Bochers. 11:21. Recolectando el horror: Entrevistas varias con Fritz Kiersch, John Franklin y Courtney Gains. 36:14. Anécdotas divertidas y no tanto del cásting: Galería de fotos.Resultat d'imatges de los chicos del maízArte original del guion gráfico. Título original del arte de la secuencia. Trailer americano. 

Montaña Rusa (James Golding, 1977)

 
Estamos ante una película de suspense bastante predecible filmada en un estilo plano más propio de la televisión que hace que visualmente sea bastante indistinguible del policiaco que se promediaba en la década de 1970. Se nota que las actuaciones estelares de estrellones hollywoodienses  como Richard Widmark y Henry Fonda son estrictamente por el dinero y Timothy Bottoms es peculiarmente educado como el tipo malo que le gusta hacer estallar carreras de feria. Todos ellos palidecen ante la sensacional actuación  de George Segal, quien en esa época parecía haberle cogido el gustillo al tema ruso (dos años antes había protagonizado La ruleta rusa, de Lou Lombardo). Aunque sus diálogos dejan mucho que desear él dota al personaje de ingenio y estilo, lo que le destaca como una persona creíble y complicada en medio de la banalidad del conjunto.Related imageLa noche en el parque de atracciones transcurre tranquila cuando, de repente, estalla una bomba en una de las montañas rusas provocando la muerte de numerosos pasajeros. Todo apunta a un ataque terrorista y saben quién es el hombre indicado para investigarlo: Harry Calder (George Segal, '¿Quién teme a Virginia Woolf?', 'Un loco a domicilio'). Todo se complica cuando la policía recibe una cinta de vídeo en la que el culpable del ataque pide un millón de dólares o colocará cinco bombas más, de manera simultánea, en distintas montañas rusas. Y pone una exigencia, sólo el detective Calder podrá entregar el dinero.Image result for rollercoaster 1977En plena moda del cine de catástrofes de los 70, surge esta propuesta que aunque se pueda catalogar dentro de ese subgénero lo cierto es que tiene más de thriller o cine de suspense que de otra cosa. Si bien el paso del tiempo ha puesto a la mayoría de esas películas en su sitio, hay algunas que no solo resisten bien sino que al compararlas con otras de su índole de épocas más recientes (aun con mayores y mejores efectos) salen ganando. El ejemplo más llamativo: "La aventura del Poseidón" y su remake de 2006. Por algo será.Image result for rollercoaster 1977Y siempre queda ese poso entre amargo y melancólico de recordar aquellas sesiones setenteras donde uno iba descubriendo el cine a base de colosos en llamas que se derrumbaban, terremotos que dividían las calles en dos, enjambres de abejas que picaban y de qué manera, y como no, montañas rusas que saltaban por los aires por culpa de un psicópata desalmado. En este aspecto recuerdo haber entrado en el cine a ver Montaña Rus aun tanto amilanado por la previsión de emociones fuertes que vaticinaban los fotogramas que se podían ver en las marquesinas.Image result for rollercoaster 1977Uno de los hándicaps del film sin duda es su duración, dos horas de metraje de los que sobran por lo menos veinte minutos. Las subtramas se antojan repetitivas y carentes de interés, aunque el que pueda aguantar la soporífera parte central del meollo tendrá como recompensa un final de esos adrenalíticos, un colofón que recuerda muy mucho a otra película editada recientemente por el sello distribuidor Resen. Nos referimos a La Fugitiva (Norman Foster, 1950), un film noir de lujo que también tenía su punto álgido en una montaña rusa.Image result for montaña rusa 1977 cartelPara finalizar recordar que este film fue dirigido con solvencia por James Golding, conocido por títulos como Quinientas millas, Solo matan a su dueño (sí , aquella de los dobermans amaestrados que robaban bancos), o El día del film del mundo, mientras que la banda sonora fue compuesta por el mítico Lalo Schifrin, compositor entre otras de la no menos mítica melodía de la serie Misión Imposible.

Cuando una mujer sube la escalera (Mikio Naruse, 1960)

Aunque pueda parecer una auténtica rareza porque no era nada habitual en el cine japonés de  los años sesenta que se rodara una película sobre la opresión femenina estamos ante uno de los temas más comunes del reivindicable cineasta Mikio Naruse (Meshi, Nubes flotantes). La historia de Cuando una mujer sube la escalera es una reminiscencia de cualquier novela de Jane Austen: las mujeres son confinadas por las circunstancias, en su mayoría incapaces de ganarse una vida respetable sin un marido. En el Tokio de Naruse, son erotizadas por la fuerza por una sociedad patricarcal y luego condenadas por ella por someterse.Image result for WHEN A WOMAN ASCENDS THE STAIRSKeiko acaba de quedarse viuda y tiene que valerse por sí misma. Encuentra un empleo como anfitriona en un local de Tokio, pero además de cubrir sus propios gastos debe ayudar económicamente a un hermano enfermo y sin trabajo. Tras seducir a un rico cliente, una joven geisha deja el trabajo, cosa bastante habitual. En cambio, Keiko, que desea honrar la memoria de su marido, se niega a relacionarse con los ricos clientes de la casa.Related imageEl ojo agudo de la cámara del director sólo es comparable con la ternura y la atención con la que disecciona a sus personajes. Los carga de profundidad e incluso de  humanidad. Las audiencias modernas, más acostumbradas al vértigo y a la acción desenfrenada,  pueden encontrar el ritmo de la película un tanto lento, ya que la calma recorre cada fotograma y a Naruse no le duelen prendas a la hora de ralentizar una escena en pos de resaltar el silencio o cualquier mirada de sus protagonistas, pero la paciencia será recompensada mientras que el drama intensifica hacia el final el móvil de la película.Image result for cuando una mujer sube la escaleraEl guion es uno de los puntos fundamentales a tener en cuenta, ya que está escrito con mano férrea y se nota que ha habido una dedicación extrema a la hora de definir cada escena. El firmante del mismo, Ryuzo Kikushima, ya había dado muestras de su maestría a la hora de estructurar libretos en otras obras de referencia filmadas como Arashi, Trono de sangre o La fortaleza escondida (estas dos últimas dirigidas por el maestro Akira Kurosawa). Ya en 1996 el veterano guionista asomó su cabeza en el babilónico Hollywood para escribir el guion de El último hombre, cinta de cine negro protagonizada por Bruce Willis y Bruce Dern.Related imageUno de los aciertos de esta película es el hecho de que no todo es tan simple como parece.  Naruse crea personajes reales  luchando contra las identificaciones más o menos fáciles, frente a las ambiciones y parcelas de todos los destinos nos propone personajes tipos. Muchas veces Takamine (la protagonista) ofrece soluciones a los hombres, aunque eso conlleve la pérdida de su libertad. Es a la vez débil y fuerte. Ella va aprendiendo a marchas forzadas… ¡Pero qué difícil es subir las escaleras cuando eres una mujer! Al final sigue siendo dueña de sus decisiones, por lo que Naruse le concede ese poder.Los personajes explican abiertamente su situación y sus intenciones, mientras que las traiciones y decepciones siguen produciéndose de forma esquemática y calculada, en lugar de fluir naturalmente en las situaciones.  Algunos pueden llegar a pensar que algunos momentos puedan pecar de cierto tremendismo y énfasis melodramático, pero si se escarba un poco se puede llegar a palpar la complejidad expuesta, como es el hecho de tener siempre guardar las apariencias y no exteriorizar la infelicidad en ningún momento.Una obra maestra que no debería pasar desapercibida para los amantes del cine japonés en particular y del cine “con mayúsculas” en general. 

Scott en la Antártida (Charles Frend, 1948)

Si alguna vez hubo una película más adecuada y ejemplificadora sobre la firmeza y el pundonor británicos, aparte claro está  de aquellas películas que narraban el inquebrantable coraje en las trincheras de la Primera Guerra Mundial, la historia de Robert Falcon Scott y su gloriosa  expedición a la Antártida, tan meticulosamente detallada en este clásico en blanco y negro que ahora nos ocupa, sería un excelente ejemplo. La película se complementa además con una actuación igualmente sólida de John Mills (Grandes esperanzas, La vida manda)  como el protagonista absoluto de la historia.La película cuenta la historia de la expedición Terra Nova de Robert Falcon Scott en la Antártida entre 1910 y 1912. La propia expedición sufrió pronto algunas desgracias que dificultaron los trabajos durante la primera temporada y entorpecieron los preparativos para la principal marcha polar. En su viaje de Nueva Zelanda a la Antártida el Terra Nova quedó atrapado en el hielo durante veinte días, mucho más tiempo que otros barcos, por lo que llegaron a finales de la temporada y tuvieron menos tiempo para los preparativos previos al invierno antártico. Uno de los trineos motorizados se perdió durante el desembarco al hundirse bajo el mar helado. El empeoramiento de las condiciones meteorológicas y los ponis débiles y mal aclimatados afectaron al despliegue inicial del viaje, por lo que el principal punto de suministro, One Ton Depot, hubo de situarse a 56 km al norte de su ubicación planeada en 80° S.Cincuenta años después de su muerte, Scott fue considerado un héroe en su país de origen, honrado en toda Gran Bretaña con innumerables estatuas conmemorativas. Los restos de su expedición fueron consagrados en iglesias, como se solía hacer en la época de la Edad Media cuando las partes del cuerpo de los supuestos santos fueron preservados y adorados en relicarios.Salvados los primeros minutos, una vez que llegan a la Antartida, se narra el duro viaje de exploración de los héroes con un desarrollo que consigue que no apartes un segundo la mirada de la pantalla. La trama está aderezada con unas imágenes espectaculares con excelentes planos largos (que acentúan la soledad que vivieron) que se contraponen con los planos cortos, excelentemente resueltos, de las escenas dentro de la tienda de campaña (que acentúan el compañerismo).Durante la mayor parte del metraje, el estilo documental gana terreno a la ficción, con lo que se gana en meticulosidad y precisión, aunque los espectadores que primen la aventura sobre el dato exacto pueden llegar a encontrar esta apuesta algo excesiva e innecesaria. Para otros será un auténtico hallazgo, dado que se aparta de convencionalismos y pone el énfasis en los detalles que hicieron de la expedición una de las más duras de la historia. El sonido de las ventiscas que abofetean las tiendas de campaña, la chispa de la estufa y las irreconocibles caras de los protagonistas, acurrucados unos junto a otros medio congelados, ya valen por sí mismas el visionado de esta “rara avis” del cine norteamericano de la década de los 40.El encargado de dirigir el film fue el londinense Charles Frend, un cineasta a reivindicar desde ya que conoció su mayor momento de reconocimiento en el mundo del celuloide en esa misma década con títulos recordados como El retorno de los vikingos, Mar cruel o San Demetrio London, y que en esta ocasión se apoyó en un guion escrito a cuatro manos por Walter Meade e Ivor Montagu. 

Vinieron de dentro de... (David Cronenberg, 1975)

De entrada no deja de resultar curioso el título que se le dio en España a la orginal Shivers, que se podría traducir como Escalofríos. Aquí se tituló Vinieron de dentro de… un título extraño donde los haya para uno de los primeros trabajos del director de culto David Cronenberg (en Italia, por seguir con la fiesta, se conoce como El demonio bajo la piel) cineasta que firmó (y filmó) entre otras grandes películas como La Mosca, Videodrome, La Zona Muerta o las más actuales Una historia de violencia y Promesas del Este.Image result for shivers cronenbergUn científico que está realizando experimentos con una nueva forma de transplantes orgánicos mata a una mujer residente en un complejo de apartamentos e inmediatamente después se suicida. La investigación de ambas muertes conduce a un descubrimiento espeluznante: un parásito que originalmente había sido creado por el científico como parte de su experimento ha escapado del lugar y se encuentra recorriendo el edificio en busca de un huésped. Uno a uno, el resto de habitantes del bloque van cayendo víctimas del parásito y, como resultado, convirtiéndose en una agresiva horda de maníacos sexuales que no se detienen ante nada hasta saciar su indescriptible ansia, que también propicia el contagio de la enfermedad a través del contacto sexual. Cuando otro médico residente en el edificio descubre el origen de lo que está ocurriendo, es la única esperanza para la Humanidad que se interpone entre un grupo de zombies rabiosos y contagiosos y el mundo exterior.Related imageLa película fue criticada con dureza en su lanzamiento ya que fue financiada en parte con fondos del gobierno canadiense y se consideraba que el resultado, en cuanto a calidad técnica y artística se refiere, no era el más adecuado en su intención de metáfora de la sociedad contemporánea pintada con sombrío realismo (se llegaron a decir cosas como: “que sepas que esta película tan mala la has pagado tú con tus impuestos”). Protagonizada por la recientemente fallecida Barbara Steele, que por aquella época era considerada una auténtica musa del cine de terror y del grito pelado desde que alcanzara fama y prestigio en 1960 con La máscara del demonio de Mario Bava, el film hará las delicias de todos aquellos cinéfilos que gusten de detectar los “fundamentos” del cine de Cronenberg.Image result for vinieron de dentro deEl estilo del cineasta es reconocible a todas luces: El virus y la enfermedad, la fusión entre carne y materia inorgánica, las metamorfosis físicas reproducidas a su vez en forma de alteraciones psicológicas, los personajes aislados y alienados que buscan recuperar su identidad por medio de la transformación, la inestable línea que separa la realidad de la alucinación y la subjetividad de lo aparentemente objetivo... Estos son los temas más representativos de un director cuyo repertorio formal estuvo compuesto en sus inicios por los efectos especiales más impactantes y revulsivos (signo de su constante obsesión por la unión entre lo orgánico y la materia) y cuyos personajes, de psicologías complejas, interactúan en atmósferas malsanas y practican extraños comportamientos sexuales, enfermizos e iconoclastas.Image result for vinieron de dentro deUn dato curioso a tener en cuenta es que el encargado de dirigir la fotografía fue Robert Saad, en la que fuera su única incursión tanto en el género de terror como en el cine de Cronenberg. Igual este no quedó muy satisfecho del resultado final (seguramente lo contrató después de ver Mujeres caníbales, rodada dos años antes), pero lo cierto es que la carrera de Saad viró por completo hacia peor y tan sólo se recuerda por haberse encargado de la fotografía de algunos remakes de comedias gruesas como Loca academia de policía 3 y 4 o Los locos de Canonball 3. 

El Difunto Protesta (Alexander Hall, 1941)

Las películas sobre la vida después de la muerte y cómo se podía interactuar con la divinidad una vez que se llegaba al cielo tuvieron un cierto apogeo en el cine norteamericano de los años 40. Tal vez fuera por la que se conoció como etapa post-depresión, o porque se ansiaba una segunda oportunidad después de los conflictos bélicos que acaecieron, pero lo cierto es que todos tenemos en la memoria títulos como ¡Qué bello es vivir!, de Frank Capra, o A vida o muerte, de Emeric Pressburger  y Michael Powell, ambas estrenadas en 1946, aunque el film seminal sobre esta temática vio la luz cinco años antes, y se trata de esta El difunto protesta que ahora nos ocupa.Related imageJoe Pendleton (Robert Montgomery) es un boxeador que iba a luchar por el campeonato mundial antes de morir en un accidente de avión. Por desgracia para Joe, él no estaba destinado a morir en el accidente, pero sube al cielo antes de tiempo por culpa de un ángel demasiado eficiente (Edward Everett Horton). Ahora es cosa del jefe del ángel, Mr. Jordan (Claude Rains), encontrar un nuevo cuerpo para Joe y darle otra oportunidad de luchar por el título. Mientras le buscan un nuevo hogar, Joe conoce a una joven idealista (Evelyn Keyes) de la que se enamora locamente, y lo que le da una razón para vivir, aparte de para poder pelear por el título.Related imageEl destino es un factor importante en esta comedia con trasfondo melodramático. Si un hombre está destinado a una cierta vida, ¿cómo puede mantener esa cualidad cuando las circunstancias cambian inesperadamente? Incluso en el cuerpo de Farnsworth, Joe sabe que él es Joe, aunque sólo él - y nosotros – lo veamos  como Robert Montgomery. Nadie más puede ver al señor Jordan,  lo que permite alguna situación jocosa con ese magnate loco hablando consigo mismo. El Sr. Jordan sirve como guía, guiando a Joe a tomar las decisiones correctas, culminando en un final sorprendente que le da al hombre un poco de todo, aunque también le da paz. Sin perder demasiado, imagina una vida donde sabes que no eres tú. No es exactamente una solución pero para salir del paso no está nada mal.Image result for here comes mr jordanEsta película está considerada como un clásico, pero por alguna razón que se nos escapa, da la sensación de que en ocasiones se queda corta ante lo  que su reputación implica. Esta afirmación es a pesar de muchos de los elementos de la película que realmente son dignos de admiración: Tiene una buena historia y un guión inteligente, y siempre es un placer ver a Claude Rains ya Edward Everett Horton en acción (sin duda dos de los mejores secundarios que ha parido la historia del séptimo arte). También es digna de admiración la muy animada actuación de Robert Montgomery. ¿Y entonces por qué decepciona un poco?, pues porque el ritmo marcado no está a la altura de lo que debería ser una comedia de altos vuelos, con momentos de la trama que se resuelven de forma harto farragosa, aparte de lo que le cuesta desprenderse de su origen teatral.Image result for here comes mr jordanSin embargo, cuando James Gleason está en la pantalla todo luce.  Su interpretación del perpetuamente confundido Max Corkle es una de las grandes actuaciones cómicas de todos los tiempos, y roba el espectáculo del resto del reparto. Gleason ofreció a lo largo de su vasta carrera interpretaciones majestuosas que quedaron en la retina del espectador, y ahí están títulos como El Buscavidas, El halcón del desierto o la más moderna Su juguete favorito. La película también cuenta con las caras conocidas de John Emery (Sangre sobre el sol, Juana de Arco) y Evelyn Keyes (Lo que el viento se llevó, La tentación vive arriba).  

¿Quién mató a tía Roo? (Curtis Harrington, 1972)

De todas las películas de Curtis Harrington ¿Quién mató a tía Roo? es de lejos la más subversiva. Esto puede ser debido al hecho de que toma sus orígenes del mundo oscuro de los cuentos de hadas para niños. Una versión salvaje de Hansel y Gretel fruto de una mente demencial que firmó películas de culto instantáneo como La muerte llama a la puerta, Planeta sangriento o ¿Qué le pasa a Helen? (rodada un año antes que el título que nos ocupa y también con Shelley Winters en cabeza de cartel).Image result for auntie rooInglaterra, años 20. Para los niños del orfanato, Tía Roo es una amable viuda americana que cada año celebra una gran fiesta de Navidad en su mansión de Forrest Grange, a la que invita a un grupo seleccionado de huérfanos. Todos los niños del Hospicio la adoran, y cada año esperan formar parte del grupo de elegidos para la espectacular celebración. Sin embrago, la realidad es que detrás de toda esa amabilidad y amor, la tía Roo esconde un rostro malvado, desequilibrado y con un oscuro secreto.  Una Navidad se fija en una niña que le recuerda a su hija fallecida...Related imageSituada en los años 30 del siglo XX, la película se abre con Rosie cantando una canción de cuna a su hija. La muchacha, de unos diez años de edad, parece que duerme pacíficamente. Después de que Rosie termine la canción y salga de la habitación, la cámara vuelve a la cama y la chica resulta ser un cadáver en estado de putrefacción. Títulos de crédito iniciales... Una limusina negra se desliza a través de la noche tempestuosa y se detiene delante de la puerta principal de la mansión de Forrest. El Sr. Benton (Ralph Richardson) sale del coche y entra en la casa. Es recibido por el mayordomo Albie (Michael Gothard). Albie acompaña al señor Benton al salón. El Sr. Benton saluda a Rosie. El Sr. Benton es un vidente que se comunica con la hija muerta de la madre en duelo, pero en realidad todo es un truco para poder sacarle el dinero.Related imageTanto el diseño de producción como el guion (escrito por el también director de la productora Hammer Jimmy Sangster son impecables, sostenidos por unas interpretaciones muy creíbles y un duelo actoral de primera entre la más veterana Shelley Winters y los dos niños a los que llevará por la calle de la amargura, Mark Lester (quien alcanzó bastante fama a edad temprana con títulos como Oliver o A las nueve cada noche) y Chloe Franks (menos conocida que su compañero de reparto y que siguió su carrera artística principalmente en olvidables series de televisión).Image result for auntie rooEl film, se puede ver como un miniclásico británico, con una música competente y una gran atmósfera. El manejo de Harrington del suspense salpicado de instantes de terror puro y duro consigue que el espectador se mantenga en una tensión constante acentuada en la segunda mitad del film. Auntie Roo. La trama de "niños en peligro" es una manera infalible de poner a la audiencia en el borde del sobresalto. El elegante ritmo de Harrington funciona para esos fines. Con todo y con ellos, esta es una película tan divertida como retorcida.

Frío como el acero (Craig R.Baxley, 1991)

Las personas que han conocido a los moteros en la vida real podrán decirle que, en su mayor parte, a menudo son un grupo encantador de personas. Su imagen con su chaleco de cuero y demás aperos es  más que suficiente para asustar a algunos, pero desde luego las apariencias engañan. En las películas, sin embargo, es una historia totalmente diferente, y si no que se le pregunten al protagonista del primer Mad Max.Image result for stone cold 1991Frío como el acero (Stone Cold) es otra película que cuenta con una peligrosa pandilla de moteros liderados por un guitarrista invisible (sic) al que da vida Lance Henriksen (interpretando a un personaje llamado Chains Cooper). Este entretenido  grupo alcanza su grado máximo de felicidad cuando están ganando dinero con las drogas, disparando armas o siendo tan ruidosos y violentos como les sea posible. Por supuesto, con William Forsythe formando parte de  la banda, el problema ya estaba casi garantizado (su rostro impenetrable se dejó ver en cintas míticas como La Roca o El color del crimen).Image result for stone cold 1991Pero el héroe de la función no es otro que Brian Boxworth (ex jugador de fútbol americano que quiso probar fortuna como actor buscando la fórmula que lo emparentara a musculosos tipo Arnold Schwarzenegger o Jean Claude Van Damme), quien da vida  a un policía muy duro que en su próxima misión será el encargado de infiltrarse en la citada banda de motoristas. Tienen casos ya prescitos pero Joe considera que hay que hacer justicia. Para ello llevará a cabo una operación encubierta, ganándose la confianza del líder de la banda sin levantar sospechas. Tendrá que hacer auténticas peripecias para que no le descubran y conseguir su objetivo con éxito.Related imageTraslación de las biker movies (aquel entrañable subgénero de películas que tuvo en "Easy Rider" su epicentro, que llevaron a las pantallas a partir de finales de los 60 el encanto de las desiertas autopistas norteamericanas y sus superlativos habitantes a bordo de Harleys) al cine de acción estereotipado hasta la médula (muy popular por entonces), de incontestable espíritu macarra y fiel a su estilo desde el primer fotograma.  Craig R. Baxley (experto en la coordinación de escenas de acción de películas tan populares como "Predator") dirige con soltura el libreto y sin ningún tipo de pretensión ajena a las de la fidelidad por un estilo de acción que tantas horas de diversión ha brindado a toda una generación, o lo que es lo mismo, aquellos dorados años 80 donde el género gozaba de un exceso y desvergüenza muy añorados desde entonces.Image result for stone cold 1991En cuanto a otros aspectos que tienen que ver con la ficha técnica del film, vale la pena destacar  que la fotografía corre a cargo del operador polaco Alexander Gruszynski, quien a día de hoy aún sigue al pie del cañón después de haber trabajado en títulos como El guardián de las palabras, Jóvenes y Brujas o Temblores, mientras que la banda sonora fue compuesta por Sylvester Levay, un auténtico mito musiquero de la década de los 80 a reivindicar desde ya que firmó entre otros los soundtracks de Cobra, el brazo fuerte de la ley, Flashdance o El Precio del poder.Related imageComo anécdota final, comentar que en una entrevista, el protagonista del film afirmó que como buen aficionado a la mecánica, él mismo se había construido la moto con la que van dando garbeos de un lugar a otro, ya que dijo sentirse mucho más cómodo que con la que le habían traído los diseñadores de producción.  Y es que en los ochenta, los tipos duros imponían su ley a sangre y fuego… 

La Dalia azul (George Marshall, 1946)

Sin duda nos hallamos ante uno de los clásicos del cine negro de todos los tiempos, a la altura de otros títulos míticos como El sueño eterno, Historia de un detective, Extraños en un tren o Perdición, todos ellos guionizados por el maestro del género Raymond Chandler (si les falta por ver alguno de los films citados, ya están tardando en localizar una copia).Related imageTerminada la II Guerra Mundial (1939-1945), Johnny (Alan Ladd), después de haber sufrido multitud de horrores entre los que se cuenta el haber perdido un hijo por culpa del a difteria mientras se encontraba en el frente,  vuelve a su casa en compañía de dos camaradas de batalla, pero descubre que su mujer se ha enamorado de Eddie, el dueño de un night club llamado 'La dalia azul'. Al principio, se siente tan anonadado que sólo piensa en vengarse, pero inmediatamente abandona la idea y se va. Cuando, al día siguiente, su mujer aparece muerta, él se convierte en el principal sospechoso, ya que había llegado incluso a amnazarle con una pistola. No le quedará entonces más remedio que buscar al asesino, y Joyce (la bellísima e inigualable Veronica Lake), la esposa de Eddie, le ayudará a encontrarlo.Image result for The Blue DahliaLa Dalia azul es un referente dentro del subgénero noir de las películas que giran alrededor de los soldados que vuelven a casa tras el cese de hostilidades de la Segunda Guerra Mundial y que se encuentran sin comerlo ni beberlo con una sociedad corrupta y decadente; una versión putrefacta de la América que dejaron para luchar y donde el pastel de manzana de mamá ahora oculta cuchillas de afeitar.Image result for The Blue DahliaEl emparejamiento de Ladd y Lake a través de varias películas fue un tanto extraño, ya que rara vez se les ofrecía mucho tiempo para compartir pantalla, a pesar de que los carteles de cine incidían en la idea de que los íbamos a ver juntos durante gran parte del metraje. Aquí, Lake interpreta a la ex-esposa de Harwood, que acaba de darle a Johnny un impulso, cayendo al instante por su melancólico encanto. Ambos se quedan en el mismo hotel, y otro encuentro casual ocurrido durante el desayuno nos da el único momento de sustancia entre la pareja, ya que coquetean con la idea de un futuro que parece imposible para ambos. Posicionada en un balcón, Lake mira hacia el océano con ansia, hablando de un deseo de subir palos y viajar, mientras que el ex hombre de la marina de Ladd, diciendo, mantiene la espalda girada hacia el mar.Image result for The Blue DahliaComo ocurría en la también muy recomendable La llave de cristal, la relación más intrigante aquí es la que existe entre los personajes interpretados por Ladd y Bendix. Este último, Buzz, interpretado a la perfección por uno de los secundarios de lujo del Hollywood dorado, William Bendix (Naúfragos, Brigada 21, El gran robo), da vida a un bruto simpático con una placa de metal en la cabeza que se pone de los nervios cada vez que escucha "música de mono" (un término racista para el jazz). Su cariño por su piloto es entrañable, la enorme zorra que anda constantemente en su apartamento esperando noticias de su amigo, pero Buzz también está implicado de alguna manera en el asesinato, sin saberlo Johnny, habiendo compartido una bebida en un bar con Helen la noche de su muerte.Image result for The Blue DahliaLas primeras escenas hacen un gran trabajo a la hora de crear el ambiente de la película, pero la intriga inicial no acaba de sostenerse del todo debido a las continuas reescrituras del guion donde se cambiaron algunos de los parámetros de desarrollo argumental que no acababan de ser del gusto ni de los  productores ni de algunos de los estamentos oficiales que apoyaban al film, caso del mismísimo Ejército de los EEUU, quienes se ofendieron ante la idea de que un excombatiente cometiera un asesinato en claro estado de embriaguez.El único pero de tan estimable film es la desganada dirección por parte de George Marshall, un cineasta mucho más dotado para la comedia que para el cine negro.

Estrellas fugaces (Anthony Asquith, 1928)

Anthony Asquith fue un hombre privilegiado de su tiempo. Su padre fue HH Asquith, primer ministro liberal británico de 1908 a 1916. Educado en Winchester y Oxford, Anthony se sintió atraído por el medio relativamente nuevo que era el cine, aunque consideraba que el  estado en el que se hallaba en su país era horrible. Mientras Alfred Hitchcock, su contemporáneo, fue a Alemania a aprender su oficio, Asquith se dirigió al Oeste, a Hollywood, donde pasó un intenso tiempo reuniéndose y observando a figuras tan importantes como Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Lillian Gish y quizás la más importante de todas ellas, Charles Chaplin.Mae and Julian in a classic silent film situation in Anthony Asquith's Shooting Stars (1928)Cuando volvió a Inglaterra, estaba decidido a transformar la industria cinematográfica local. Asquith había escrito sin rodeos acerca de la mala calidad de la mayoría de las producciones británicas rodadas hasta la fecha. La falta de recursos económicos y sobre todo la increíble carencia de sentido  demostrado por la mayoría de los directores ingleses, quienes por lo general abusaban de manera desproporcionada de los subtítulos sobrecargando las mínimas  imágenes fueron el caballo de batalla de un realizador decididamente a contracorriente. Para contrarrestar esto, Asquith escribió una serie de guiones que intentó promover, sin éxito entre varias productoras.Mae (in background) forgotten, waiting to be called to set as an extra in Anthony Asquith's Shooting Stars (1928)Su debut en la gran pantalla no es tan solo una imbricada historia de amor y celos. Es una meditación ejemplar sobre el oficio del cine y la naturaleza de las películas, las conexiones entre la vida real y la imaginaria y las distintas formas en las que la fantasía de la pantalla informa e incluso da forma a las emociones reales, así como una sofisticada crítica de la mediocridad del tipo de producciones rutinariamente producidas en Inglaterra.  En ese aspecto su propia complejidad ofrece una completa refutación de la pereza tan profundamente arraigada en la industria.Annette Benson as movie star Mae Feather on the set of a western melodrama in Anthony Asquith's Shooting Stars (1928)Estrellas fugaces (Shooting Stars) comienza en un estudio británico de los años 20, donde al tiempo se están filmando, pared con pared, un slapstick y un western. Resulta un fascinante reflejo del tras bambalinas de la época, así como un comentario mordaz a la frivolidad del "star system".Mae about to be pecked by her pet dove in Anthony Asquith's Shooting Stars (1928)Cada detalle narrativo está construido de forma muy cuidada para ir creando una serie cada vez más intensa de ecos entre las vidas reales del triángulo protagonista y la vida cómica y melodramática de los personajes que interpretan en las dos películas a cuyo rodaje asisitimos tanto en el estudio como en localizaciones exteriores. Este brillante ejercicio de metacine  alcanza su punto máximo en una secuencia en la que Julian acude al cine y observa uno de los melodramas que él mismo y su amada Mae han protagonizado. Rodeado por un público bullicioso y apreciativo, él mismo reacciona emocionalmente a la intensidad transmitida desde la pantalla en el momento en el que su personaje compite por salvar al personaje de Mae de un "destino peor que la muerte" a manos del villano de turno.Mae Feather (Annette Benson) and Julian Gordon (Brian Aherne) shooting the film-within-the-film in Anthony Asquith's Shooting Stars (1928)También digno de elogio el nivel de tragedia alcanzado en la parte final del film, que aquí no desvelaremos pero que sirve como contrapunto ideal para ensalzar lo absurdo de toda la situación anterior confeccionada. 

Juerga Tropical (Carl Reiner, 1987)

Siempre es Bueno acudir a las Fuentes para recordar lo que se dijo de Juerga Tropical el año de su estreno, hace ya la friolera de 30 años. En este caso nos apoyamos en uno de los críticos más influyentes del siglo XX, Rogert Ebert, a quien no le tembló el pulso a la hora de dejar a la altura del betún esta comedia, a la que calificó de indolente, lenta y a la que había que aplicar un punto de voluntat para poder aguantar si marcharse de la sala. También cargó las tintes en su falta de originalidad, afirmando que ya estaba un poco cansado de ver que se cumplían a rajatabla unos personajes adolescentes arquetipos (el atleta, el nerd, la muchacha embarazada, el tímido...).Related imageUn profesor de gimnasia del instituto (Mark Harmon, justo en la cresta de la ola mediática muchos antes que se eternizara durante más de una década en la serie de tv Navy: investigación criminal) tiene pensado grandes planes para el verano, pero se ve obligado a cancelarlos para impartir clases de recuperación de Lengua a los alumnos que han suspendido, Afortunadamente, sus poco convencionales métodos de enseñanza logran hacerle conectar con los alumnos y crear un ambiente de diversión y entretenimiento en el que aprenderán casi sin darse cuenta.Related imageEntre el elenco actoral hallamos a una pléyade de intérpretes que vivíeron tiempos de gloria durante la década de los 80 pero que, cinematográficamente hablando fueron siendo engullidos por el ostracismo años después. Ahí está por ejemplo Kirstie Alley, quien alcanzó fama y gloria con Cheers y la saga Mira quien habla y que luego se fue arrastrando de mala manera en auténticos bodrios filmados con muy poco arte (Hay un muerto en mi cama, Dos por el precio de una,  El hada de los dientes, A las duras y a las maduras…). Junto a ella actores emergentes como Kelly Jo Minter, Gary Riley o Courtney-Thorne Smith (¿alguien se acuerda de ellos?).Image result for juerga tropical cineCon todo y con ello nos vamos a permitir discrepar un poco del experto Ebert para afirmar que esta Juerga Tropical que ahora nos ocupa tiene su gracia en algunos momentos. Existen dos cosas principales que hacen que "Summer School" sea soportable: Mark Harmon y Kirstie Alley. El personaje de Harmon podría fácilmente ser un loco, alguien muy fácil de ser totalmente desagradable, y, sin embargo, no siempre sale de esa manera. No estoy diciendo que vayas a amar al personaje de Freddy Shoop, pero si nos atenemos al guion, hay tantos escollos en los que un actor podría haber caído (como jugar con su ingenuidad para pasar por manipulador o egoísta), y cualquiera de ellos habría arruinado la película.Image result for juerga tropical cinePor otro lado, en 1987, Kristie Alley estaba en la cima de sus poderes cómicos. Aquí su rol es bastante directo, la chica que motiva al chico a hacerlo mejor, pero ella se sale como alguien que realmente intentar algo un poco más complicado,  aportando algo de inteligencia al conjunto. La película gana enteros cuando su humor se muestra más absurdo y surrealista, caso de esa “extraña” excursión individual al club de strip-tease o las diversas pruebas que deben pasar los protagonistas para obtener su ansiado objetivo final.Image result for juerga tropical alleyEl director del film, Carl Reiner, ya contaba con sesenta y cinco años cuando se puso al mando de la producción, después de haber parido obras tan nada despreciables como Cliente muerto no paga o Un genio con dos cerebros, ambas protagonizadas por el inigualable Steve Martin. Aquí se apoya en un libreto firmado por Jeff Franklyn, quien para que nos pongamos en situación estuvo detrás de la celebérrima serie de niñas prodigio Padres forzosos, y aún hoy en día en labores de producción también ha tenido mucho que ver con el remake postrero titulado Madres forzosas.

MIEDO EN LA CIUDAD DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1980, PAURA NELLA CITTÀ DEI MORTI VIVENTI)

MIEDO EN LA CIUDAD DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1980, LUCO FULCI)

SINOPSIS: En la ciudad de Dunwich, en Nueva Inglaterra; el suicidio de un cura convierte en realidad una vieja maldición...
COMENTARIO: Tal y como describía certeramente el escritor británico Ramsey Campbell en su prólogo para la primera edición de Los libros de sangre de Clive Barker : «Se suele asumir que las historias de miedo son reaccionarias, y sin lugar a dudas, algunos de sus mejores exponentes lo son». Campbell se refería   al concepto del terror como elemento de ruptura momentánea de la realidad (y el confort), que una vez finalizada, deja paso a la normalidad y a la posición acomodada  del protagonista de la ficción, así como del lector. En este sentido, la función catártica y evasiva del personaje del zombie explicaría su longeva presencia en medios audiovisuales tan masivos como el cine o la televisión; el zombie es un elemento disfuncional y a eliminar, en una sociedad ordenada, pulcra y perfecta.
     Para demostrar el carácter coyuntural de la figura del zombie, basta con enfocar desde una perspectiva antropológica, la evolución cinematográfica que el subgénero zombie ha experimentado a lo largo de su historia... Si bien en sus orígenes (I Walked with a Zombie, La legión de los hombres sin alma, etc) , y de acuerdo con la tradición haitiana, el zombie era sometido a aquél que había provocado su estado, para convertirse en su esclavo, y en un ser sin voluntad propia, con el tiempo, (y con el director neoyorquino George A. Romero como principal impulsor), se introdujo al arquetipo del zombie, el temor de poder transmitir su estado a través de un mordisco o arañazo, en lo que algunos vieron una metáfora de la paranoia al contagio de enfermedades epidémicas como la sífilis o el sida.
    El arraigo popular del género no ha hecho más que intensificarse en los últimos tiempos. Si en principio, el temor que provocaban los muertos vivientes provenía del efecto de shock de un ser putrefacto y sin vida irrumpiendo en la vida cotidiana de una sociedad moderna, los referentes más actuales (con la saga cinematográfica 28 días después y secuelas, más la serie televisiva The Walking Dead en primera línea), se ambientan en un mundo apocalíptico, en el que la humanidad prácticamente ha desaparecido, convirtiendo a los supervivientes en los auténticos muertos en vida del relato, que tienen como única finalidad buscar refugio y alimentarse …
    El romano Lucio Fulci cimentó su popularidad con productos que tenían en la temática zombie el pretexto para la explotación comercial de la exitosa saga de George A. Romero. Desde finales de los años setenta, y aunque tenía más de veinte años de carrera, se vinculó para siempre el nombre de Fulci al cine de terroritaliano en su vertiente zombie más gráfica y violenta. Una percepción poco rigurosa.
  En la primera parte de Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (1980), tras un impactante prólogo en el que un sacerdote se suicida, abriendo un portal con el más allá desde el que los muertos regresan del más allá, la película conjuga elementos y recursos propios del cine policíaco y detectivesco ( que Fulci había tratado en sus orígenes como director). De factura modesta y una evidente falta de recursos, Fulci hace de las limitaciones una virtud, creando un clima de continua sensación de peligro -en la tradición del mejor giallo-, con elementos tan básicos como la investigación que practica un periodista sobre la extraña muerte de una joven durante una sesión espiritista, o el entramado de relaciones personales que une a los personajes de la narración. Llaman la atención la soltura y la falta de prejuicios con las que Fulci afrontó esta historia, a priori repleta de tópicos: Sacerdote que vuelve del más allá transformado en el mal personificado, joven fallecida en misteriosas circunstancias, periodista que investiga dicha muerte, seres procedentes del más allá que irrumpen con violencia en escena , etc ….lo que podría haber sido un auténtico caos argumental es zarandeado por el director italiano con la convicción y la ironía suficientes para diferenciar este título de la típica película de consumo rápido .
    De alambicado desarrollo, y un desenlace tan forzado como desconcertante (que se intuye más fruto del final del presupuesto que de las necesidades de la historia), puede criticarse a Fulci que no cuide con demasiado esmero aspectos como la dirección de actores, la verosimilitud del guión o el excesivo uso del plano/contraplano (esto último, en ocasiones puede llegar a provocar la hilaridad en el espectador),  pero de lo que no se le puede acusar es de ser tedioso. Escenas como la de la muerte de la joven en el interior del coche, que literalmente “vomita” sus entrañas, la repugnante ( e interminable) lluvia de gusanos, o que el principal malvado de la función sea un cura reconvertido en figura malévola (es público el anticlericalismo de Fulci), justifican el visionado de esta obra, aunque sea bajo el pretexto de declararlo un Guilty Pleasure”...
   Como curiosidad cabe mencionar la presencia en el reparto de Michele Soavi, el irregular y antaño prometedor director de cine milanés, amén de un cameo del propio Fulci, aquí como un erudito doctor.
Mario Ripoll     

EL INCINERADOR DE CADÁVERES (1969, SPALOVAC MRTVOL)

Resultado de imagen de el incinerador de cadáveresEL INCINERADOR DE CADÁVERES (1969, JURAJ HERZ)COMENTARIO: Spalovac Mrtvol también conocida como The Cremator en países sajones y El incinerador de cadáveres, estrenada en cines de arte y ensayo –cuando aún existían- de nuestro país- responde a los cánones del cine emergente de la Europa del Este que intentaban dar respuesta al totalitarismo reinante en la primera mitad del siglo pasado. Resulta excesivamente convincente en su planteamiento, donde un padre de familia extremadamente religioso cataliza toda la atención del entorno que lo rodea (familia, amigos, trabajadores, políticos, …) dejándose llevar por sus raíces germánicas. Un elemento indisociable de esa crítica velada al fascismo queda expuesto desde las primeras imágenes (en un desgastado blanco y negro  a cargo de Stanislav Milota) donde el señor Karel (un hipnótico Rudolf Hrusînský) utiliza su relativo poder para cautivar a sus afines a través de la palabra o mejor dicho la locuacidad con la que se expresa a modo de soliloquio. Nadie replica su status, abandonando a su suerte a una familia a la que desprecia como veremos en la parte final. Pocos directores como Juraj Herz –cineasta a redescubrir por los historiadores de cine y analistas del fenómeno cinematográfico europea de fantaciencia- supieron llevar a cabo una acertada puesta en escena en un ambiente tan opresivo como puede ser un crematorio en el interior de un cementerio que aporta numerosos signos de deterioro y de opulencia a la vez. Una aproximación certera de la alienación a la que puede llevar a un individuo tan a priori insignificante como puede ser Karel, con la única idea de vindicar su preeminencia para con los judíos a través de un viaje etéreo. La cremación como modelo de destrucción y desaparición –tumba incluida- de cualquier vestigio del judaísmo. Un canto en toda regla a la libertad humana por encima de cualquier ideal propugna un Herz empeñado en mostrar el lado más manipulador del ser humano. Aquí Karel es mostrado como un trasunto del Führer tan débil como aquel en principio, dotado también de un cierto conocimiento artístico –recordemos que Hitler intentó sin éxito acceder a la Escuela de Bellas Artes de Viena- aunque con idéntico discurso a posteriori. Magnífico retrato, pues, de una sociedad anquilosada en un pasado de guerras que la convierte en un espectro de lo que fue. Maravillosos travellings y primeros planos cenitales que agrandan la locura y el desorden en el que vive sumido el protagonista y su extraña familia. Pasajes atrevidos para la época con desnudos de prostitutas, sirvientas del régimen, que ahondan en la diferencia de clases que promulgaba el nacionalsocialismo germano. La acción se sitúa en una Checoslovaquia ocupada, donde pocos tienen acceso a un futuro esperanzador.Galardonada como mejor director, mejor fotografía y mejor actor en el Festival de Cine Fantástico y de Terror de Sitges de 1972 –tres años después de su producción-, no así como mejor película –Mención especial de la crítica, eso sí- que recayó en la no menos espléndida El otro (1972, Robert Mulligan), aunque con connotaciones distintas, con parecido tono onírico. Detallar que el film de Herz contó con la presencia de Jiri Menzel, uno de los artesanos checos que tomaría su relevo de forma más contenida pero igualmente crítica.Resultado de imagen de el incinerador de cadáveresÀlex Aguilera

Fuego en el cuerpo (Body heat, 1981)

Un thriller perfecto, rodado con mucha elegancia, que nos sumerge en una atmósfera a la vez sensual y asfixiante, en una Florida de extrarradio convertida en una sauna. Película imprescindible interpretada por un joven grupo de actores, William Hurt, Kathleen Turner, Ted Danson, Mickey Rourke... entonces desconocido pero que después alcanzarían una merecida fama, aunque siguiesen una trayectoria artística muy desigual.bodyheat001 bodyheat002 bodyheat003 bodyheat004 bodyheat005 bodyheat006 bodyheat007 bodyheat008 bodyheat009 bodyheat010 bodyheat011 bodyheat012 bodyheat013

El cine de Michael Mann

Michael Mann (Chicago, 1943) está considerado uno de los grandes genios del Hollywood actual, así como uno de los directores más tiranos que han existido.Pero su tiranía nos deja grandes películas, desde la primera hasta la última... por ahora.mann001 mann002 mann003 mann004 mann005 mann006 mann007 mann008 mann009 mann010 mann011

La fugitiva (Norman Foster, 1950)

La magia del cine produce que de vez en cuando no te esperes nada de una película y esta te sorprenda gratamente. Es lo que ha ocurrido con La fugitiva (Woman on the run, 1950), un más que digno ejercicio de cine negro de serie B dirigido por Norman Foster (Sangre en las manos, Rachel y el forastero) e interpretado por los reivindicables Ann Sheridan (Cita en Honduras, Cuando llegue la primavera) y Dennis O´Keefe (Prisionera de su pasado, Tambores de Tahití).Image result for woman on the run movieLo primero que sorprende es lo cuidado del guion. Muchos de los que vean el film llegarán a la conclusión de que hoy en día ya no se tiene tanto esmero en las producciones pequeñas a la hora de darle vueltas a diálogos y monólogos. El ritmo conversacional es vertiginoso, en dura pugna entre todos los personajes por ver quien dice la frase más ingeniosa o suelta el comentario más sarcástico. No nos sorprende si atendemos a que quien firma el libreto es un auténtico maestro en la materia. Nos referimos a Alan Campbell, quien durante su brillante carrera escribió grandes guiones como los de La Loba, Seis destinos o Ha nacido una estrella.Related imageLa palma se la lleva el cuarteto protagonista de la historia: una mujer desencantada en su matrimonio que reverdecerá viejos laureles en los rescoldos del amor de su marido; su propio marido, un hombre corriente y grisáceo que también se gasta una buena guasa; el malísimo de la función, un malhechor de gatillo fácil tanto con la pistola como con la palabra, y un comisario veterano de vuelta de todo quien utilizará su vasta experiencia para que no se le escape ni un detalle del asunto.Related imageEl argumento gira entorno a una huida, la de un hombre que es testigo accidental de un asesinato a sangre fría  que intentará guarecerse para no caer en manos de quien le busca para que no le delate. La policía intentará utilizar a su mujer para dar con su paradero, pero ésta, más lista que el hambre, se las apañará para darles esquinazo con la ayuda de un periodista que busca su gran titular.Related imageLa fugitiva dispone de todos los ingredientes que uno espera encontrar en un clásico film noir de los que se hacían a porrillo en la década de los cuarenta y los cincuenta del siglo pasado. Una narración bien construida con la cantidad de giros de guion suficiente para que el espectador no pierda comba ni el interés por lo explicado en ningún instante, y un personaje protagonista femenino de esos que quitan el hipo por su integridad y personalidad. Ann Sheridan borda la figura de la femme fatale añadiéndole un punto melodramático en el apasionado amor que siente hacia quien creía perdido emocionalmente.Image result for woman on the run movieY por si fuera poco Norman Foster se permite el lujo de brindar un par de escenas brillantísimas: la inicial en la que la profundidad de campo se emplea de manera magistral en un juego de luces y sombras que acentúa la acción, y la que cierra el film que sucede en el parque de atracciones de Long Island y que resuelve en un exquisito alarde de planificación y de sincronización del ritmo que a alguno le retrotraerá a aquellas míticas producciones expresionistas rodadas en Alemania en los albores del cine.Image result for woman on the run movieJoya a descubrir por todos aquellos amantes del cine negro que busquen todavía alguna perla como ésta que la distribuidora Resen ha tenido a bien recuperar.   

Trauma

Dirigida por el maestro del terror Dario Argento, Trauma ya se encuentra disponible en Blu Ray de la mano de Resen. Con una calidad de imagen aceptable y un sonido de calidad, Trauma ya esta disponible en los comercios de España.https://www.youtube.com/watch?v=b3O51SxJMdwUna joven anoréxica huye del psiquiátrico en el que está recluida y conoce a un joven que quiere ayudarla. Sin embargo acaba siendo atrapada y devuelta a sus padres, que mueren decapitados por un extraño que merodea por el pueblo. La joven y su amante emprenden entonces una investigación que pondrá sus vidas en peligro, en cuanto averiguan que existe una posible conexión entre las víctimas y un turbio acontecimiento ocurrido algunos años antes. (FILMAFFINITY)trauma-1Aunque Trauma no es el mejor film del director italiano, no podemos decir que el mismo sea de malo, ni mucho menos. Ver a Asia Argento siempre nos ha gustado, y más sabiendo que se pone bajo el mando de su padre. No es la mejor actriz, pero suponemos que pasa como con otras estrellas, nos gusta y no sabemos el por qué.trauma-2El argumento va cambiando constantemente, y si bien en algunas partes el film se hace aburrido, algunos cambios de plano o colorido en general, son sublimes y, se nota la mano del director. Estamos hablando de un film del año 1993 que ha envejecido mal, pero que sigue siendo una de las favoritas del propio director.trauma-4En lo referente a la calidad de Imagen, Resen ha creado un Blu Ray prensado de calidad. Suponemos que el master de la misma lo sacan de la edición Americana, por lo que casi no notamos compresión en la misma.trauma-3El Blu Ray viene acompañado del doblaje original de 1993 al castellano, junto con inglés y alemán 2,0. No sabemos el porque de la no inclusión de una pista en italiano. No vamos a encontrar ningún tipo de extras en la edición.Trauma no es el mejor trabajo de Dario Argento, pero era un film descatalogado en nuestro país y volvemos a recalcarlo, gracias a distribuidoras como esta, podemos acceder a películas que son difíciles de encontrar, o directamente tenemos que tirar de ediciones extranjeras.Publicada originalmente en la web Inajayaa

Creepshow 2

Los maestros del suspense y del terror Stephen King y George A.Romero se reunieron, allá por los años 80, para dar vida a uno de los films más famosos de aquella época: Creepshow 2. El film reúne tres historias de terror (cuatro si contamos la animada) donde la venganza, la naturaleza y los muertos se reúnen para hacernos pasar un rato terrorificamente divertido.Dirigida en 1987 por Michael Gornic, después del enorme éxito de la primera parte estrenada en 1982, se decidió volver a reunir a estos maestros del terror, uno experto en literatura y el otro en cine. Tenemos que reconocer que el resultado ha sido fantástico y es que si en algo estamos seguros es de que CreepShow 2 es uno de los mejores films de terror.Tres son las historias que veremos en la película:El viejo jefe Cabeza de Madera (la más impactante)El viejo matrimonio Spruce intenta mantener su negocio que ya apenas les aporta beneficios en Dead River, un pueblo económicamente muerto. La única compañía de Ray es su querida esposa Martha y su viejo indio de madera. Un día, el jefe de la tribu, Benjamin Lunablanca, le entrega a Ray unos tesoros indios que forman parte de su comunidad, los cuales deben dinero a Ray y quieren agradecerle lo que ha hecho por ellos (haber comprado alimento y otras cosas necesarias de la tienda sin necesidad de cobrarles). Por este hecho el viejo matrimonio comienza a tener esperanzas futuras sobre el pueblo y sobre su propia economía. Pero ese mismo día; tres delincuentes, encabezados por Sam Lunablanca atracan la tienda y asesinan al matrimonio por no haber querido entregarles los tesoros indios que precisamente pertenecen a la tribu del tío de Sam (Benjamín). El único testigo de esta sangrienta injusticia es el viejo indio, que cobrará vida y tomará venganza sobre sus dueños.Protagonizada por: George Kennedy (Ray Spruce), Dorothy Lamour (Martha Spruce), Frank S. Salsedo (Benjamin Lunablanca), Holt McCallany (Sam Lunablanca), Don Harvey (Andy Cavanaugh), David Holbrook ("Gordo").La balsa (nuestra favorita)Un grupo de cuatro adolescentes deciden pasar el día en un lago abandonado. Nada más llegar, y sin pensárselo dos veces, se lanzan al agua dispuestos a llegar a una vieja balsa que uno de los chicos había visto la semana anterior. Pero al meterse en el lago, los chicos repararán en una extraña mancha que avanza por el agua. ¿Una mancha de petróleo quizás? o algo más que eso ?. Pronto los chicos se darán cuenta de que la misteriosa mancha tiene hambre y les querrá devorar insaciablemente...Protagonizada por: Daniel Beer (Randy), Jeremy Green (Laverne), Paul Satterfield (Deke) y Page Hannah (Rachel). El autoestopista (el dinero no lo es todo)Una mujer regresa a casa en coche después de un encuentro con su amante. Durante una distracción atropella a un autoestopista. Aturdida por lo sucedido, decide no parar y seguir adelante en su trayecto. La mujer se verá sorprendida por el cadáver, que se encargará de propinarle un aterrador trayecto, mientras le repite sin cesar: “gracias por el paseo, señora...” Después de varios intentos tratando de deshacerse del cadáver, llega al garaje con el coche destrozado y pensando que todo ha sido producto de su imaginación tras un accidente... Pero la sorpresa del final le desvelará que nada de lo sucedido ha sido un sueño...Protagonizada por: Lois Chiles (Annie Lansing), Tom Wright (Autoestopista), David Beecroft (amante), Richard Parks (George Lansing), Stephen King (conductor del camión).Los amantes del terror no pueden dejar escapar la oportunidad de hacerse con una copia de este film que ha sido editado en DVD y Blu Ray de la mano de Resen. Nosotros hemos tenido la oportunidad de poder visualizar la edición en Blu Ray, que cuenta con una muy buena calidad de imagen y sonido, sobre todo la pista de doblaje original.A todo esto tenemos que sumarle la inclusión del tráiler cinematográfico, así como los anuncios de televisión americanos y unas galerías de imágenes en HD con escenas del rodaje. El Blu Ray llega prensado.Una oportunidad única para los amantes del cine de terror, o para todos aquellos que decidan pasar un rato terrorífico en compañía de sus familiares, ya que el film es apto para mayores de 12 años. Creepshow 2 ya se encuentra disponible.Los resúmenes de las historias han sido copiados de la web Wikipedia.Entrada original publicada en la web Inajayaa

|título        = CreepShow 2
|género        = Terror-Fantastico
|origen        = Estados Unidos
|distribuidor  = Resen
|idioma        = Inglés-Castellano
|sistema       = Blu Ray y DVD
|edades        = +16

Curso de 1999 (Mark L. Lester, 1990)

Curso de 1999 se estrenó en 1990. Trata de la futura violencia dentro de las escuelas secundarias en relación con las pandillas. Y lo que el gobierno y los miembros del consejo educativo intentan hacer al respecto.Image result for curso de 1999En el año 1999, las bandas se han convertido en un problema tan grave que algunas ciudades viven en la anarquía, sin control. En Seattle, profesores robot se han introducido secretamente en las escuelas más conflictivas para controlar a los alumnos.Related imageEl gobierno y los miembros de la junta educativa construyen cyborgs para enseñar disciplina dentro de las aulas. Enseñan a los niños sobre diferentes temas como la historia, la química y otras materias. Y si los estudiantes de secundaria se salen de madre, los maestros / cyborgs  se encargan de disciplinarlos con métodos bastante expeditivos.Image result for class of 1999Sin embargo, los profesores deciden que necesitan eliminar las malas influencias alrededor para que pueda llegar a aflorar lo bueno. Pronto comienzan a matar a estudiantes y Cody, el delincuente, es testigo del asesinato de su hermano. Comienza un motín… Ojalá todas las películas malas fueran tan buenas. Class of 1999 es diversión pura y dura con un argumento tan sencillo como relativamente bien pensado. Es puro parto ochentero, y se disfruta como tal sin meterse en buscarle los tres pies al gato.Image result for class of 1999El director del film, Mark L. Lester (no confundir con el actor de Oliver), cuenta entre su vasta filmografía con algunos títulos estimables como Ojos de fuego (19849; Little Tokyo, ataque frontal (1991); Comando (1985); Fugitivo en la noche (1995) o La semilla del mal (1998). Entre el elenco actoral destaca la presencia de tres míticos actores aquí en horas un poco bajas: Nos referimos a Malcolm Mc Dowell, Stacy Keach y Pam Grier.Related imageEscenarios que parecen apocalípticos donde el puro cine fantástico se mezcla con la comercialidad de aquella etapa. Mark Lester hace de su película un culto instantáneo, con bandas de pandilleros que toman el control de ciudades que parecen desguaces infinitos y con personajes masculinos que se visten de Boy George y personajes femeninos que lo hacen de Cyndi Lauper. No es que las interpretaciones sean buenas, pero están al nivel de lo de aquellos años.Image result for class of 1999Los efectos especiales mejorables, pero por encima de la media del género. De todas formas lo atractivo de la película es su idea, descabellada y efectista a partes iguales. Para los amantes de la ciencia ficción, de películas con ese transfondo rebelde, o simplemente de tener ganas de ver un Calles de Fuego a lo cyberpunk la película cumple su cometido con creces. De lo que más desapercibido pasó de la época, algo verdaderamente injusto, aunque así se acentúa su culto.Image result for class of 1999Muy entretenida y con escenas para el recuerdo. Buena banda sonora como todo lo que provenía de aquella época de baterías sintetizadas, con buenos y malos bien definidos y pocas dosis de sorpresa, aunque no las necesita. Todo un descubrimiento para quien consiga localizarla.

No abrir hasta Navidad (Edmund Purdom, 1984)

En la ciudad de Londres, esta Navidad vas a tener muchos problemas si vas vestido como Santa Claus, porque hay un asesino a sueldo cuyo objetivo es acabar con todos. El primero en ser atacado es un pobre hombre que estaba haciendo manitas con su novia, y la cosa acaba como el rosario de la aurora. Al inspector Harris (Edmund Purdom, reconocido actor inglés al que se recuerda por títulos como El hundimiento del Titanic o Julio César y que aquí también ejerce labores de dirección) de Scotland Yard no le queda más remedio que ponerse manos a la obra para intentar arreglar las cosas. Por desgracia, no es lo suficientemente rápido para evitar la muerte de un millonario que estaba celebrando una fiesta con sus amigos y familiares, mientras vestía el traje rojo – quien acaba un poco empalado.Image result for Don't Open 'Til ChristmasAunque Gran Bretaña tiene una tradición desde tiempos remotos de disfrutar de una historia de fantasmas en época navideña, poco a poco dicha costumbre se fue limitando a la pequeña pantalla. Una excepción a la regla fue No abrir hasta Navidad, un ejercicio de violencia cafre que intentó saltar al carro del slasher, tan en boga al principio de la década de los 80, pero palideció ante el recuerdo de la que sigue siendo película de terror favorita de los británicos en Navidad: Black Christmas (1974).Related imageEl protagonista del film aplicó las técnicas aprendidas a su paso por el giallo italiano (El castillo de las mujeres malditas, La amante del demonio) para dotar de un poco de entidad a un personaje que durante todo el film se va moviendo entre lo sobrio y lo caricaturesco. El guion hay que cogerlo con pinzas, porque aquí delo que se trata es de aplicar la fórmula del aquí te pillo aquí te mato regalándonos asesinatos por doquier a cual más salvaje e imaginativo (no en vano los productores del film fueron los mismos que los de la mítica Viernes 13).Image result for Don't Open 'Til ChristmasLa identidad del malo no es ni siquiera un misterio. Aunque sabemos de buen principio quién es el psico de turno, nadie parece querer darse cuenta, lo que lleva a la hija del millonario Kate (Belinda Mayne) a sospechar de su novio Cliff (Gerry Sundquist). Para nosotros, es sospechoso por otras razones, por ejemplo, no sólo se gana la vida como cantante de flauta, sino que después del asesinato de su padre, invita a Kate a posar desnuda para el despreciable fotógrafo Kevin Lloyd…quien por supuesto se haya puesto y dispuesto a calzarse su traje de Sant Claus.Don't Open Till Christmas - Santa StabbedOscura y con una calidad de imagen pobre, el director enlaza asesinatos con imágenes del asesino paseando por las calles, sin destino aparente y la calidad del conjunto resulta mediocre, por no hablar del continuo derroche erótico que aparece en pantalla, y que tiene su culminación en una conversación entre el villano y una destetada transeúnte…¡en pleno diciembre!. Pero bueno, lo cierto es que a lo largo de la socorrida trama se sucede el despendole tanto físico como argumental. Mejor no rascar mucho, porque podríamos hacernos preguntas del tipo: si el asesino solo comete sus fechorías escogiendo como víctimas a quienes van vestidos de Papa Noel, ¿no podría Scotland Yard simplemente emitir un comunicado donde se recomendara no salir disfrazado de tal guisa a la calle?.Image result for Don't Open 'Til ChristmasA destacar también la aparición en forma de cameo del a modelo inglesa Caroline Munro, quien ya había hecho sus pinitos en el mundo del cine dando vida a la ayudante del villano en la mítica La espía que me amó, una de las cintas más aplaudidas de la saga James Bond.  

Debbie Reynolds 1932-2016

Cuando aún estábamos lamentando el fallecimiento de Carrie Fisher, nos enteramos del fallecimiento de su madre, Debbie Reynolds, un día después. Sirva como homenaje esta entrañable foto en la que aparecen madre e hija, la una actuando en las Vegas en 1963, y la otra contemplándola entre bastidores.fisherreynoldsY, para recordar a la veterana actriz, una selección de sus películas:debbiereynolds1debbiereynolds4 debbiereynolds5 debbiereynolds3 debbiereynolds2  debbiereynolds

NUEVA YORK BAJO EL TERROR DE LOS ZOMBI (1979, ZOMBI 2)

COMENTARIO: Aunque producida como si de una secuela del film Dawn of the Dead (El amanecer de los muertos, 1978) se tratara, Zombi 2, no puede considerarse una continuación del film de Romero por dos motivos. El primero de ellos, que nunca contó con el beneplácito de la productora estadounidense para convertirse en una franquicia de la misma; ni tan siquiera se tenían referencias de ella hasta poco antes de su estreno. El segundo motivo resulta bastante más lógico, puesto que la trama de Zombi 2 es ajena a lo que ocurre en la supuesta primera parte; sino todo lo contrario, podríamos hablar en todo caso de una precuela.Resultado de imagen de zombi 2 1979Considerada  por algunos como una obra maestra del género fantástico; y por otros, como una cinta bobalicona y mal realizada, Zombi 2, es únicamente una explotation fundacional en cuanto a cintas europeas que visualizaron el fenómeno zombi se refiere.Estrenada en nuestro país con el desconcertante título de Nueva York bajo el terror de los zombi (el término aún no se había extendido en su acepción plural) por la inefable distribuidora José Frade, esta gozó del beneplácito de un público iniciático en este terreno; no así, la crítica que se encarnizó con ella de forma sistemática.Con la perspectiva que nos da el tiempo, aunque uno no la viera en el momento de su estreno, comprendemos a medias ese fenómeno puntual dadas las prestaciones de un filme tan atropellado como es Nueva York bajo el terror de los zombi. Hablamos de atropellamiento por cuanto el film tiene un montaje deficiente y su pista de música y sonido no cuadra con los cambios de imagen, cortándose el crescendo narrativo en varios planos. Pese a lo concluyente del título hispano, la acción apenas tiene lugar en la ‘ciudad de los rascacielos’. Más allá de sus límites geográficos, se sitúa gran parte de la narración, concretamente, en una isla caribeña llamada Maintou. Es allí donde la protagonista (Tisa Farrow, la hermana desconocida de Mia y su compañero también americano, Ian McCulloch) intenta encontrar a su padre, quien experimenta con avances químicos una medicina que revivirá a los muertos. Con reminiscencias de los filmes de Jacques Tourneau, Yo anduve con un zombi (1943) y La legión de los hombres sin alma (1932), de Victor Halperin, Zombi 2 se preocupa por mostrar la crueldad de los ‘no muertos’ de forma poco hospitalaria, especialmente, con la nueva comitiva. Efectos especiales y visuales a cargo del afamado Gianni De Rossi, coetáneo del director Lucio Fulci, ilustran ese ambiente malsano que se vive en una isla que bien podría ser la del doctor Moreau o de uno de sus acólitos.Sin embargo, Lucio Fulci, director que se estrenaba en esta faceta dentro del género de terror tras haberse pasado casi treinta años escribiendo comedias para otros y realizando westerns, policíacos y commedia al uso en Italia, se labró una cierta fama a partir de este singular filme. No obstante, la controversia que creó la película fue más por su carácter visceral que por la de posible plagio, que no fue tal. En la retina –nunca mejor dicho- el momento en el que un zombi ataca a su frágil víctima con un punzón que acaba materialmente perforando su ojo derecho. La otra secuencia más amable, es aquella en la que un tiburón blanco –diáfana fotografía submarina no atribuible a Fulci- lucha con un desecho humano en el fondo de un cristalino mar.Resultado de imagen de zombi 2 1979Un sabor agridulce cierra un filme imperfecto –con una performance supuestamente impostada en el puente de Brooklyn- pero clarificador de una incipiente moda que seguiría con otras producciones italianas de bajo presupuesto: La noche del terror (1980), Zombi holocausto (1980) o la superior en todos los campos, Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (1980), también de Fulci.Àlex Aguilera

Carrie Fisher 1956-2016

Que toda la Fuerza de lo que nos hiciste soñar te acompañe:carriefisher01 carriefisher02 carriefisher03 carriefisher04 carriefisher05

Cazador del espacio: Aventuras en la zona prohibida (Lamont Johnson, 1983)

Aunque no lo parezca por lo modesto de su producción Spacehunter cuenta con mucho talento entre sus filas: Lamont Johnson (The Groundstar Conspiracy) dirigió esta película, basada en un guión de Jean Lafleur (The Million Dollar Hockey Puck), y fue producida por Ivan Reitman (Cannibal Girls). ¿Pero la película está bien? Pues mucho más interesante de lo que uno pensaba.Image result for space hunter movieLa historia de estos Cazadores del espacio comienza cuando, sin razón aparente, una gran nave espacial explota. La nave transporta a tres jóvenes astronautas que se estrellan en un cercano planeta tipo "E" (que es "E" para "Tierra", nos recuerda la voz de la computadora). Los malogrados tripulantes entonces envían una señal de localización recogida por nuestro héroe Wolff en su puesto espacial. La recompensa ofrecida es tan alta que toma a su novia vestida en ropa interior y su buggy duna abajo al planeta para ver si puede recogerlo.Image result for space hunter movieDe repente, una gran batalla estalla entre un barco, motocicletas con jaulas incorporadas, y ala deltas propulsadas a motor. Muchos de los habitantes del planeta parecen estar suscritos a la siempre popular estética "futurista pero polvorienta", copiada sin rubor de títulos míticos de lo post-apocalíptico que tienen a Mad Max como punta de lanza. (Spoiler) La batalla termina cuando los malvados planeadores, o "buitres", roban a las tres guapas supervivientes y las llevan de regreso a la "Zona Prohibida". En el proceso, la novia de Wolff es asesinada, pero no pasa nada, porque descubrimos que ella en realidad es un robot (ahí queda el dato: ¿qué hace el héroe de la función vistiendo con lencería fina a robots?).Related imageWolff decide seguirlos a la Zona Prohibida, donde uno ya puede conjeturar la cantidad de aventuras que esperan a nuestro caza espacial. En el camino se encuentra con Molly Ringwald, que interpreta a una chica bastante sucia llamada Nikki The Twister (ojo a la escena de la manicura en primer plano). Nikki se ofrece para guiar a Wolff a la Zona Prohibida y así luchar contra el chico malo con garras de metal, Overdog (interpretado por Michael Ironside, otro mítico) a cambio de comida.Image result for space hunter movieEsto conduce a una serie de encuentros con criaturas extrañas en su afán de rescatar a las secuestradas. No menos de tres veces Wolff y Nikki emulan una variación de la escena en El Imperio Contraataca en la que el Halcón Milenario vuela por encima de un  gusano gigante. Nuestros héroes se establecen en un área aparentemente segura cuando de repente se dan cuenta de que están rodeados de peligrosas criaturas y apenas pueden escapar.Image result for space hunter movieEsta repetición finalmente se rompe con la aparición de Washington, (Ernie Hudson, quien más tarde protagonizará Los Cazafantasmas del propio Reitman) una caza espacial rival que establece una tregua temporal con el protagonista para que pueda llevar a buen puerto su objetivo. Después de encontrarse con algunos enanos lanzando bombas, el Equipo de Wolff finalmente se abre camino en la Zona Prohibida, que como probablemente se puede adivinar es bastante mugrienta y oscura, con muchas luces de neón y tipos malos con parches oculares.Image result for space hunter movieComo ocurre en muchas películas coetáneas, Nikki y Wolff son solitarios que buscan algún tipo de familia  para crear una comunidad afín a sus intereses. No es de extrañar que encuentren una comodidad temporal entre ellos, de alguna manera. En general, Cazadores de recompensas se deja ver. Los valores de producción son mucho más altos que muchas otras épicas canadienses de ciencia ficción como por ejemplo Abraxas (1984) o Millennium (1989). La música, sin embargo, deja bastante que desear. Pero los aficionados de la nueva era celta se regocijarán porque hay suficientes baladas de flauta modo élfico para todos. 

Invasión USA (Joseph Zito, 1985)

Los terroristas soviéticos, cubanos y árabes lanzan un asalto furtivo contra los Estados Unidos de América. El plan es usar la anarquía, los disturbios y la histeria para desestabilizar el tejido de la nación en su camino para destruir a América de una manera constante y sistemática. Sólo un hombre, Matt Hunter se interpondrá en el camino de los militantes terroristas y su complot para tomar el mando del país.Image result for invasion usa norrisJoseph Zito sabe cómo ofrecer brutalidad en pantalla grande. Su inclinación por la sangre y las vísceras estaba salpicada por slashers como El Asesino de Rosemary (1981) y Viernes 13: el capítulo final (1984). El sadismo en pantalla le sirvió también muy bien con los espectáculos de acción protagonizados por Chuck Norris Desaparecido en combate (1984) e INVASION USA - una película cuyo argumento se autodescribe en el título. Estamos ante una de las más descaradas películas de acción jamás rodadas, llevándose la medalla de oro a la inverosimilitud con tal orgullo que a uno no le queda más remedio que enamorarse de ella.Related imageDonde quiera que estén los malos, ahí está el bueno de Chuck para llenarlos de plomo. Norris sigue caracterizando al tipo fuerte y silencioso, pero en esta película, Chuck actúa de manera sobrenatural. Es como si fuera una fuerza omnipotente con habilidades ninja. El estilo de “no-actuación” de Norris definitivamente le conviene. Habría sido un gran actor occidental italiano. Sorprendentemente, su rostro inexpresivo y acerado trabaja en el favor de las películas. Norris camina todo el tiempo como si fuera un yeti cabreado.  Aunque aquí  sonríe una vez cuando  está aserrando la madera con una motosierra y su armadillo vuelca  su tazón. El guión (firmado por James Bruner y el propio Chuck Norris), se tomó de una historia de Readers Digest, lo que le da a su personaje algunas líneas fantásticas. Chuck dice frases como, "Estás empezando a irritarme", y "Si vuelves aquí, te voy a golpear con tantos derechazos, que vas a rogar que te los de por la izquierda".Image result for invasion usa norrisINVASION USA (1985) es posiblemente la única película de acción donde el protagonista tiene asustado al villano de turno durante dos horas. Rostov está tan nervioso, tan aterrorizado de Matt Hunter, que ¡incluso tiene pesadillas con él! .Uno de los mejores gags del film es escuchar a Norris decir, ya sea hablando a una cámara de televisión, a uno de los terroristas, o en los sueños de Rostov como si fuera Freddie Krueger - "Es la hora de morir". Por supuesto, esto vuelve loco nuestro ruso (quien a veces parece alemán) y le provoca ataques de rabia y escalofríos por su columna vertebral.Related imageUna de las claves de su éxito es la exageración absoluta. Aquí nada es sutil o pequeño. ¡Aquí las cosas suceden a lo grande! Los muertos se cuentan por centenares, hay más tiros y cañonazos que en todas las demás películas de Chuck Norris juntas, y el malo malísimo de la función es el mayor retorcido que jamás ha concebido el cine de acción. Además tiene un punto de misógina (ojo a su primera aparición, con mujer volando incluída), y en el contexto de esas reuniones de colegas que he evocado antes, eso es un punto a favor.  

BASKET CASE 3 ( 1992 )

Los chicos Bradley van de excursión con la familia de "individuos especiales" hacia el sur porque Belial está a punto de ser padre. Pero unos ayudantes del sheriff secuestran a las criaturas monstruosas y la familia contraataca con terribles consecuencias.

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Tercera y ultima parte de la Saga, iniciada por Henenlotter en 1982.

Para mi es la mas visual y la mas entretenida de toda la saga, ya que vemos muchos maquillajes.

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Del reparto repiten Kevin Van Hentenryck y repite Annie Ross.

EDICIÓN BLURAY :

Nos encontramos con dos pistas de audio : Castellano 2.0 DD  e Ingles DTS 2.0. Dos pista de subtitulo, Castellano y Portugués.

Un formato de imagen de 1.85:1 que nos permite disfrutar en film en un 16/9 a pantalla completa.

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Y a mayores tenemos el pequeño extra de el trailer del film.

Edición sencilla pero decente que nos permite hacernos con esta película de terror/comedia.

BASKET CASE 2 ( 1990 )

Belial vuelve, y esta vez acompañado de amigos. Duane y su horriblemente deformado hermano son aceptados en una familia de "individuos especiales" bajo el cuidado de una doctora y de su guapa nieta. Cuando un reportero de prensa y un fotógrafo sórdido amenazan el bienestar de la familia, Duane y Belial junto con "los monstruos" defienden su intimidad con venganza.

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Segunda parte de esta Saga, nuevamente dirigida por el señor Frank Henenlotter.

Del reparto citar a Kevin Van Hentenryck ( que repite ) ; y a Judy Grafe y Annie Ross.

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Visualmente, esta saga va a la inversa que la mayoría, va de mal a algo mejor. Ya que los maquillajes son mejores que la primera parte.

EDICIÓN BLURAY :

Como sucede con la primera parte, aquí nos encontramos ante una edición básica, pero que por lo menos nos permite disfrutar este film en este formato.

Dos pistas de audio, Castellano DD 2.0 e Ingles DTS 2.0. Dos pistas de subtitulo, Castellano e Ingles.

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Un formato de imagen de 1.35:1 que nos permite disfrutar el film en pantalla completa en nuestros televisores, a una calidad muy aceptable.

Ya que este tipo de películas son difíciles de conseguir en nuestro país en este formato, edición mas que aceptable.

BASKET CASE ( 1981 )

SINOPSIS: Duane y Belial Bradley son hermanos siameses, ahora separados, y Duane lleva a Belial, un enano horriblemente deformado, en una cesta. Su pasado no es una historia feliz y busca venganza…

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Film escrito y dirigido por Frank Henenlotter. Director responsable de dirigir toda esta saga compuesta por tres películas.

El film es 100% años 80, con una disparatada mezcla de comedia y terror que nos proporciona un film entraño pero divertido y simpático.

El reparto es desconocido pero cabe citar a Kevin Van Hentenryck y a Terri Susan Smith.

EDICIÓN BLURAY :

¿DÓNDE TE ESCONDES HERMANO? (1981, FRANK HENENLOTTER)COMENTARIO: No queda clara la acepción de película de ‘culto’ en una pequeñísima producción de Serie B rodada en los albores de los años ochenta llamada Basket Case. Lo que sí es indiscutible es su carácter decididamente transgresor dentro de un género que vio nacer a uno de sus seguidores más acérrimos: Frank Henenlotter. Hijo de la contracultura más obscena y de la subcultura del drive-in de los años sesenta y setenta, Henenlotter edificó su carrera en torno a esa maquinaría del Underground en que se convirtió el cine doméstico en esas décadas. Explotando hasta la saciedad el consumo de películas de escasos argumentos y baja producción, quiso rescatar de ese inframundo auténticas rarezas para su colección particular, fundando inclusive un sello videográfico. Más allá de esa afición por el ‘mal gusto’ según los críticos oficialistas, Henelotter se labró un futuro efímero dentro de ese subgénero mal llamado Gore, cuyo padre putativo fue, sin dudas, Herschell Gordon Lewis. A él dedica Henenlotter esta primera obra, Basket Case, pues es un homenaje en toda regla a esa serie B, de ínfimo presupuesto que tan bien supo exprimir.Dejando a un lado este carácter de apadrinamiento reconocido, Basket Case es un film especial, extraño, de difícil degustación, aunque no exento de un componente que faltaba en esas pequeñas producciones del mercado estadounidense: la planificación y la interpretación.¿Dónde te escondes hermano? (significativo título estrenado en nuestro país) es por sí sola una cinta identificativa de un momento, de una historia nada ruinosa, no excesivamente bien ligada con la realidad de una práctica abortiva, abominable a todas luces, más aun si el ser humano está totalmente desarrollado. Ese carácter desmitificador de la buena praxis médica –el improvisado quirófano en casa de los Bradley- está aquí centrado en un ser deforme nacido junto a su hermano siamés Duane (el impronunciable Kevin Vanhentenryck). De nombre Belial (sinónimo de Belzevú, Satán y otras lindezas del mal), el monstruo a ojos de la sociedad (excepto a los de su tía y su hermano), representa el lado oscuro de un binomio separado por decisión paterna de su otro yo. Aquí queda suficientemente explicado –a través de crímenes, aproximaciones sexuales y demás- la filiación telepática entre uno y otro. Es en esta extraña a la vez que supeditada relación donde el film resulta extremadamente verosímil, no así en la sucesión de asesinatos, que aunque divertidos en su esencia, no dejan lugar al desencuentro formal y lógico. El film se beneficia de todos modos de la labor de Gabe Bartalos, también en la Stop Motion requerida para los planos en movimientos laterales de la criatura. La presencia de una simple cesta de mimbre junto al joven protagonista que encuentra en el Hotel Brostin su celda/refugio provisional para su hermano gemelo, es un elemento que lo aleja, sin duda, de otras producciones que encontraron en los años setenta una identificación con esa sanidad deficiente y con numerosas dudas morales. Hermanas (1972), de Brian De Palma y Estoy vivo (1973), por este orden, reflejaban esas prácticas sin calibrar los posibles y nefastos efectos secundarios.A diferencia de ellas, estriba ese tono más de comedia –el hotel convertido en un auténtico manicomio según su responsable-, pero que apunta a la medicina como causante final de esa disfunción neuronal en un hermano –dotado supuestamente de inteligencia- que mata por pura inercia. Dos son las secuencias que demuestran ese tono de subordinación del uno con el otro. Aquel primero, en el que Belial desciende de un edificio donde acaba de ejecutar a una víctima –inocente o no-, dejando en penumbra la figura del hermano en un callejón del lumpen neoyorquino. La otra es aquella en la que, utilizando Henenlotter un necesario flashback explicativo, la tía de los hermanos Bradley está contándoles un cuento cuando en primera instancia parece recriminar a Belial su conducta. Valiosos planos que contrastan con otros más feístas –las truculentas muertes- pero igualmente característicos de un director que cerró pronto su carrera con Frankenhooker (1990), dejando para su ‘clientela’ títulos como la superior Brain Damage (1989) y dos secuelas de Basket Case, toda vez que su leyenda fue en auge muy pronto. Un título para el recuerdo este ¿Dónde te escondes hermano?, en contraposición con una sociedad que repudia lo diferente. Àlex Aguilera

Nos encontramos con una edición sencilla pero que logra que podamos disfrutar de este film en este formato, algo que siempre se agradece.

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Por un lado consta de tres pistas de audio ; Castellano 2.0; Castellano original 1.0 e Ingles 2.0. Dos pistas de subtitulo; Castellano y Portugués.

El formato de imagen es 1.37:1, lo que nos limita ver el Bluray en 4/3 en nuestros televisores, pero es un film que tubo una calidad realmente mala e imagen, así que se entiende.

Extras, pues solamente posee el Trailer.

Edición sencilla pero curiosa por el film que es.

EL GUERRERO AMERICANO 4 ( AMERICAN NINJA 4 ) ( 1990 )

Cuando Brad Norris y tres de sus comandos de la Fuerza Delta son capturados por Ninjas Negros en un bosque tropical africano, la oficina central en Washington D.C. avisa entonces a Sean Davidson y Carl Brackston para rescatarles. Pero ellos también son capturados y la misión de rescate pasa a un sólo hombre, Joe Armstrong.

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Cuarta y ultima entrega de esta Saga. Nuevamente dirigida por Cedric Sundstrom ( director de la tercera parte ).

Una vez mas, Michael Dudikoff vuelve a su gran Saga, acompañado por David Bradley ( protagonista de la tercera parte ). También nos encontramos a la guapa Robin Stille ( que fallecía tristemente con 34 años ).

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EDICIÓN BLURAY :

El Bluray contiene dos pistas de audio, Castellano e Ingles , ambas en sonido PCM 2.0. Consta de dos pistas de subtitulo, Castellano y Portugués.

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Nos encontramos con un formato de imagen de 1.85:1 lo que nos permite ver el Bluray en un 16/9 a pantalla completa, algo que siempre se agradece.

Como es normal en este tipo de film, no contiene absolutamente ningún extra. Pero es una edición básica que nos permite disfrutar la ultima parte de esta gran Saga.

EL GUERRERO AMERICANO 3 ( AMERICAN NINJA 3 ) ( 1989 )

Steve James y David Bradley viajan a la remota isla caribeña de Triana esperando competir en un prestigioso torneo de artes marciales, pero en lugar de eso, se ven obligados a competir contrarreloj para salvar sus vidas cuando el terrible villano "Cobra" utiliza una terrorífica arma biológica de nueva generación.

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Tercera parte de la saga. En este caso realizada en 1989. En este caso el director es Cedric Sundstrom.

Es la primera y única película de la saga donde no sale Michael Dudikoff. El nuevo protagonista es David Bradley que también sale en la cuarta parte. Nombrar también a Marjoe Gortner y a Michele B.Chan.

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EDICIÓN BLURAY :

Nos encontramos con un Bluray con dos pistas de audio, Castellano e Ingles, ambas en PCM 2.0. Dos pistas de subtitulo, Castellano y Portugués.

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El formato de imagen es de 1.85:1 lo que nos permite disfrutar el Bluray en pantalla completa en nuestros televisores. La calidad de imagen no esta nada mal para tratarse de un film de 1989.

El apartado de extras es inexistente.  Apesar de ello, es una edición sencilla pero que cumple a la perfección su función.

Con la Bestia Dentro (1982, Philipe Mora)

Divertimento menor que enlaza temas propios del "American Gothic" con la zoantropía (Trastorno psiquiátrico en que el enfermo se cree convertido en un animal),  en auge gracias al espectacular avance en los efectos especiales a principios de los 80, que dieron como fruto auténticos clásicos del terror como Humanoides del abismo, Aullidos, Un hombre lobo americano en Londres, El beso de la pantera, En compañia de lobos...Image result for the beast within movieLa sinopsis es de las que quitan el hipo e invitan a la visión instantánea: Estamos en 1964 Eli y Caroline MacCleary (Ronny Cox y Bibi Besch) están en su luna de miel en la ciudad campesina de Nioba, Mississippi, cuando su coche se rompe en el bosque y Eli busca ayuda dejando sola  a su esposa. Una víctima subhumana peluda le viola. Ahora aceleramos 17 años y la pareja vive en la ciudad universitaria de Jackson, Mississippi, con su hijo de 17 años, Michael (Paul Clemens), quien es diagnosticado por el Dr. Odom (J. Boyce Holleman) con un Peculiar desequilibrio químico donde su glándula pituitaria tiene algunos patrones de crecimiento inexplicables. La pareja deja a su hijo en casa y regresa a Nioba para recabar información sobre el monstruo que atacó a la mujer, pero Michael huye del hospital atormentado por el pasado y se presenta en la ciudad con la "bestia dentro"…Related imageEl resultado es un film sin brizna de genio, con un arranque inquietante y con cierta atmósfera malsana que contrasta con momentos que rozan el despropósito y la parodia involuntaria, reflejo de la desidia con la que el realizador afronta su proyecto. En el plantel de actores varios intérpretes venidos a menos como Ronny Cox, Bibi Besch (que en este film parece una mixtura entre Dee Wallace y Judy Geeson), L.Q. Jones (uno de los fetiches de Peckinpah que ya coqueteó con el cine de terror en The brotherhood of Satan) y R.G. Amstrong (otro típico en películas tipo Gothic: Asesino invisible, Los chicos del maíz, Carrera con el diablo). La escena de la transformación resulta muy vistosa, Thomas R. Burman (La invasión de los ultracuerpos, Profecía maldita) copia paso a paso las técnicas y pautas del Rob Bottin de Aullidos, y el resultado aunque inferior resulta sorprendente (una especie de hombre-cigarra). La jugada le saldría mejor con el maquillaje más sugerente de la infravalorada El beso de la pantera.Image result for the beast within movieEl director encargado de llevar a puerto tan atípica propuesta fue, hace ya la friolera de veinticinco años, Philippe Mora, quien posee una filmografía que incluye títulos tan sugerentes como Aullidos 3, Mad Morgan, Código Uno: acción o En busca del águila. Hoy en día el cineasta sigue al pie del cañón, despachando el año pasado la comedia French Movie, y para 2017 ya tiene preparados dos documentales: The Monash Whitewash y Day And Sunlight.Image result for the beast within moviePero quien realmente se lleva la palma en esta película es Tom Burman y sus grotescos efectos especiales conseguidos gracias a sus innovadores efectos protésicos, quien posteriormente ha desarrollado gran parte de su carrera en la televisión, encargándose del maquillaje y los efectos visuales de series tan reconocidas como Nick/Tup o Anatomía de Grey.

Kirk Douglas, 100 años de puro cine

El chico malo de Hollywood, el hoyuelo más famoso de la historia, cumple hoy cien años. Vamos a celebrarlo revisitando algunos de los grandes clásicos que protagonizó. kirk001 kirk002 kirk003 kirk004 kirk005 kirk006

THE HIDDEN (LO OCULTO, 1987)

 COMENTARIO: Casi treinta años después de su concepción, The Hidden muestra su nervio y su pulsión en cada una de las escenas que rodó Jack Sholder en las reconocibles calles de San Francisco.Poniendo en antecedentes al lector, hay que tener en cuenta la procedencia de un proyecto como The Hidden, para algunos, insustancial y, para otros, un soplo de aire fresco a una cinematografía, la norteamericana,  que apuntaba alto en la industria.Fiscalizar el trabajo de un director en ocasiones conlleva una desilusión, un encorsetamiento que acarrea problemas en la consecución de una finalidad artística. Este fue el caso de Jack Sholder al completar la segunda entrega de la saga –nunca predicha - de Pesadilla en Elm Street. Un acabado nada personal que implicó a Sholder hacia un callejón sin salida. Una suerte de secuela con continuación a la vista. Sin embargo, ese no era el camino trazado por un director que encandiló al aficionado con su debut en Solos en la oscuridad (1982, Alone in the Dark). Una divertida comedia de terror que desbordaba no pocas ideas (la hemofilia, el apagón, la huída del manicomio, …) a un conjunto en verdad interesante. El traspié de La venganza de Freddy sirvió para que el bueno de Sholder tomara las riendas de un híbrido entre el cine de acción y la ciencia-ficción terrenal. Lo titulo –él y su compañía New Line- The Hidden. Sin más. Suficiente para calar en el aficionado en su estreno internacional. Aquí su primicia tuvo lugar en Sitges, consiguiendo el Premio de la Crítica, merecido; no así, el de mejor actor, Michael Nouri (Flashdance). La arrogancia e ínfulas de estrella acabaron por desquiciar al propio Sholder, según nos contó éste años después.Por lo demás, The Hidden, vista en la actualidad sigue conservando ese carácter desenfadado, con unas trepidantes persecuciones automovilísticas dignas del mejor Ronin, French Connection o Bullit –igualmente, con tomas a pie de carretera de Los Angeles- y un guión de Jim Kouf (el mismo que secundara a John Badham en sus notables cintas de acción de los ochenta y noventa) muy bien tejido. Este es un aspecto que se descuida en demasía y que aquí es imprescindible para seguir la trayectoria de un alien que sobrevive y se transmite de cuerpo en cuerpo. Tan simple como eficaz, tan escasamente original como poco tratado a este nivel.Resultado de imagen de the hidden 1987En definitiva, un thriller de sci-fi que se construye a sí mismo a partir de una premisa quizá infantil, pero que funciona a las mil maravillas. El testigo pasa de asesino en serie a homicida en potencia en un lapso de tiempo corto, que no deja lugar al porqué ni al cómo. Tan solo la salida indiferente de una Stripper –la voluptuosa Claudia Christian- del club de ocio nocturno, donde se acaba de producir un asesinato, deja lugar a las dudas sobre la actuación policial. Por lo demás, la resolución de las escenas del breve traspaso de la ‘criatura’ corrieron a cargo de Kevin Yagher, todo un especialista en prótesis faciales, quemaduras varias, en suma, de efectos de maquillaje, y que le habían granjeado una cierta fama a raíz de definir los rasgos de Freddy Krueger en Pesadilla en Elm Street y sus secuelas.  También Sholder reclutaría a Clu Gulager de esa experiencia anterior, ya comentada. Como elemento antagonista, más que complementario del agente Tom Beck (Michael Nouri) estaría Kyle MacLachlan, repitiendo papel de agente del FBI escéptico y circunspecto de la maravillosa Terciopelo azul.Resultado de imagen de the hidden 1987Por absurdo que parezca, The Hidden dio lugar a una secuela insustancial y lo que es más triste, a una reutilización de los formulismos presentados en la barroca e injustificable The Borrower, del otrora aclamado John McNaughton (Henry, retrato de un asesino), tan cercana en el tiempo -1990- como en sus planteamientos y conclusiones. David Caruso hizo lo propio con la más digna y menos convencional, Vidas ajenas, en 2004. Por suerte, ninguna de ellas ha eclipsado el carácter desenfadado y de vocación para el entretenimiento que tuvo este pequeño clásico del fantastique que ya es The Hidden, por derecho propio.Resultado de imagen de the hidden 1987Maravillosa edición en Blu-ray en todas sus tonalidades y que nos retrotrae a ese primer estreno allá por 1987. Àlex Aguilera

EL GUERRERO AMERICANO II ( AMERICAN NINJA 2 ) ( 1987 )

El policía Joe Armstrong y su compañero Jackson deben enfrentarse esta vez a uno de los más peligrosos capos de la droga, que ha secuestrado a un grupo de marines norteamericanos.

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Dos años después de la primera parte, vería la luz la segunda parte de esta saga.

Nuevamente dirigida por Sam Firstenberg y nuevamente capitaneada por Michael Dudikoff.

Aqui nos encontramos otra vez con el grandote Steve James ( que fallecía a la temprana edad de 41 años, una lastima ). Mike Stone ; John Fujioka ; Michelle Botes ...

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Bajo mi punto de vista pierde un poco de gracia respecto a la primera parte, pero esta bien echarles un ojo a todas, ya que son films muy míticos.

EDICIÓN BLURAY :

Nos encontramos con una edición sencilla del todo pero que nos permite ver el film a una calidad bastante buena.

No contiene absolutamente ningún extra, es decir, solamente tiene su menú de Idiomas, Inicio y Escenas.

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Contiene dos pistas de audio, Castellano e Ingles, ambas en PCM 2.0. Y dos pistas de subtitulo, Castellano y Portugués.

El formato de imagen es de 1.85:1 lo que nos permite ver el Bluray en 16/9 en nuestros televisores.

Edición básica, pero muy digna.

EL GUERRERO AMERICANO ( AMERICAN NINJA ) ( 1985 )

En Filipinas, Joe Armstrong , un soldado americano de la Armada, cae en una emboscada tendida por unos rebeldes. Pero con su supremo dominio de las artes marciales consigue defenderse y, de paso, descubrir una horrible conspiración en el seno del ejército americano...

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Mítico film de los años 80 ( concretamente 1985 ) dirigido por Sam Firstenberg, que exploto el filón de los Ninjas.

Personalmente recuerdo este film con mucho cariño, no porque sea una obra de arte ni mucho menos, sino porque los que vivimos la adolescencia en los 80 recuerdan con gran cariño los films sobre Ninjas.

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En el reparto tenemos al bueno de Michael Dudikoff ( que hizo su carrera con esta saga ) ; Steve James ; Judie Aronson ; John Fujioka ...

EDICIÓN BLURAY :

Para ser sincero me sorprendió mucho la edición. Ya que se trata de un film que es un clásico, pertenece a aquella gran compañía llamada Cannon y porque todo aficionado al cine de artes marciales quiere tenerlo en su poder.

La calidad de imagen no esta nada mal, es un formato de imagen de 1.85:1 lo que nos permite disfrutar en film en un decente 16/9 a imagen completa.

[caption id="attachment_389" align="aligncenter" width="660"]ninj Dudikoff , el amo de la Katana.[/caption]

En lo referente a extras solamente contiene el trailer, que ya es bastante.

Consta de dos únicas pistas de audio, Castellano e Ingles, ambas en PCM 2.0, muy decente. Y dos pistas de subtitulo, Castellano y Portugués.

Resumiendo, una edición que me sorprendió y que recomiendo.

El Guardián de las palabras (1994, Maurice Hunt, Joe Johnston)

¿Por qué el regalo de la lectura está  tratado tan a menudo en el cine como una píldora que necesita ser recubierta de azúcar? Si alguien lee tiene que ser simplemente por diversión, no por obligación. Y la forma de experimentar la alegría de leer es escoger un libro, abrirlo y perderse entre  sus páginas. El Guardián de las palabras, una película bastante predecible en ese aspecto, no parece entender esto. Su mensaje parece ser el de que los libros pueden ser casi tan divertidos como los dibujos animados de la TV o  los míticos juegos de Arcade.Related imageLa película nos presenta a Macaulay Culkin en la cima de su carrera, (antes del inicio de su progresivo declive) como un niño temeroso que apenas se atreve a aventurarse más allá de los límites de su dormitorio, aunque eso no le prive de conocer  todas las estadísticas de lo peligroso que puede llegar a resulta todo. Un día, se pierde yendo en bici a comprar cuando le sorprende una tormenta, tropezando con una misteriosa biblioteca  donde los libros parecen extenderse interminablemente en todas direcciones.Related imageLa biblioteca tiene un mural que representa personajes famosos de la literatura: el capitán Ahab de Moby Dick, el Dr. Jekyll y Mr. Hyde, y Long John Silver de La isla del Tesoro. Macaulay tiene la mala fortuna de resbalar en un parche húmedo en el suelo, se queda inconsciente y sin comerlo ni beberlo se encuentra dentro de un dibujo animado donde las figuras del techo han cobrado vida.La versión en dibujos animados de Macaulay, con sus gafas redondas y su pelambrera rubia, empieza así su singular aventura con la ayuda de una serie de  guías que incluyen algunos amistosos libros parlanchines correspondientes cada uno a un género distinto:  Fantasía (voz de Whoopi Goldberg), Aventura (Patrick Stewart) y Horror (un volumen verdoso y pastoso con la voz de Frank Welker).Related imageLo mismo nos encontramos en medio del Pacífico con una temible ballena blanca con muy malas intenciones, vemos al Dr. Jekyll  bebiendo un vaso de vil líquido y transformándose en el horrible Mr. Hyde o a Long John Silver alzándose sobre su tripulación, incluyendo a un pequeño grumete interpretado por Culkin. Y la moraleja de todas estas historias es que el tímido niño encuentra la manera idónea  de defenderse por sí mismo - con la ayuda, por supuesto, de sus amigos, eso sí, un tanto peculiares.La animación, dirigida por Maurice Hunt, es sombría y un tanto lúgubre. Muchas de las escenas parecen ser vislumbradas a través de un panel crepuscular amarillento y polvoriento. No hay mucho color y muy poca nitidez. El enfoque artístico hace que los dibujos parezcan desenfocados. Y el contenido es más una especie de  paseo en montaña rusa que una historia bien trenzada.Image result for the pagemaster movie¿Y qué aprende el héroe de la función a fin de cuentas? ¿Obtiene alguna idea de los peligros del orgullo, la ira y las otras emociones peligrosas en estas historias? No; Aprende, básicamente, a ser un marinero.  A animarse y no quejarse y dar lo mejor que pueda. Con este entrenamiento, el niño no volverá a leer otro libro en su vida, pero puede protagonizar las secuelas de "Terminator".Muchos de nosotros cuando teníamos  la edad del niño protagonista de la película, leímos muchos de esos viejos cómics clásicos ilustrados, incluyendo Moby Dick.Image result for the pagemaster movieLos maestros decían que eran adulteraciones aguadas de los originales, pero  al menos estaban bien dibujados. El capitán Ahab tenía una obsesión por Moby Dick, pero en El guardián de las palabras simplemente tiene un problema de comportamiento.Lo paradójico es que el film  comienza de un amanera muy prometedora, antes de que la animación tome el relevo. La idea de un niño con temores obsesivos es atrayente, y el personaje de Culkin es un clásico. En su dormitorio, frente al letrero de "No Fumar", hay una alarma de incendio detrás de un panel con la etiqueta "En caso de incendio, romper el vidrio". Junto a él en la pared hay un par de zapatos, con la señal, "En caso de que haya vidrios rotos, ponerse éstos. Sus padres (Ed Begley Jr. y Mel Harris) están desesperados con él,  pero justo cuando el desarrollo argumental comienza a tomar forma, aparece la parte animada y todo acaba yéndose al traste.

MOVIDA EN LA UNIVERSIDAD ( ZAPPED ! ) ( 1982 )

Dos estudiantes están haciendo un proyecto de ciencias en el que emplean unos ratones. Durante el mismo, ven que uno de los ratones empieza a atraer la comida sin tocarla, así que piensan que han descubierto una fórmula para tener poderes telequinéticos.

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Simpático film dirigido por Robert J. Rosenthal y escrito por el propio Rosenthal junto a Bruce Rubin.

El argumento es el típico guion de los años 80, divertido, gamberro y con las feromonas al mil.

Del reparto nombrar a Felice Schachter; Sue Ane Langdon; la guapa Heather Thomas ; Scott Baio ...

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Film divertido que recordamos por su caratula. Yo personalmente recuerdo verla en videoclub.

EDICIÓN BLURAY :

La edición en bluray viene con un formato de imagen de 1.85:1 lo que nos permite disfrutar el bluray en nuestros televisores en un mas que aceptable 16/9.

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Contiene dos pistas de audio : Castellano e Ingles ambas en sonido 2.0. Y dos pistas de subtitulo, Castellano e Ingles.

En lo referente a los extras, como es lógico, no contiene, exceptuando un extracto de la B.S.O.

A mi personalmente el bluray me trajo muy buenos recuerdos de mi infancia.

The Warriors (1979, Walter Hill)

Esta adaptación oficial de la novela homónima de Sol Yurick, The Warriors (estrenada en España con el título de Los amos de la noche) es en realidad el resultado final de varias reescrituras por parte de los guionistas siguiendo la trama de la Anábasis, primero de los libros del Jenofonte que data griega siglo IV AC. El escenario muestra la idea central que se puede hallar en el corazón del antiguo texto e incluso se permite la licencia de tomar prestados algunos nombres de personajes. Ciro es el líder cuyo empeño será el de unir las bandas, tomando como referencia al  Rey persa Ciro el Joven; los guerreros se identifican con los mercenarios griegos que tratan de llegar a sus hogares, mientras que su avance por territorio enemigo se corresponde con el viaje de estos mismos mercenarios cuyo objetivo es finalmente llegar al mar. Más allá de la incongruencia de la transposición de un texto histórico en un contexto puramente contemporáneo, el espectador puede entretenerse realizando un seguimiento de las similitudes y diferencias entre el texto original y la versión moderna.The Warriors (Los amos de la noche) : FotoWalter Hill da una lección de cine y opta por una realización virtuosa y enérgica que se palpa en cada escena. El uso de las transiciones en forma de  cómic pulp dota de carácter al conjunto, mientras que el director de fotografía Andrew Laszlo consigue crear una atmósfera de textura realista que radiografía a la perfección la cultura callejera de Nueva York. Si a esto le sumamos la lograda música sintética compuesta por  Barry DeVorzon, fiel colaborador durante la carrera de Hill, The Warriors a la postre se revela, y sobre todo se rebela como un ejercicio de poesía violenta tan vibrante como entretenido.The Warriors (Los amos de la noche) : FotoA pesar del culto que aún sigue rodeando a esta película hoy en día, todo el mundo coincide en hacer notar las carencias en cuanto a profundidad temática se refiere, con un guion que parece escrito a brochazos y unas interpretaciones de marcado carácter “amateur.  Mientras que el realizador explora la noción de territorio en el corazón de la mitología americana, y así como se nos presenta a una sociedad gangrenada consecuencia de un entorno urbano  igualmente degradado, no se escarba  lo suficiente en estos temas y se opta por filmar una película de acción pura y dura  sin una trascendencia social o política real.The Warriors (Los amos de la noche) : FotoSin duda inspirada en La naranja mecánica de Stanley Kubrick, Walter Hill hace que incluso la violencia sea pura armonía y belleza. The Warriors no propone ninguna perspectiva real sobre su tema central y tiene poco o casi nada en cuenta la psicología de los personajes, que se reducen principalmente a jóvenes descarriados dispuestos a protagonizar secuencias preñadas de violencia impactante. En su día sus imágenes perturbadoras desencadenaron una fuerte ola de protestas en su estreno en Estados Unidos, lo que derivó en una rápida desaparición de la película del circuito comercial.The Warriors (Los amos de la noche) : FotoPor lo que respecta a nuestro país, no fue hasta el verano de 1980 que apareció por los cines, con más de un año y medio de retraso respecto a su puesta de largo oficial en los EEUU, y por supuesto, prohibida a los menores de dieciocho años. A partir de ahí y de manera paulatina, el film fue convirtiéndose en una obra importante  para toda una generación, y aún hoy en día sigue estando más en boga que nunca, pues hace poco la Paramount anunció a bombo y platillo que tiene en cartera una serie de TV a modo de remake donde se retomarán los personajes de la película original.

PROFUNDIDAD SEIS ( DeepStar Six ) ( 1989 )

La armada de los Estados Unidos instala una base nuclear a seis millas de profundidad en el océano. Un equipo de investigación, dirigido por el doctor Gelder, descubre una cueva. Éste ordena explosionarla para poder acceder a su interior. Momentos después, el centro de operaciones es atacado de forma violenta por una extraña criatura marina que ha estado oculta en la cueva durante miles de años. El peligro es inminente, las reservas de oxígeno se agotan y los científicos tratan, desesperadamente, de ponerse a salvo...

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Film de 1989 dirigido por Sean S. Cunningham ( director de Viernes 13 ( 1980 ) ). Basado en la historia de Lewis Abernathy. El film surgió casi al mismo tiempo que Abyss ( 1989 ) algo muy sorprendente ya que guardan una estética muy similar.

En el reparto nos encontramos a la guapa Nancy Everhard ; el bueno de Miguel Ferrer ; Nia Peeples ...

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El film es muy mítico y como bien decía, junto con Abyss, creo que es uno de los films referentes en lo que criaturas de mar se refiere.

EDICIÓN BLURAY :

Tengo que decir que me sorprendió bastante la notable calidad de imagen del Blu-ray. El formato de imagen es de 2.35:1 y nos permite disfrutar el film en un notable 16/9.

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Contiene cuatro pistas de audio : Castellano, Ingles, Alemán y Japones. Todas ellas con un sonido bueno. También tiene varias pistas de subtitulo : Castellano, Portugués y Japones.

En lo referente a extras solamente contiene el trailer cinematográfico.

Resumiendo una edición sencilla pero decente.

Dune, 1984

Basada en la imprescindible novela de ciencia ficción de Frank Herbert y nacida a la sombra del proyecto fracasado de Alejandro Jodorowsky y Moebius, esta versión de David Lynch fue, en su momento, un gran fracaso comercial y de crítica. Sin embargo, el tiempo ha puesto las cosas en su lugar y se ha convertido en una película de culto.dune009kdune000a  dune001bdune002dune001 dune003  dune005 dune006dune011 dune010dune004dune007 dune007dune004b dune006bdune008

El verano que nos enamoramos de Michelle Pfeiffer

Había sido la protagonista de una secuela de Grease, pero la película con la que su belleza rubia nos dejó helados fue Lady Halcón (Ladyhawke, 1985), en la que Rutger Hauer también lucía su nórdico palmito y Mathew Broderick daba sus primeros pasos de una brillante carrera. ladyhalcon000k ladyhalcon001 ladyhalcon002 ladyhalcon003 ladyhalcon004 ladyhalcon005 ladyhalcon006 ladyhalcon007 ladyhalcon008

NOCHE DE MIEDO 2 ( FRIGHT NIGHT 2 ) ( 1988 )

Gracias a tres años de terapia psicológica, y con la ayuda de su novia Alex, Charlie se ha convencido de que los vampiros no existen, y que su antiguo vecino no era más que un asesino en serie. Al edificio de Peter Vincent, quien continúa con su programa de televisión, se muda una sensual mujer. Charlie se siente cada día más atraído por ella, y descubre que es una vampiresa. Pese a advertídselo a Peter y a su novia, ninguno le cree. La pesadilla continúa…

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Segunda entrega de esta mini-saga. Dirigida por Tommy Lee Wallace y basada en la obra de Tom Holland ( creador del primer film ).

Del reparto citar a la guapísima Traci Lind ; Julie Carmen ; el siempre genial Brian Thompson ...

En lineas generales creo que cualquier aficionado al genero se queda con la primera parte.

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EDICIÓN BLURAY :

El bluray consta de dos pistas de audio, una en castellano y otra en Ingles.

Tres pistas de subtitulo, Castellano, Ingles y Portugués.

En lo referente a los extras contiene muy poquitos, solamente el trailer cinematográfico y una pequeño clip musical de Deborah Holland ( básicamente solo es escuchar la canción.

La calidad de imagen no esta mal. Edición sencilla.

NOCHE DE MIEDO ( FRIGHT NIGHT ) ( 1985 )

Charley Brewster es el típico adolescente americano. Su madre cree que ve demasiadas películas de terror. La vida de Charley es muy tranquila, hasta que se convence que su nuevo vecino, Jerry Dandridge, es un vampiro. Nadie, y menos aún la policía, está dispuesto a creer que Dandridge es responsable de un montón de extraños asesinatos. Charley encuentra un aliado en Peter Vincent, un antiguo actor de películas y presentador de programas de terror en la televisión. Peter intentará salvar a Charley y a su amada de los mortales colmillos de Jerry.

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Uno de los grandes clásicos del cine de terror/comedia y que sin duda marco una forma de hacer películas.

Film escrito y dirigido por el bueno de Tom Holland, fue su primer largometraje por lo que el merito de Holland es doble, ya que realizo un trabajo espectacular.

EDICIÓN BLURAY :

La edición en bluray se trata de una edición coleccionista que trae varios extras, pero vayamos por partes.

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Nos encontramos con 4 pistas de audio, dos en Castellano 2.0 y 5.1 , una en Ingles 5.1 DTS HD y una pista muy curiosa con la música aislada. Por otro lado tenemos 3 pistas de subtitulo, Castellano, Ingles y Portugués.

El apartado de extras es digno de mención. Por un lado dos trailers cinematográficos ; una interesante galería de Imágenes; tres entrevistas a Tom Holland ( las tres muy interesantes ); Un detrás de las cámaras de casi 1h30min ( con subtitulo en Castellano ) ; Reunión del Equipo en el 2008 hablando del rodaje ... y la BSO completa. Todo ello genial y muy interesante.

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La calidad de imagen no esta mal, se ve bastante bien en 16/9 y pese a que no es un lujo, no esta mal.

Edición muy interesante, a un precio muy decente.

TRAUMA (1993, DARIO ARGENTO)

TRAUMA (TRAUMA, 1993)

Trauma (1993) es recibido con reproches por numerosos argentoianos que advierten en el producto concesiones del cineasta a la audiencia yanqui adolescente y un frustrante acatamiento de las directrices recalcadas por unas compañías productoras encaprichadas quizá con la ocurrencia de importar y corromper el cadáver del giallo. Buena prueba de dichas cesiones se hallan en la tímida exposición propuesta de los terribles crímenes cometidos por el psicópata Headhunter. Enfrentada a la sádica recreación de otrora el moderno dibujo parcialmente bebe de la retraída exhibición de la violencia popularizada en la gran pantalla por los inefables Psycho Killer del apartado en los ochenta. Asimismo, las cuantiosas semejanzas argumentales con Rojo oscuro (1975) inducen a que se la tache en no pocas reseñas de encubierto remake americanizado. Indiscutiblemente, Trauma es un film menor en la filmografía de Dario Argento, y tal vez el visualmente más insípido de su carrera, aunque no tanto como afirman sus detractores.  Como sea, de nuevo, se adentra en la ficción el registro autobiográfico que ya dictará, en mayor o menor medida, las previas Suspiria(1977) o Tenebre (1982). Por desgracia, al contrario que por ejemplo un Cronenberg, el romano sólo emplea la enfermedad de la protagonista como un elemento dramático accesorio privado de auténtica relevancia global, esquivando pues la opción de que el metraje contagiado por los síntomas se corrompa sin remedio. En cuanto al tono interior, alucinación o no, puede que animada por la presencia al frente del reparto de Asia, en su primera colaboración con papá bajo el rol de director, Trauma, antes que ninguna otra película del conjunto se descubre como un herido y superficial, más certero, retrato de la familia a principios de la década de los noventa. Así, tras un breve prólogo representando en un hermoso teatrín por unas delicadas marionetas que recrean una revolucionaria ejecución con guillotina, remitiendo por un instante a la denostada Le cinque giornate (1973), y el asesinato inaugural de la enfermera Georgia, el primer acto, ocupado en la semblanza del personaje de la adolescente Aura Petrescu, que representa en la pieza puzzle, o mejor dicho relato disperso, los fragmentos más sobresalientes gracias a la inquietante luminosidad de una actriz, plenamente identificada con la chica de ficción, anuncia una crónica de inmediato esfumada, empero inaudita y valiosa por la emocional delicadeza que oculta en las fotografías y la chalada aspiración de captar las distintas aristas de la compleja personalidad de la hija, valiéndose de la interesada. Inofensivo progenitor sentimental u oscuro obsesivo que secretamente coquetea con la idea de la patrignalia, Dario, lúcidamente o no, compone una ajustada foto de alguno de los fantasmas de su heredera no exenta de complicidad y cierta amabilidad, elegancia o en todo caso escrúpulo que le impide recrearse en los aspectos autodestructivos de la ya entonces indomable intérprete. Pero si la descripción de Aura/Asia no carece de resbaladiza gentileza la de sus padres, el matrimonio Petrescu, no escatima en rudeza y antipatía. Stefan es presentado como un caricaturesco alfeñique dominado y su esposa, la castradora bruja Adriana, acaba resultando la autora de la ola de crímenes.
   Sin la interferencia en Trauma de un sujeto del exterior, es decir, manipulando un entorno terriblemente hermético, tras la arrolladora irrupción de los ingredientes de puro género que desplazan la entonación íntima se propone una plausible variación, que no reescritura, con la que se procura evolucionar las investigaciones iniciadas casi veinte años antes, tratando de llegar aún más lejos. En el film del 75, el visitante, David Hemmings, tras presenciar un homicidio aterriza en un infernal país de las maravillas cruzando un largo pasillo en el que se oculta la asesina bruja del cuento. Un indiscreto espejo descubre la horrible máscara de la vieja por un instante promoviendo así una de las más fabulosas partidas del juego que enfrenta a la Memoria contra la Verdad. Ahora la hechicera no se oculta, al contrario se muestra impúdica al espectador y a su propia heredera, falseando con un torpe más eficaz truco de ilusionismo su identidad. El director opta por mostrar, después del segundo asesinato, que supone una de las pistas falsas más arriesgadas de su trayectoria, a la homicida de la guillotina cara a cara generando una situación sin duda insólita que posibilita una renovada interrogación sobre la mirada y el rol activo del espectador a partir de una nueva vuelta de tuerca a la fascinante ecuación que propicia la conquista de alguno de los más sobresalientes logros de su carrera. La parcial pleitesía a los modelos representativos despóticos y una obvia fatiga artística estropean una operación también castigada por un caprichoso andamiaje literario, empeñado en arrinconar a Aura favoreciendo la descripción de insulsos cuadros secundarios, y una ilustración doliente y por momentos desangelada. Debe reconocerse entre las fracturas la brillante idea de contratar para dar vida a la chiflada madre matarife a Piper Laurie, la recordada Mrs. White de la cinta de Brian De Palma Carrie (1976). En manos de Argento, la fanática de la pieza estadounidense encuentra evidente continuidad en la gran pantalla ahora transformada en alucinada impía sedienta de sangre y venganza. Inteligentemente, la señora White se metamorfosea en pos de su supervivencia y evolución en una perturbada apegada a la magia negra. Un halo de apreciable romanticismo nostálgico viste la figura del asesino, si bien no a la de una médium indudablemente unida al orbe de Argento. En firme discrepancia ante los carniceros de discoteca de las cintas coetáneas, sobresale en el panorama de género de la época la imagen, frágil y anacrónica, de una infame, estimulada por lavendetta contra el equipo médico dirigido por un doctor que años antes deja morir por una accidental negligencia a su hijo en el parto, y que sólo caza trofeos, las cabezas decapitadas de las víctimas, las noches de tormenta porque en efecto el no nato fallece mientras la lluvia choca contra el hospital. Por vez primera en la obra del realizador la venganza sobre un grupo cerrado activa a un asesino de guantes de cuero, que en la lejanía llega a recordar cubierto con sus negros ropajes a alguno de los trágicos individuos inmortalizados en el periodo mudo por Lon Chaney. Diríase que la bipolaridad del rol es absoluta, hasta el extremo de que podríamos imaginar que a la manera de los científicos chiflados del cine fantástico de décadas atrás la Petrescu tiraniza a un violento monstruo que le sirve de instrumento para culminar sus deseos. Así, después de acabar con el médico el engendro desaparece, pues ya ha cumplido su misión, y la bruja descubre por fin su diabólico juego a fin de retar a los héroes en el acto final. Un episodio rupturista centrado en el antiguo adicto David, Aura a la manera de la mujer de la mítica La aventura (1960) desaparece de la crónica, concede a Argento la oportunidad de retornar al universo de las fábulas podridas aislando el tono familiar y el embalaje de aguadothriller. Tras la entrada en el nuevo mundo vía colocón, David se convierte en un príncipe, o en el imprescindible Hansel, empeñado en rescatar a su amada, secuestrada en las aguas de las garras de la bruja. El universo infantil otra vez baña el cine del director escoltando ahora una de sus más sensibles historias de amor, la de la anoréxica Aura y el antiguo drogadicto David, un par de perdedores que consiguen enternecer a un artista que admite un tenue happy end retratando a la dupla de niños extraviados abrazados frente a la casa de los horrores.
   En Trauma los homenajes cinéfilos, acompañados de los obligatorios autohomenajes, se centran fundamentalmente en el cine de Alfred Hitchcock. Así, en el catálogo de secuencias se advierte sin dificultad veneración por Psicosis(1960), en la escena de la ducha de Aura en el hotel, El hombre que sabía demasiado (1956), en el cuadro en que la mujer decapitada susurra al pavisoso héroe el nombre del doctor, intentando facilitar una de las claves para resolver el caso, copiando al disfrazado Daniel Gelin que cuchichea una enigmática frase al turista James Stewart, o La ventana indiscreta (1954). Respecto al filme del 54, el rubiales Daniel el travieso, con aire de sabiondo, entretenido en espiar la casa de su enigmático vecino, que por supuesto es Headhunter, es una versión infantilizada del fotógrafo ennoviado con Grace Kelly. Más curiosa resulta la conexión del crío con el chimpancé de Phenomena (1985): justo cuando la malvada hechicera está a punto de destruir a los protagonistas, al igual que el simio, el pequeño surge de las sombras por sorpresa y con el arma del crimen la ejecuta sin contemplaciones cerrando así la pesadilla pero pervirtiendo a unos inocentes quizá fingidos.•
Ramón Alfonso
 
 

TENEBRE (1982, DARIO ARGENTO)

TENEBRE (TENEBRAE, 1982)

Tenebre (1982) surge de un hecho real protagonizado por Dario Argento. Durante una estancia en Los Ángeles sufre el acoso de un admirador que primero bombardea con llamadas telefónicas y a continuación se las ingenia para presentarse allá donde se encuentre. Harto, después de un mes de atosigamiento, se traslada en busca de tranquilidad a Santa Mónica, pero el fan fatal reaparece, y es entonces cuando el apabullado cineasta decide volver a Italia. En el verano de 1981 redacta el guión de, según algunos medios especializados, El giallo que acaba con todos los gialli. Y si bien es cierto que Tenebre regresa a los viejos y confortables escenarios de «Trilogía Zoológica» (1970-71) el estrujado subapartado por aquellos días, y más tras la aparición de Bahía de sangre (1971) o Rojo oscuro (1975), antes que moribundo está finiquitado. Después de sobrevivir a la inspección de las tierras del Mal, vuelve a los confortables decorados de los días de escuela, a las crónicas policíacas y a las conocidas calles de Roma. ¿La ausencia de los desaparecidos mentoresAlfred Hitchcock y Mario Bava y quizá cierta sensación de desamparo incitan al hijo pródigo a echar la vista atrás para permitir que la nostalgia dicte el registro del film? Sin duda.
   Como antaño, un escritor estadounidense, el misógino ultracatólico Peter Neal, viaja a Roma. Su llegada coincide con el salvaje asesinato de una ladronzuela a manos de un matarife que con todo detalle copia los métodos descritos en la última novela del visitante. Este crimen será el primero de una sangrienta lista inquietantemente sujeta a la obra literaria. Pese a la visible similitud argumental, y al desparrame de familiares particularidades, sobre el papel, Tenebre anuncia palpitantes transformaciones ligadas a la fusión de asesinato y ficción y transgresiones respecto a la figura del héroe. Al contrario que en El pájaro de las plumas de cristal (1970) y sus complementos, conscientemente se muestra al protagonista como un lelo apenas interesado en las fechorías por la relación que guardan con su obra, o al menos esto es lo que el cineasta pretende que creamos, pues, pese a no ser inteligentemente evidenciada, la obsesión llega a tal extremo que despierta unos impulsos asesinos que inspiran un sangriento festín celebrado tras la destrucción del primer matarife, el crítico literario Christiano Berti. La presencia de dos asesinos, imitador el uno de los cuadros descritos por el otro en sus libros, proporciona una interesante ambigüedad a un conglomerado que en su colofón, en rauda metamorfosis, inesperadamente honra a Psicosis (1960), organizando una empapada performance conducida por un risible contrincante de Norman Bates. La metamorfosis de Neal en un personaje de la pieza de Hitchcock no es exclusiva, pues antes de ser asesinado a plena luz del día por la mano de su amigo en una plaza, el agente literario Bullmer, sombrero detectivescozarrapastroso incluido, parece colocarse el antifaz de Milton Arbogast y aceptar un ajusticiamiento detallado en una serie de estampas que aspiran a evocar la magna planificación del asesinato en las escaleras de la casa Bates. Míseras fortunas a un lado, el tramposo desenlace, con su explosión de sangrienta violencia liberadora, resulta, qué duda cabe, el segmento más notable, y verdaderamente reconocible, de un thriller rudimentario que diríase aspira a reescribir con ínfulas El gato de las nueve colas (1971), armado con una petulante moral de best-seller engreído. Por desgracia, las indudables ambiciones primarias del proyecto apenas se advierten en un timorato artefacto nacido a destiempo y saturado de confusionismo ilustrativo y tramposo clasicismo, mal gestionado por un realizador en sorprendente baja forma que, privado de su dosis de paranoia, certifica lagunas y corrompe internamente con la saturación de impostados tics inherentes al carácter de sus imitadores. Similar a las numerosas falsificaciones la película cae incluso en la característica exhibición de aquellas de un zafio recochineo erótico que eso sí paradójicamente consiente la concreción de uno de los cuadros más perturbadores, el primer flash-back representado en la playa que remiten al despertar del crimen en el enloquecido Neal.
   Argento, parece mantenerse al margen observando un tanto apático la evolución de una de esas crónicas realistas que tan poco le motivan, y divertirse únicamente con la muestra de unos homicidios no por agresivos menos rutinarios que el resto de la cinta, o con la ostentación de un poderío ahora aletargado conduciendo la cámara y que faculta, aun así, la conquista de un majestuoso instante como el ejercicio de acrobacia de casi tres minutos que preludia al asesinato en su domicilio de las dos amantes, capturado con la ayuda de la entonces novedosa grúa Louma, el voyeur recorrido por las ventanas de la fachada hasta descansar sobre las manos del matador. La cinta, afín al temperamento de la novelucha policiaca cafre, con la distinción del desenmascaramiento de Neal, excluye el perseverante descenso a los avernos. Así, la encarnación del Mal, más allá de las figuras de la pareja depsycho killer, la representa un enloquecido dóberman que acosa a la joven Maria, la protagonista de la sequenza lunga, una de las más conseguidas del conjunto.
   Tenebre se levanta en torno a una cita de Conan Doyle que bien podría resumir algunos aspectos de la filmografía del autor, y sin duda de prácticamente todos losgialli: «Cuando se ha eliminado lo imposible, lo que queda, por improbable que parezca, debe ser la verdad». Las feroces tramas enrevesadas, la saturación de pistas falsas y los giros inesperados que singularizan el subgénero y atrapan, en sus más logradas manifestaciones, a un público que durante la proyección se devana los sesos intentando descubrir la identidad del matarife de turno, parecen seguir con escrúpulo la sentencia del papá de Sherlock Holmes. Procurando atarse constantemente a la máxima, la película revuelve un argumento en el que Peter Neal es el núcleo del que brotan ramificaciones que no consiguen asentarse debido a su rutinario esquematismo. Habida cuenta de que el largometraje, de la mano de una jactancia visual malograda, se respalda en un texto que debe administrar complejas cargas de complejidad, los abundantes cabos sueltos y el esqueleto cuasi episódico mal encarado sustraen suficiencia. Es pues, este, tal vez, el film más frustrante de Dario Argento por cuanto encierra meritorias y alucinantes progresiones respecto a una etapa preliminar clausurada que bien encauzadas efectivamente podrían haber asestado el golpe de gracia al giallomientras abrían vías renovadas en su filmografía.•
Ramón Alfonso

¿ÁNGEL O DIABLO? (1945, OTTO PREMINGER)

¿ÁNGEL O DIABLO? (FALLEN ANGEL, 1945)
De entre los filmes de corte policíaco que realizó Otto Preminger, Fallen Angel (1945) sigue siendo considerado como el menos efectivo de los que realizó en este terreno. Aún siendo inferior a Laura (1944), Cara de ángel (1953) o Al borde del peligro (1950), e incluso Vorágine (1949), Preminger abordó el llamado thriller naturalista en 1945, toda vez se iniciara en este subgénero al abordar el rodaje en estudio —y escasos escenarios naturales— de Fallen Angel. No es en detrimento de otras obras del género de ese mismo año como Que el cielo la juzgue (1946), Johnny Angel (1945),Concierto macabro (1945) o La escalera de caracol (1945) que el film de Preminger deba aparecer en las enciclopedias del cine con mayúscula por su mayor relevancia, sino más bien por la composición de personajes entre hipócritas, ambiguos y porqué no, idealizados. Preminger juega con ellos de manera totalmente destructiva, encarnando el papel de narrador de historias interpuestas, de seres codiciosos por naturaleza, de mujeres atrapadas por su propio comportamiento lascivo y depredador (Linda Darnell como femme fatale) o sumiso y cautivo (Alice Faye, toda una revelación de inocencia en pantalla). En estricto senso, Preminger desgrana sus ansias por contar una historia de perdedores inducidos por un amor equívoco. Todo lo que rodea a una simple situación de bar de carretera o motel, esto es, personajes solitarios, fumando, bebiendo y contemplando el paso del tiempo alrededor de una camarera poco responsable en su trabajo (sus idas y venidas son continúas, así como sus esporádicas ausencias) es pura ficción.
¿Ángel o diablo? —título con el que se estrenó en nuestro país— fundamenta su esquema argumental en un tono melancólico, refrendado por las situaciones vividas por sus personajes. Desde el impasible Eric Stanton, un errático vividor a costa de los demás, hasta el policía acusador de un crimen aún por resolver y con serias dudas en su culpabilidad, pasando por las antagonistas mujeres de Eric en la población de Walton, todos ellos emergen sin un rumbo claro para luego caer en la desgracia personal. De allí el títuloFallen Angel, referido tanto al trío protagonista como a todos aquellos que pierden su alma —su «ángel»— casi sin ser conscientes de ello. Solamente el amor —como se recita en un pasaje del film— puede hacer recobrar el espíritu libre de cada uno de ellos, atrapado en su propia desgracia.
   Existen varias posibilidades a la hora de interpretar Fallen Angel como un melodrama policiaco en lugar de un Noir al uso. Nosotros interpretamos esa coexistencia desde el punto de vista del narrador —Preminger— de una historia de amor convertida en una desdicha, en una tragedia que acaba por convertir al amante (Dana Andrews) en un ser marcado, un sospechoso de dar muerte a su ser querido. Apenas transcurre el film nos damos cuenta de que la ambigüedad del caso Stanton es manifiesta. Varias son las veces en las que observamos su rostro o su silueta atravesada por una línea imaginaria que oscurece una parte, quedando laotra al descubierto, obra y gracia del director de fotografía ya consagrado por aquel entonces Joseph LaSelle. Además, el amor que supuestamente profesa a Lucy es tan poco sincero como su comportamiento posterior.
Sin embargo, hay algo en Fallen Angel que la hace diferente al resto. Presumiblemente se trate de su carácter desmitificador; un final inesperado y un sutil Happy End, enaltecen esta obra indispensable del género negro, pese a no ser etiquetada como tal en la mayoría de estudios sobre el género. Si bien es cierto que el relato no pivota sobre un único personaje, si hemos de reconocer que la labor de Preminger fue aquí fundamental a la hora de entender las relaciones entre todos y cada uno de los varios personajes que aparecen en la obra.•

TERROR EN AMITYVILLE ( THE AMITYVILLE HORROR ) ( 1979 )

Una familia americana se instala en una mansión a pesar de saber que allí, unos años antes, tuvo lugar una sangrienta tragedia. George, Kathy y los niños pronto detectan la presencia de unos seres maléficos. Horrorizados e impotentes ante tal situación, acaban buscando la ayuda de un peculiar sacerdote, el padre Delaney.

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Podríamos decir que estamos ante un film clave en lo que a casas encantadas se refiere.

Dirigida por Stuart Rosenberg y basada en el libro de Jay Anson ( que esta basado en echos reales ).

En el reparto nos encontramos con el siempre genial James Brolin; la guapísima Margot Kidder ( conocida por todos por su trabajo en Superman ) ; Rod Steiger ; Don Stroud ... Un reparto muy notable.

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Uno de los puntos fuertes del film es la casa, que con tan solo verla despierta una sensación de miedo, angustia y malestar considerables.

EDICIÓN BLURAY :

Dicha edición consta de tres pistas de audio ( Castellano 2.0 DD ; Ingles 2.0 DTS HD e Ingles 5.1 DTS HD ); En las pistas de subtitulo nos encontramos con Castellano , Ingles y Portugués.

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En lo referente a los extras contiene algunos, el trailer cinematográfico ; una interesante galería fotográfica, spots de Radio y  spots de Televisión.

El formato de imagen es 1.85:1 lo que nos permite disfrutar el film en 16/9, desgraciadamente la calidad de imagen no es demasiado buena ya que tiene mucho grano. Una lastima.

En lineas generales y para el  módico precio del Bluray, una edición interesante.

AL INTERIOR ( 2007 )

Una mujer embarazada y viuda , cuyo novio ha fallecido recientemente, pasa la noche de navidad a solas, completamente afligida por la pérdida del padre de su bebé, cuando una extraña se presenta en su casa...

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Film made in Francia que supuso uno de los grandes films franceses de los últimos años.

Dirigida y escrita por Alexandre Bustillo y Julien Maury. Y protagonizada por Béatrice Dalle y Alysson Paradis , ambas son las dos protagonistas absolutas del film.

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El film nos propone un nivel de violencia extrema, que no dejara indiferente a ningún espectador.

EDICIÓN BLU-RAY :

Nos encontramos con 3 pistas de audio ( Español/latino 2.0; Francés 2.0 PGM y Ingles 5.1 ). Dos pistas de subtitulo, una en Castellano y la otro en Portugués.

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En el apartado de extras, solamente podremos ver el Trailer del film.

La calidad de imagen es bastante bueno y mas teniendo en cuenta que hemos tardado muchos años hasta poder ver esta película en nuestro país.

Edición sencilla pero decente.

AQUELLA CASA AL LADO DEL CEMENTERIO ( Quella Villa Accanto Al Cimitero ) ( 1981 )

Norman Boyle, un académico y padre de familia que reside en Nueva York, es asignado para investigar el extraño suicidio de un científico, compañero suyo, llamado Dr. Peterson. Lo único que Norman sabe es que Peterson se trasladó a un viejo caserón de Nueva Inglaterra junto a su amante, para investigar a su antiguo dueño, un tal Dr. Freudstein, y que al final, Peterson mató a su amante y acabó ahorcándose.

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Uno de los films referencia del siempre genial Lucio Fulci. Según cuenta basaron el guion en una historia de H.P.Lovecraft.

En el reparto nos encontramos con la guapísima Catriona MacColl ; Paolo Malco ; la espectacular Dagmar Lassander ...

Visualmente el film lleva el sello Fulci de principio a fin.

EDICIÓN BLU-RAY :

La caratula tiene una errata, según la caratula tiene 3 pistas de audio ( Castellano, Ingles e Italiano ) pero la realidad es que solamente consta de Castellano e Ingles.

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En lo referente al subtitulo, encontramos dos pistas, Castellano y Portugués.

El formato de imagen es de 1.85:1 lo que nos permite ver el film en 16/9. Es una lastima que la calidad de imagen no se demasiado buena, ya que contiene muchísimo grano, una lastima.

El blu-ray viene sin ningún extra. Una edición sencilla.

EL APARECIDO ( THE WRAITH ) ( 1986 )

Una banda de jóvenes punkis, liderada por un tal Packard aterroriza un remoto pueblo, robando coches y violando chicas. De repente, durante unas de sus fechorías, aparece un siniestro vehículo negro que acaba con el coche de uno de los gamberros. Nadie sabe en cuestión quién es el conductor de tan misterioso bólido.

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Film no demasiado conocido de los míticos años 80 ( para ser exactos de 1986 ), dirigido y escrito por Mike Marvin ( esta es su mejor película sin ninguna duda ).

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En el reparto tenemos a un jovencito Charlie Sheen ; la guapísima Sherilyn Fenn ; Nick Cassavetes ; Randy Quaid ...

El film fue rodado en su gran mayoría en los desiertos de Arizona lo que le da a la película un toque genial.

Visualmente el film no esta nada mal. El verdadero protagonista es el coche , Turbo Interceptor, que se trataba de un prototipo de Dodge-PPG M4S Doble Turbo , con nada menos que 400cv.

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El Blu-ray consta de tres pistas de audio, una en Castellano 2.0; otra en Japonés 2.0 y en versión original ( Inglés ) con un genial DTS-HD 5.1. Todo ello acompañado de dos pistas de subtitulo, en Castellano y en Portugués. El apartado de extras, como es lógico es casi mínimo, solamente consta del trailer original de cine.

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El formato de imagen es de 1.85:1 lo que nos permite disfrutar la película en nuestros televisores en un genial 16/9.

Un trabajo espectacular.

La presa (Southern Confort, 1981). Dtor.: Walter Hill

En la visión conjunta de la filmografía de Walter Hill se aprecia una disposición de los personajes insertados en el seno de un grupo, bien sea al margen de la ley, o bien, en una organización paramilitar (Traición: Sin límite) o directamente militar (La presa). En este bunch tomado del ideario de Wallon Green y su celebrado guión de Grupo salvaje (1969, Sam Peckinpah) cimenta Hill la que será una de las piezas indiscutibles de su reinado efímero en la serie B de los ochenta: La presa. Malintencionado título hispano de uno mucho más sugerente Southern Comfort (confort sureño) referenciado a esas ancestrales tribus sedentarias que ocupan parte de la región de los Everglades de Louisiana. Una Guardia Nacional compuesta por nueve piezas de ‘desecho’ de una maltrecha sociedad marcada por una reciente guerra perdida en terreno adverso, la de Vietnam, protagonizan la primera parte de una odisea circunscrita en un estado selvático, a todos los niveles. Las relaciones entre los miembros del grupúsculo de soldados son, desde un punto de vista antropológico, de difícil concordia y entendimiento. No hay que señalar las debilidades de unos u otros, pues, las deficiencias quedan claramente expuestas y delimitadas desde los primeros minutos del metraje. La presentación de cada uno de los personajes armados está calculada desde el punto de partida de jerarquía, siendo el de mayor rango, el primero en tomar decisiones precipitadas. El verdadero líder del grupo es prontamente identificable en la figura de Spencer (Keith Carradine, en un momento dulce de su carrera), no así sus compañeros de viaje: Reece (Fred Ward, actor tosco pero de gran presencia en pantalla) y Hardin (Powers Boothe, en el papel de un mercenario con pasado turbio y confuso). La misión para la cual están encomendados como Guardia Nacional de Louisiana en 1973 no queda excesivamente clara hasta la parte final, hecho que lastra un tanto la identificación precisa de una incursión en territorio hostil. Lo inhóspito del terreno donde se desarrolla la acción lo convierte de facto en un personaje más, inclusive cuando uno de los elementos, Stuckey (acaso el más lunático de todos y quien desencadena la cadena de muertes en el Pantano), es atrapado en las arenas movedizas incrustadas en una zona del suelo selvático. Sin ánimos de redención, Hill juega con los personajes llevándolos hasta una trampa mortal, aquella forjada por individuos que han sido subestimados, al considerarlos de un rango aún más inferior que el suyo. Los Cahun serán, de esta forma, el punto de mira del director, enmarcados en una sociedad aislada, ancestral, con sus propias tradiciones y festejos, al margen de todo atisbo de confraternización. En este modo postrero de filmar un desenlace ciertamente inquietante es donde Hill se muestra más cómodo y benefactor.Resultado de imagen de La presa Southern ComfortLos preparativos de la horca y el modo de ejecutar a los animales comestibles (cerdos y jabalíes) prefigura un derramamiento de sangre que no será tal, sino un mero pretexto por mostrar una civilización anexa, indiferente ante sus semejantes, pero contundente ante los invasores. Una lectura más allá de lo visto en pantalla nos conduciría hacia una representación análoga a lo que sucedió pocos años antes en la Guerra de Vietnam o Corea. Si bien, la naturaleza de un espacio protegido amenazado por la población foránea subyace en el discurso –más en imágenes que en palabras, como la caída a propósito de árboles como arma arrojadiza- de un director/guionista (Hill junto a su inseparable David Giler) dispuesto a no simpatizar con la mayoría de los personajes (incluido el trampero -Brion James, antes de convertirse en replicante en Blade Runner-). Tres años más tarde, otro cineasta comprometido con la causa social, John Boorman, haría lo propio con La selva esmeralda (1985), contando también con la participación de Powers Boothe. La presa, por su parte, continuaría su camino en medio de numerosas producciones dedicadas a plasmar diferentes etapas de la Guerra de Vietnam (La patrulla, Platoon, …) aunque al final la crítica la emparentaría con buen tino, con un título fundacional en su género: Deliverance, también una de las obras menos reconocibles de su director, el mencionado anteriormente John Boorman.Àlex Aguilera

La matanza de Texas III

La saga de terror cinematográfica La Matanza De Texas (Tobe Hopper) cuenta con un numero de secuelas y precuelas de mucho éxito pero de dudosa calidad. Hoy vamos a analizar el DVD lanzado por los chicos de Resen de La Matanza De Texas III, dirigida por Jeff Burr y protagonizada por Kate Hodge, Ken Foree y Viggo Mortensen.Este film, rodado en 1990, no obtuvo el éxito esperado por parte de la productora, por lo que pasó bastante desapercibida por parte del publico. El estudio encargado intento competir con sagas como la de Viernes 13 o Halloween, sin ningún tipo de éxito por su parte.la-matanza-de-texas-3Y es que La Matanza De Texas III cuenta con un argumento bastante pobre, reciclando lo visto en la primera y soberbia parte, con unos protagonistas que no llegarán nunca a ser nominados a algun tipo de premio por su actuación en este filmLa gracia recae en el uso de las cámaras y por supuesto, el famoso tío de la moto- sierra,el cual ocupa la primera toma de contacto con la loca familia que hizo de las suyas en la primera parte del film. Tenemos que reconocer que el comienzo del film nos anima ver que es lo que ocurre con estos jóvenes perdidos, pero a la vez que va progresando el argumento, este se hace tedioso y aburrido.la-matanza-de-texas-2La ediciónEn lo referente a la calidad de este DVD editado por Resen, podemos decir que se trata de un DVD prensado, de una calidad de imagen bastante aceptable. El film viene presentado con dos pistas de audio: una en castellano 2,0 y la otra, el idioma original en inglés en 2.0. El DVD carece de extras.la-matanza-de-texasNo estamos frente al mejor film de la saga de La Matanza De Texas, pero si eres fanático del genero, y buscas pasar un rato entretenido, no te pierdas esta edición en DVD de un film que estaba descatalogado. Ya se encuentra disponible en nuestro país.La entrada original de este análisis fue publicado en la web colaboradora Inajayaa

LOS AMIGOS DE PETER (PETER'S FRIENDS, 1992). DTOR.: KENNETH BRANAGH.

LOS AMIGOS DE PETERCOMENTARIO: Cuando Kenneth Branagh era una estrella a nivel mundial, traspasando fronteras en cuanto a su enorme versatilidad en el terreno artístico-técnico, se le llegó a comparar incluso con Orson Welles. Voces críticas al respecto no compartieron tal aseveración, observando en sus movimientos empresariales un cierto acomodo en el terreno comercial en el senso más estricto de la palabra. Ello también le ocurriría al ‘maestro’ de Wisconsin, aunque en mucho menor grado y fruto de frustraciones varias en su carrera, debido a fracasos y ‘amputaciones’  de alguno de sus films. En cualquier caso, ambos eran conscientes de que la fama les sobrepasaba.Resultado de imagen de los amigos de PeterSiendo Branagh una persona extremadamente tímida que mide sus palabras para no zaherir a sus compañeros de profesión, ideó una sátira en torno al reencuentro de varios amigos de juventud veinte años después de su último encuentro. En su momento Peter’s Friend, que así se título el film en cuestión, despertó no pocas expectativas en un público snobista que buscaba la autocomplacencia a través de relatos de estilo teatral que satisficieran a su vez la vena por las obras de Shakespeare. Sin embargo, se encontraron ante una pieza distinta, sin grandes alardes tonales ni circunloquios, siendo un crisol de personajes a cual más contradictorio. Una comedia coral agridulce –con final inesperado y desesperanzador a la vez- que lleva hasta las últimas consecuencias la sinceridad con la que cada una de las parejas se expresa.Un lugar aislado de la urbe británica sirve de lugar de relax y celebración –el fin de año, con lo que ello comporta de buena esperanza- de una efemérides relacionada con un pasado añorado. La cita se traduce en un desorden, un caos contenido, donde las parejas se rompen tras una fragilidad ya aparente.Premonitoria o no, Los amigos de Peter, vista más de veinte años después de su gozoso estreno, proyecta una mayor relevancia, un mayor sentido a su significancia, por cuanto hemos podido ver la evolución posterior de cinco de sus protagonistas. Por lo tanto, estamos ante una generación de actores a considerar y cuyas carreras han mejorado como los buenos vinos. Estamos hablando de artistas ya consagrados como el propio Kenneth Branagh, Emma Thompson, Stephen Fry, Imelda Stanton, Hugh Laurie y, en un segundo plano, Phyllipa Law.Resultado de imagen de los amigos de PeterDel primero se ha hablado mucho y bien, aún cuando ha interpretado a villanos y personajes sin fuste en cintas norteamericanas. La segunda, pareja de Branagh en aquella época, no ha elegido papeles a su altura, siendo sus últimos estrenos –exceptuando Saving Mr. Banks- una caricatura de sus primeros pasos en la escena. Nos detendremos en Stephen Fry, actor de una categoría sin par, que ejemplariza el Sir o Lord británico con suma diligencia. Imelda Stanton, por su parte, recrea en muchos de sus trabajos –incluyendo Peter’s Friend- a la mujer díscola que vive atrapada en un matrimonio insostenible. En cuanto a Hugh Laurie, amén de sus incursiones en fábulas como Stuart Little y secuela, prestaría su hierático rostro a la exitosa serie Doctor House, dotándola de un humor tan negro como su personaje requería. Finalmente, Phyllipa Law, la mayor de su generación, se integraría en el apartado técnico detrás de las cámaras filmando títulos como Mamma Mia: La película.Resultado de imagen de los amigos de PeterComo en ésta, Los amigos de Peter,  fundamenta su relativo éxito en los noventa en una amalgama de canciones que funcionaban a las mil maravillas en un envoltorio disfrazado de comedia dramática, combinando con diálogos hirientes y llenos de intenciones banales. Este apego por las partituras retrospectivas y reconocibles, aupó al film a considerarlo un musical teatralizado. Canciones como Orpheus in the Underground, Every Wants to Rule the World, My Baby Just Cares for Me o You’re My Best Friend (Queen) daban en pantalla ese aspecto desenfadado y alocado de una Sitcom que aportó pocos elementos a su conclusión final. Ese no desfallecer nunca y el apoyarse en los amigos rompía con las reglas tradicionalistas que buscaban en la familia el auténtico nexo de unión. De esta forma, otras canciones como Hungry Heart, de Bruce Springsteen, Don’t Get My Wrong, de los Pretenders buscaban mejor esa lucha interna, alejándose de un estado de ánimo débil. Mayor empaque tendrían temas como What’s Love Got to Do With It (de Tina Turner), Rio o Get My Strenght, de Eric Clapton, fuera de una cinta donde predominaba el sexo, las mentiras y, escasamente, las cintas de vídeo. Precisamente, la respuesta británica de Sexo, mentiras y cintas de vídeo (1989), de Steven Soderbergh. Ambas comparten esa fijación por el psicoanálisis casero, que tan buenos resultados daría a otro genio en su especialidad, Woody Allen. Àlex Aguilera 

LA LEGIÓN DE LOS HOMBRES SIN ALMA (WHITE ZOMBIE, 1932). Dtor.: Victor Halperin.

LA LEGIÓN DE LOS HOMBRES SIN ALMA (1932, WHITE ZOMBIE)
Siendo como es La legión de los hombres sin alma (1932) la primera película en la que se trataba el tema de los ritos vudús relacionado con el de los «muertos vivientes» no deja de sorprender que su situación respecto a otros títulos de dimensiones parejas (Drácula, El hombre-lobo, etc.) hayan sobrevivido mejor al imaginario colectivo que el film del director de origen judío Victor Hugo Halperin. Su carácter «maldito» es debido a su particular temática repleta de tabúes y supersticiones, que muchos historiadores han querido desmitificar, no sin razón, en algunos casos. Su tono hiperrealista se nota ya desde un principio cuando un carruaje en plena noche asiste sin querer durante su recorrido a un entierro de muertos en las carreteras, ya que sus familiares tienen miedo a los llamados «ladrones de cadáveres», asimismo conocidos como «profanadores de tumbas». Situada en la India Occidental, White Zombie (al que muchos identifican con el famoso grupo de Heavycapitaneado por el futuro realizador Rob Zombie), muestran en ese lapso de tiempo, tras el entierro, cómo unos ojos misteriosos persiguen con su mirada a la pareja protagonista. Un recurso empleado en su secuela y que logra enfatizar el aspecto tenebroso e inquietante de Béla Lugosi como misterioso «hombre del vudú», al que atiende al nombre de Legendre, tan lúgubre y descuidado como la casa del doctor Charles Beaumont, el maestro de ceremonias, que acoge a la pareja protagonista. Un palacio situado en un acantilado gigantesco donde se practica la hipnosis que dejará a varios «no muertos» trabajando sin descanso, en campos y refinerías de azúcar próximas al lugar, como si de esclavos se tratara. Los decorados del acantilado y de la mansión subyacen de modo estático y barroco para dar la profundidad necesaria al lugar inalcanzable e inaccesible, donde el suicidio de la protagonista Madeleine está a punto de producirse. La llegada de «los ángeles de la muerte», en palabras del propio Lugosi, prefiguran la mirada lánguida y circunspecta de aquélla, dándose un aire a lo Betty Boop, un rostro frágil que recuerda a dicho personaje animado y que finalmente, merced a su amor eterno, logra zafarse de la amenaza hipnótica del inquietante «maestro de la muerte» Un final tan antológico como onírico, tan fantasmal como pernicioso.•
Àlex Aguilera
         

PRESIDIO (PRISON, 1987). Dtor.: Renny Harlin

PRESIDIO (PRISON, 1987). DTOR.: RENNY HARLIN.SINOPSIS: 1956. En la ciudad de Creedmore, una fortaleza gigante al Oeste de los EE.UU., Charlie Forsythe recibe la descarga eléctrica que le lleva a la muerte, castigo por un crimen que no había cometido. A su lado, observando la ejecución, Ethan Sharpe, el guardián más brutal de la cárcel. Él sabe que Forsythe es inocente, pero calla la verdad, que quedará tras las puertas de la prisión, hoy cerrada para siempre. Años más tarde, el aumento de la población obliga, de nuevo, a abrir Creedmore. Etha Sharpe será su director. Pronto descubrirá que el edificio no quedó deshabitado. El espectro de Forsythe, ansioso de venganza, anda errante por la cárcel. No cesará hasta que Sharpe reciba su castigo por el error judicial que provocó.COMENTARIO: Presentada en la Sección Oficial Competitiva del IX Festival Internacional de Cine de Madrid (Imagfic) de 1988, Prison es la segunda película de Renny Harlin, director de impacto en los ochenta y noventa en el vasto mercado hollywoodiense. A él se deben títulos tan taquilleros como La jungla 2 o Máximo riesgo, pero también fiascos tales como La isla de las cabezas cortadas o Las aventuras de Ford Farlaine. En cualquier caso, Harlin, nacido en Finlandia, empezó los cimientos de su carrera con esta pequeña producción de terror sobrenatural tras su profética Born American (Infierno en el Ártico). Este salto importante se debió a la figura de un productor, hoy caído en el olvido, Irwin Yablans, ‘descubridor’ del talento de John Carpenter en La noche de Halloween. No es casualidad, pues, que ambos filmes se abran, cámara subjetiva en mano, con un largo travelling muy sintomático de lo que ocurrirá en pantalla: una muerte. De distinto signo, eso sí. Prison es como su título indica un film carcelario –incluso se incluyeron reos reales de un centro de internamiento cercano- que combina elementos de contenido fantasmal con la del drama diario que imponen sus moradores, tanto reclusos como sus guardianes.Resultado de imagen de Prison 1987En cierto modo, el film que ahora se estrena por vez primera en alta definición, debe su complejidad a la gran cantidad de efectos visuales y de maquillaje que se vislumbran a lo largo del metraje. En su momento, apenas se pudo apreciar, pues su exhibición fue deficiente, en parte debido a la quiebra de Empire Pictures, su compañía de producción, propiedad por entonces de Charles Band.El paso de los años ha querido que Presidio (efímero estreno en nuestro país) se convirtiera en un producto válido y bien acabado, superior a muchos del catálogo Empire; y que, finalmente, se valorara positivamente la legitimidad reclamada de su realización, toda vez que su postproducción estuvo en el aire durante un tiempo.En este orden de cosas, Prison nace de una idea original de propio Yablans, extendida más tarde por C. Courtney Joyner –adscrito a la empresa de Charles Band- confiada a Harlin, pero también a un elenco de técnicos de primera fila: Mac Ahlberg, en la dirección de fotografía (muy necesaria en cuanto a los contrastes de luz en interiores tan lúgubres); y de John Carl Buechler, mago de los efectos visuales, no así de la dirección. Descubrir a Viggo Mortensen, como el ‘nuevo’ James Dean –al final su carrera fue por otros derroteros- en el rol de presidiario misterioso y desapercibido, fue un acierto de Harlin, como lo fueron el de la aceptación de Lane Smith como el del alcaide Ethan Sharpe o el del stunt  Kane Hooder –futuro Jason Voorhees, como el espectral Forsythe-, en un delirio final marca de la casa.Resultado de imagen de Prison 1987En el deambular del relato por los lugares más recónditos de una cárcel real –la de Wisconsin, la más antigua de la nación- Harlin filmó dos de las tomas más conseguidas: la primera, el alambre de espino –en realidad, cable telefónico- atando en espiral la piel de uno de los guardianes; la segunda, una galería plagada de tubos que atraviesan literalmente el rostro y cuerpo de uno de los reos. Una muestra doble de que el cine no necesita de grandes artificios sino de inventiva bajo un presupuesto menor –apenas 1’3 millones de dólares- que lograron concluir un producto destinado al videoclub, pero que ha conseguido hacerse un lugar entre las tentativas de dignificar un género, con el agravante de ser la última de una factoría que declinó a finales de los ochenta. Mención especial para la banda sonora compuesta por Richard Band, hermano de Charles, y todo un prodigio de la música conceptual de horror, en el sentido más creativo de la palabra.El Blu-ray viene acompañado por una excelente galería de imágenes y de un documental acerca del Making-Off de la película, hablando –desde diferentes voces autorizadas- de la génesis, producción, rodaje, post y estreno de la película. Más de cuarenta minutos de declaraciones sinceras y nostálgicas sobre Prison, desde lo más profundo del corazón. Àlex Aguilera 

SALVADOR (1985, SALVADOR). Dtor.: Oliver Stone

SALVADOR (1985, OLIVER STONE)COMENTARIO: Existen pocos cineastas tan comprometidos con su entorno –en este caso, circunscrito a los países que lo rodean- como el estadounidense Oliver Stone. En este orden de cosas, la visión de un activista como el antiguo guionista de El expreso de medianoche (1978) va más allá de un simple esbozo y de una mirada escéptica; su causa es la de los desfavorecidos, la de los que luchan en inferioridad, en definitiva, de los que viven bajo el yugo del capitalismo. Este posicionamiento le había valido más de un disgusto, inclusive a nivel personal, pero Stone se ha mostrado siempre fiel a un ideario que desafía a las fuerzas gubernamentales que actúan con preponderancia. Esta máxima ha sido cultivada por el director ya sexagenario a partir de un primer título vinculado con sus experiencias militares de carácter obligatorio. Es sabido que Stone participo activamente como soldado en la vergonzante guerra de Vietnam, extrayendo posteriormente su sapiencia en primera persona en la parcialmente lograda Platoon (1986), gran éxito de crítica y público a finales de los ochenta. Sin embargo, un año antes ya se había adentrado en otra guerra de menor calado mediático a través de uno de sus films menos conocidos y contrastados: Salvador.La génesis de un movimiento:Iniciada a partir de la contribución personal y comprometida de varios productores independientes, Salvador debe su salida al mercado –no por casualidad tras el estreno de Platoon- gracias a esa labor conjunta y a la aportación de Hemdale Films, una empresa con capital británico liderada por el exbeatle George Harrison. La intención primera era la de recrear los tristes episodios acaecidos en el país centroamericano de El Salvador entre 1980 y 1981, filmándolo en el mismo lugar de los hechos, incluido la Catedral donde se sucedieron los atentados más sanguinarios. Bajo una situación aún convulsa y el hecho de que no se habían cerrado del todo las cicatrices de la operación paramilitar, dejo la posibilidad a Stone de rodar únicamente en terreno neutral, esto es México y algunos parajes estadounidenses del sur.Siendo como es Stone un cineasta inquieto y minucioso, escrutó al máximo los textos aportados por el escritor y cronista Richard Boyle hasta convertirlos en el punto de partida de una película que demanda no olvidar un pasado reciente, quizá demasiado reciente. Con un sinfín de víctimas y desaparecidos a las espaldas de una cúpula militar corrupta y desafiante, autodenominada escuadrones de la muerte, Stone recompone una situación de caos reinante en una ciudad donde aflora la pobreza y los asesinatos a cada paso que uno dé.Teniendo las localizaciones y algunos actores apalabrados –se sumaría James Woods al proyecto toda vez que su relación con Hollywood empezaba a declinar-, faltaría completarlo con su director de fotografía liberado de otros trabajos. Richard Robinson secundaría, pues, al ocasional guionista Richard Boyle hacia un rodaje complejo repleto de localizaciones y de una canícula en verdad que dificultaría tal despliegue.Una traslado forzoso en zonas colonizadas: de Los Angeles a El SalvadorResultado de imagen de Salvador (1985), de Oliver StoneStone siempre ha visto a ciudades como Los Angeles como un nido de engreídos. De esta forma, escapa continuamente de esa forma de vida para conocer otras culturas y otras maneras de comportamiento. Eso es lo que parece que buscan los protagonistas, Richard (alter ego de Richard Boyle) y de su compañero Buck (James Belushi, cansado de ser comparado a su hermano fallecido, John), al encontrarse sin blanca y sin un hogar, de la noche a la mañana. El primero (espléndido James Woods, con una dicción castellana monocorde con el estereotipo americano medio) es un reportero de largo recorrido, especializado en cubrir infinidad de contiendas en primera línea de información, caso de la Guerra del Fútbol de Honduras de 1969, los conflictos armados de Guatemala, Beirut y Camboya, al punto de ser el último periodista acreditado en abandonar dicho país. Una traslación en primera persona –al igual que hiciera Stone con Billy Hayes en El expreso de medianoche- que ayuda a la historia a progresar en el camino hacia la liberación de un país tomado por los militares. Si bien, los acontecimientos se suceden en zonas convulsas, Stone quiso hacer hincapié en la figura clave de John Cassidy –el brillante e infravalorado John Savage- colocándolo en el mismo escalafón que el mítico fotógrafo Robert Kappa. Reportero del Newsweek y amigo de Boyle, Cassidy engrandece la figura del fotógrafo de guerra, capturando en cualquier momento ‘la grandeza del ser humano’, una vez abatido y muerto, como epitafio en las montañas repletas de cadáveres, donde acontecen las imágenes más duras del film.La dicotomía entre las confrontaciones por el poder, en este caso, entre Jimmy Carter y Ronald Reagan en 1980, auspician un resultado nefasto para los intereses de la pequeña nación salvadoreña, a la cual llegarán las armas con las cuales los militares acabarán con cualquier atisbo de revolución interna por parte de la población rural.El agnosticismo de Boyle se contrapone al influjo que ejerce entre los pobres el Arzobispo Romero, vilmente asesinado en su propia ‘casa santa’. El mismo lugar donde se hablaba de la violencia y de las insurrecciones. Un conflicto social donde los ejércitos se amparan en su particular ’guardia nacional’ para acabar con los insurrectos. El apoyo de los sandinistas resultará insuficiente.La cámara de Stone y sus correspondientes primera y segunda unidades captaron en su momento un conflicto como pocos han sabido hacer, reflejando una evidencia, un desatino moral y una violencia injustificada, además de constatar las ayudas externas de los Estados Unidos y de suspender la actitud reprobable de las embajadas pertinentes. Toda una declaración de hechos con la cual Stone se ganó esa fama de ‘izquierdista renegado’ en su propio país, más aún tras su entrevista/documental Comandante (2004), sin caer en la cuenta de que el mismo ha intentado buscar la verdad que los distintos gobiernos archivaron en falso, caso de JFK (1991).Salvador sigue por todo ello hoy en día más vigente que nunca. Àlex Aguilera

Análisis "NIDO SUBTERRÁNEO". Por Alberto Carpintero

Título original The Nest  - 1987 - 88 min. - Estados Unidos - Director Terence H. Winkless - Guión Robert King - Música Rick Conrad - Fotografía Ricardo Jacques Gale - Reparto Lisa Langlois, Robert Lansing, Franc Luz, Terri Treas, Stephen Davies, Diana Bellamy, Nancy Morgan, Jack Collins - Productora Goodman / Rosen Productions - Género Serie B - Terror - Monstruos - Distribuidora: Resennidocartelportada

NIDO SUBTERRÁNEO (THE NEST, Terence H. Winkles, 1987)

Comentario película:

El pequeño pueblo americano de North Port está siendo invadido por cucarachas asesinas, que devoran todo a su paso. La Dra. Hubbard, a través de la empresa INTEC, es enviada al pueblo para investigar el caso, pero no todo es como parece y la empresa INTEC tiene mucho que ver con el problema.

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Estamos ante una verdadera película de las que se denominan “serie b”. Todo en ella lo apunta, tanto su argumento enloquecido e imposible, como sus diálogos extremadamente explicativos, como sus histriónicas interpretaciones, pero por ello es un verdadero disfrute para los aficionados a este género, si podemos llamarlo así.

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Supuso el debut en la dirección de Terence H. Davis, realizador posteriormente de alguna película de artes marciales con Don “The Dragon” Wilson y Cynthia Rothrock y capítulos de las series Power Rangers y Pacific Blue.

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La historia, al tratarse de cucarachas asesinas entronca directamente con un tipo de cine que estuvo de moda principalmente en los años 70, aunque también en cierta medida en la décadas de los 50 y 60, en donde diferentes tipos de insectos, o animales en general, atacan al ser humano, empezando por un problema individual y menor hasta alcanzar el nivel de crisis colectiva. Dentro de esta temática se encuentran grandes éxitos como Cuando ruge la marabunta (1954), El enjambre (1978), Tiburón (1975), Orca, la ballena asesina (1977), o El alimento de los dioses (1976). En los ochenta no hay tantas cintas sobre “bichos” pero hay algún que otro ejemplo como la historia que cierra la película de George A. Romero, Creepshow (1982), en la que un hombre obsesionado con la pulcritud es invadido en su casa por cucarachas.

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Nido subterráneo va derivando de ser una película sobre bichos a ser sobre mutaciones, sumergiéndose en un terreno mucho más desenfadado y divertido y alcanzando un clímax en el lugar que da nombre al título, que es de traca. Un gran final para una cinta sin más pretensión que entretener.

Valoración BD:

Imagen: El disco es un BD de 25 GB, prensado. Su formato de imagen es 1.78:1, el original de la cinta. La calidad es muy alta. Tampoco es una película de mucho presupuesto, por lo que su fotografía no luce tanto como otras cintas de la época. Pese a todo el transfer es muy bueno, sin rayas, ni manchas. Los colores no son muy brillantes, pero son naturales. En algunas escenas oscuras, los negros aparecen un poco lavados, pero no molesta.

En definitiva, posee una gran imagen.

Sonido: Vienen dos pistas de audio, en español 2.0 y en inglés DTS-HD 5.1. Evidentemente tiene mucha más calidad en todos los sentidos la pista en inglés, tanto por sonoridad como por limpieza. Se puede ver con subtítulos en español. La pista española no tiene mal sonido, es un doblaje clásico.

Extras: No contiene extras.

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Valoración película: 5

Valoración bluray: 7

Miedo En La Ciudad De Los Muertos Vivientes

De nuevo nos encontramos con una genial edición de Llamentol en Blu Ray: Miedo En La Ciudad De Los Muertos Vivientes del genial Lucio Fulci. Esta edición en alta definición incluye una calidad de imagen bastante elevada, ya que cuenta con el máster de una de las mejores ediciones del film que se realizaron en Estados Unidos.Antes de entrar en detalles de la edición, vamos a comentar un poco la trama de este estupendo film, que no es nada del otro mundo, pero los fans del terror, entre los que nos incluimos en Inajayaa, nos encanta.15En la ciudad de Dunwich, en Nueva Inglaterra, el suicidio de un cura convierte en realidad una vieja maldición. Las puertas del Infierno se abren de par en par y liberan una horda de zombis que salen de sus criptas en busca de carne fresca... (FILMAFFINITY)El argumento, lleno de sangre y efectos especiales mejorables, no es nada del otro mundo, pero los años 80 del pasado siglo marcaron época, y gracias a producciones poco conocidas como esta que aquí analizamos, el cine enamoro a muchas personas. Este genero, que no es muy querido entre la mayoría de público, cuenta con una legión de seguidores, por lo que es de muy agradecer el trabajo de Llamentol.maxresdefaultEn el apartado sonoro, podemos encontrar dos pistas de doblaje original en inglés, una presentada en Dolby Estereo, y la otra en 7,1, superando con creces a la pista en castellano (re doblaje de los años 90 por parte de manga films, inferior al original de los 80) que se presenta en un sonido estéreo. El film cuenta con escenas ampliadas a la versión presentada en España hace 37 años, por lo que el re doblaje es necesario. Nosotros nos quedamos con el doblaje original. En lo referente a extras, la edición viene bastante pelada.miedo-en-la-ciudad-de-los-muertos-vivientes-blu-ray-paura-nella-citta-dei-morti-viventi-19927-1En lo referente a la imagen, y como bien hemos indicado más arriba, el Blu Ray tiene una calidad bastante aceptable. Se nota el maltrato que ha tenido esta cinta, y el poco cariño que se le ha dado a su remasterización, pero es cierto que no podemos pedir más, ya que se trata de un título que tiene casi cuarenta años, y eso se nota.No estamos diciendo que se vea mal, para nada, pero se hace mucho uso del grano, y la compresión de la imagen se ve bastante forzada. Eso si, la edición americana también cuenta con la misma calidad de imagen.miedo-en-la-ciudad-de-los-muertos-vivientesMiedo En La Ciudad De Los Muertos Vivientes del genial Lucio Fulci en Blu Ray es una oportunidad única para conocer un genero de cine que se perdió a finales de los 80, y que gracias a producciones independientes volvemos a rescatar. Llamentol ha realizado un buen trabajo.Entrada publicada originalmente en Inajayaa

CINCO SEMANAS EN GLOBO (1962, FIVE WEEKS IN A BALLOON)

El Wonder Cinema fue un subgénero que se popularizó en los años sesenta sustentado por la eclosión una década antes del Cinemascope. No en vano, la configuración estilística de este formato permitía juntar en un mismo plano a un sinpar número de actores, objetos o incluso animales (caso ejemplarizado en el musical El extravagante doctor Dolittle). El consejo principal a la hora de enmarcar a estas figuras, inertes o no, era el del posicionamiento dentro del encuadre percibido y dibujado por el director de escena o de fotografía. Un procedimiento complejo como demuestra el hecho de que muy pocos directores dieran continuidad a este formato, trabajo tras trabajo, como en el caso de Richard Fleischer. El cine de aventuras se daba a este tipo de situaciones artísticas, puesto que en él convergen las pautas del cine de fantasía al uso y la representación de todo tipo ecléctico de personajes variopintos. Ese portal al viaje interplanetario lo iniciaría La vuelta al mundo en ochenta días (1956, ganadora en el apartado a mejor producción en los Oscar de ese año), con su singular apuesta por las tribulaciones de un aristócrata y su sirviente (Picaporte, excelso Mario Moreno 'Cantiflas'). Esa continuidad en ese mundo no apto para espíritus sedentarios, bebía de diferentes fuentes, entre ellas, la nada paradigmática visita al mundo de Jules Verne. Su visionaria idea del poder volar a toda costa, tuvo su razón de ser a partir de la lectura de Cinco semanas en globo, una de sus obras cumbre, apenas tratada en diferentes estudios serios sobre el autor francés. Sin embargo, era terreno abonado para su traslación al cine siempre y cuando los medios fuesen los correctos. Irwin Allen, a la sazón productor, se hizo con parte de los derechos, para dar forma a un viejo proyecto construido a base de materiales nobles -simples estructuras de madera- e imaginación a raudales. No en vano, Allen es considerado como un director que marcó un cierto estilo, para bien o para mal, perfectamente reconocible por el uso de un color vivaz y un sentido de la castástrofe que relataba sus inquietudes más cercanas. Alejada un tanto de estas últimas pretensiones, Cinco semanas en globo funciona a medias tras más de cincuenta años desde su estreno. Sus personajes son arquetipos de una sociedad aristócrata retrogada en parte, pero donde sobresale la figura de un adelantado a su época (recordando a Verne), que desafía las leyes de la naturaleza y de la física para insuflar vida a un artilugio presentado en la exposición Universal de principios del siglo pasado en París. Un punto de partida que supone todo un reto en el marco de una sociedad que demandaba síntomas de cambio a marchas forzadas. En este dilema se hallan unos personajes que deciden viajar en globo con el objetivo de reconquistar tierras colonizadas por los británicos. En este sentido, la cinta se detiene en dibujar situaciones tan esperpénticas como ver como se dispara en masa a un globo vulnerable a escasos metros, con un desacierto pasmoso. Una caricatura en movimiento que invita al sonrojo, no así la total involucración de unos actores esforzados en mostrar su lado más humano. Este es el caso de Red Buttons, actor de estrellato fugaz, que encarna a un aventurero mayor de lo que en realidad el era en esa época. La simpatía del personaje se contagia de forma desigual; aun así, la mona de turno (sosias de la Chita de la serie Tarzan) demuestra el adistramiento suficiente al que fuera sometida. Una inteligencia pareja que da que pensar en el conjunto de un film destinado al consumo rápido y provechoso de una época pretérita que, hoy en día, se ve con ciertos ojos de nostalgia, que no de sumisión. Una calidad superior acompaña a esta revisión en su totalidad, preferiblemente degustable en su formato más amplio, el 2:35: 1, digitos identificativos del infrautilizado Cinemascope. Àlex Aguilera

LAS COLINAS TIENEN OJOS (THE HILLS HAVE EYES, 1977). Dtor.: Wes Craven

Rodada en pleno desierto de California por espacio de cinco meses, el estipendio final ascendió a doscientos treinta mil dólares. La película relata la odisea que padece una familia media norteamericana cuando se adentra, debido a un accidente imprevisto en el eje del automóvil en el que viajan, en el interior de una zona inhóspita y semidesértica, aunque sólo aparentemente igual que había hecho Wes Craven con El manantial de la doncella (1959) en relación a su anterior film La última casa a la izquierda (1972), Las colinas tienen ojos (1977) se basa libremente en un relato no escrito, en su caso las andanzas de una familia escocesa de caníbales del siglo XV, los Sawney Bean, cuyo cabecilla, nacido en los alrededores de la ciudad de Edimburgo, se dedicaba junto a su familia a degollar, desollar y devorar a las solitarias víctimas humanas que se cruzaban en su camino. Unos auténticos ladrones y comedores de carne humana. La “prole” que seguía al cabeza de familia sería también fruto de relaciones incestuosas con sus propios hijos, aglutinando en su seno un total de catorce hijos y nada menos que treinta y dos nietos, en un ejercicio de endogamia llevada a cotas inimaginables por el común de los mortales. La difícil captura de esta banda de caníbales se produjo finalmente en 1435, en una cueva, y con un final más propio de un aquelarre: al padre se le mutiló y fueron quemados vivos el resto de la familia.
   Tomando prestado este punto de partida real, el film de Craven, cuyo working title había sido Blood Relations: The Sun War, ubicaría la acción en un futuro más o menos cercano, el de mediados los años noventa del siglo pasado. En este punto, Craven redujo significativamente el nombre de bárbaros, circunscribiéndolos en un desierto empleado para las prácticas de armamento nuclear por parte del ejército. La formación del grupo se compuso, pues, del patriarca Júpiter y sus hijos, Marte (Lance Gordon), Plutón (Michael Berryman, icono del cine de terror a partir de entonces y protagonista de Bendición mortal, uno de los films patrimonio de Craven) y Mercurio (Arthur King yel cameo del propio productor, Peter Locke), toda una alegoría de las mitologías griegas y romanas, con antecedentes planetarios. El impacto del film sería tan mayúsculo que, a partir de entonces, se exportaron de forma masiva el número de Body Counts, de la cual Las colinas tienen ojos es una fiel representante. Censurada en Australia y Gran Bretaña, Las colinas tienen ojos llegaría a nuestro país el 26 de diciembre de 1979, con la clasificación «S» de por medio.
Al llegar a las carteleras no faltarán los comentarios que abundaban en las analogías para con  La matanza de Texas (1974), siendo Las colinas tienen ojos deudora netamente de los aciertos del film dirigido por Tobe Hooper. Al respecto, cabe anotar que Robert Burns sería, no por casualidad, el director artístico de ambas producciones. Su iconografía de la cueva donde habitan los malhechores es pareja a la empleada en el film de Hooper con la que comparte además una ambientación malsana y la noción de supervivencia entre familias tan antagonistas en un tórrido verano donde se alcanzan temperaturas cercanas a los 40º C.
Continuaciones, remakes y versiones uncut en formato doméstico
   Años más tarde, el film de Craven conocería dos remakes casi seguidos; el primero, de idéntico título fechado en 2006 y bajo la dirección del galo Alexandre Aja; y el segundo, una continuación de éste llamado aquí El retorno de los malditos (2007), dirigida por Martin Weisz (no por casualidad el autor de El caníbal de Rottenburg), con poco que ver en el apartado visual con la película simiente ni con su continuación concebida puramente por un efecto crematístico a mediados de los ochenta, Las colinas tiene ojos 2 (1983). Sin embargo, ambas cintas están consideradas más brutales aún que sus predecesoras, con versiones uncut que circulan solamente en versiones en formato digital. Sin llegar a reconocer físicamente a los protagonistas anteriores con sus substitutos actuales, el desarrollo es bastante similar, salvo en el porqué de la llegada al mundo de esa “tribu” de asesinos y de sus futuras víctimas. Además, existen un par de planos calcados al original (la primera irrupción salvaje del progenitor desde el exterior de la casa es una de ellas) que la reducen a la condición de remake al uso.
   Para su edición en DVD y Bluray de 2014 quedaría registrada la versión definitiva de la seminal Las colinas tienen ojos, con las escenas censuradas en el apartado curiosidades de esta pieza de terror en su estado más puro, con momentos sobrecogedores e impactantes, con un acentuado sentido hiperrealista de los acontecimientos, lejos de ese remake producido por el propio Peter Locke, Wes Craven y su inseparable Marianne Maddalena, más centrado en el aspecto postnuclear y sus terribles consecuencias extraídos de la historia original.
   A decir verdad las escenas que se derivan de ese aspecto brutal, las encontramos por doquier, siempre manteniendo una tensión progresiva sin apenas altibajeo, lo que hace al film aún más notable. En este orden de cosas, el asalto a la caravana está rodado de forma intena, incluyendo un asesinato a tiros a quemarropa, una violación (La última casa a la izquierda in mente) y el brutal secuestro de un bebé ya indefenso de por sí y al que calificarán más tarde con sarcasmo como «un buen pavo para el día de Acción de Gracias». Las colinas del film están dibujadas a través de unos prismáticos que prefiguran la localización aproximada desde donde van a tener lugar una serie de delirios que acabarán impunes y donde las víctimas tendrán comportamientos análogos a los de sus verdugos, algo que quedaba evidente en La matanza de Texas. Una tesis compartida que demuestra la sinrazón de un modo de vida encaminado a la violencia y a la supervivencia (la falta de comida) de la familia patriarcal sin más. La continuación llegaría tras el éxito relativo de Pesadilla en Elm Street (1984) y donde se volverían a repetir escenas del original, a modo de emparentarla con el film seminal para aquellos que no la huiesen visto. Como única novedad, la aparición de «El recolector», tío de Plutón, superviviente al igual que Bob de la matanza inicial. Escenas de acción dispersas y una banda de motoristas ingenuos acaban por estropear una cinta destinata a otros menesteres diferentes al film de 1977, el cual obtuvo el premio a la Mejor Película de Terror de la Academia del Cine Fantástico y Ciencia-Ficción de Los Angeles. Además, en su edición editada por vez primera en BD en nuestro país, se incluye, en forma de copión, de un final añadido, que no es más que un cambio en el montaje final del mismo, con escasos planos como novedad; juntamente con una comparativa entre la restauración final del film y el estado anterior de la copia (con rayas, degradación del color y saltos). Un trabajo a agradecer.
Àlex Aguilera

LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (1956, INVASION OF THE BODY SNATCHERS)

Largamente esperada su edición en nuestro país en DVD, La invasión de los ladrones de cuerpos es considerada, de forma casi unánime, como la película de ciencia-ficción más importante de los años cincuenta. El vago recuerdo que muchos teníamos de ella gracias a los lejanos pases televisivos se ha visto recompensado con esta gratificante y documentada incluye un libreto con fotografías, notas de producción y anécdotas del rodaje-edición incluida en esta «Selección de Clásicos de Oro». Sin obviar su breve reposición hace ahora veinte años concretamente el 27 de julio de 1987, esta adaptación de un serial publicado en la revista Collier en 1954 y escrito por Jack Finney, tuvo su rápida plasmación cinematográfica gracias al veterano productor Walter Wanger (La diligencia, Perversidad), encargando la dirección a un aún desconocido Don Siegel. Para siempre vinculada a la valoración de parábola del maccarthismo promovido por el Comité Anticomunista del senador norteamericano, no es menos cierto que Invasion of the Body Snatvchers —cuyo título de rodaje fuera el más sugerente Sleep No More, en alusión a lo que acontece con la pareja protagonista en el tramo final del film debe su reconocimiento más allá de sus fronteras al porqué de los miedos reales de la gente, la indiferencia humana, a la falta de sentimientos y a la catarsis colectiva como reacción ante la invasión de nuestra privacidad. El enemigo esta vez no se halla en el exterior sino que anida en nuestra propia comunidad. Una alegoría perfectamente descrita por el guionista oficial Daniel Mainwaring, quien tuvo que sufrir en su propia persona la persecución constante por sus trabajos anteriores, siendo despedido incluso por Howard Hughes. Ante tales presiones, el productor contrató a Sam Peckinpah quien tiene un pequeño pero significativo papel en el film para reescribir el guión de Mainwaring. Peckinpah se limitó a seguir las directrices de la productora y a incorporar un prólogo y un epílogo además de la voz en off— que no fueron del gusto de Siegel. No obstante, el mensaje del film continúa siendo vigente hoy en día como reflejo de la usurpación de la identidad por parte de quienes quieren anular los pensamientos y la capacidad de decisión de multitud de personas. Muestra de ello es la escena en la que aparece, por vez primera, en el sótano de una casa la réplica humana, en el interior de una vaina, de una de las mujeres que aún no ha sucumbido a tamaña transmutación física y psíquica. Desgraciadamente, el final no previsto por el director no es el más adecuado empleando un flash-back innecesario, pero ayuda a comprender el ambiente de pesadilla que envuelve el regreso de un doctor (Kevin McCarthy, nada que ver con el senador Joseph McCarthy) de un pueblo Santa Mira, lugar original del rodaje invadido por un extraño y repentino cambio de conducta de sus residentes. 
Àlex Aguilera

HALLOWEEN III: EL DÍA DE LA BRUJA (1982, HALLOWEEN III: SEASON OF THE WITCH)

Tras los resultados nada alentadores de la secuela oficial de La noche de Halloween (1978), Halloween II (en nuestro país se estrenó con el genérico título de Sanguinario), John Carpenter decidió dar por zanjado al personaje inquietante de Michael Myers, toda vez que escapa del centro mental en el que estaba confinado. No se sabe bien cómo, la idea de ejecutar una tercera entrega con un signo distintivo y aislada de cualquier semejanza con la anterior, surgió de la propia mente de Carpenter, queriendo sacar tajada a la vez de la festividad de Todos los Santos y de sus posibilidades en el mundo anglosajón, más tarde exportado a otros confines, como el español.En realidad, su pensamiento estaba puesto en la figura de Nigel Kneale, artífice de la saga sobre Quatermass en los años cincuenta y sesenta, amén de ser un escritor de prestigio en la sociedad británica. No en vano, Carpenter utilizó el apellido de aquel como pseudónimo en alguna ocasión. A él se dirigió para que trabajase en el proyecto de Halloween III: Season of the Witch, con aproximaciones constantes en cuanto al tratamiento del guión y en el eje central de la trama. Sin embargo, las discrepancias entre ambos serían notorias y, finalmente, se autoexcluyeron de los títulos de crédito finales.Tommy Lee Wallace, compañero de generación de Carpenter, Nick Castle y Debra Hill (productora) fue el director elegido para condensar esa amalgama de ideas que ambos genios del cine de anticipación (véase 1997; Rescate en Nueva York y Quatermass II) habían iniciado. Ya hemos hablado, pues, de Halloween III como una falsa secuela, un film ‘isla’ cuyo único propósito era inaugurar una serie anual de películas entorno a la Fiesta de Halloween, con guiones independientes unos de otros. La suerte estaba echada, mientras que Lee Wallace se devanaba los sesos para dar coherencia a una magnífica situación de partida: los niños sucumben ante un anuncio que avisa reiteradamente sobre la llegada de la tradicional fiesta del 31 de octubre. Una pegadiza cancioncilla –extraída al parecer del popular London Bridge sajón- que aparece y suena de forma subliminal en buena parte de los televisores de los hogares norteamericanos, será el leitmotiv de una extraña cinta, que ha pasado a convertirse en una auténtica cult movie. En ella, aparecen elementos rituales, de ancestros celtas, tradiciones Druidas que pretende recuperar Conal Cochran (Dan O’Herlihy, recuperando su rol de El gabinete del Dr. Caligari), el máximo exponente de una fábrica de máscaras de Halloween situada en una pequeña población del Norte de San Francisco.Acontecimientos inexplicables que se suceden a lo largo del metraje del film, que parecían dispuestos a captar la atención de espectadores que no veían por ninguna parte al asesino Michael Myers ni a su afilado cuchillo, aunque sí un final estirado hasta la saciedad. En su lugar, se encontraron –los pocos que pudieron verla, puesto que la Universal la retiró a las pocas semanas de los cines donde se exhibió- con un contexto totalmente diferente: una fábrica de máscaras de látex en cuya parte trasera se escondía un chip que contenía a su vez el trozo de una pieza ancestral robada, nada menos que de Stonehege. Este modo de destruir un mito, a partir de la búsqueda de las raíces de la fiesta en sí, trasciende hasta un mundo que contempla desde las maquinaciones en el prólogo de La noche del demonio (1957, Jacques Tourneur) hasta el satanismo incrustado en el cine de Fisher (The Devil Rides Out) pasando por toda una legión de obras dedicadas a rituales ligados al atavismo. De cualquier forma, Halloween III: Season of the Witch responde a un intento loable por combinar esas prácticas divinas con la modernidad de los ordenadores, de aquí la incursión de la robótica como vehículo de sustitución. Ejemplar resulta en este caso, la escena en la que la pareja protagonista (Tom Atkins y la debutante Stacey Nelkin) maltrecha a un maniquí-robot que está cosiendo con suma precisión.Sin caer en la absurdidad y la incoherencia a la que muchos admiradores de la saga Halloween se refirieron, decir que este film por sí solo merece una atención más allá de cualquier manifestación de oportunismo en su equívoco título. Dejando a las claras de que, pese a adustos y también vanguardistas efectos de maquillaje de Tom Burman -hoy en día superados- cabe una lectura sistematizada de los efectos subliminales de la publicidad en una sociedad influenciada por los estereotipos de una fiesta que no responde a los cánones iniciáticos, donde niños y animales eran sacrificados esa misma noche por los propios difuntos. Una tergiversación en toda regla es lo que resta de aquella cruenta tradición. Àlex Aguilera

LA QUEMA (THE BURNING, Tony Maylam, 1981) - Una crítica de Alberto Carpintero

LA QUEMA (THE BURNING, Tony Maylam, 1981)

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 Director Tony Maylam - Guión Harvey Weinstein, Tony Maylam, Brad Grey - Música Rick Wakeman - Fotografía Harvey Harrison - Reparto Brian Matthews, Leah Ayres, Brian Backer, Larry Joshua, Jason Alexander, Ned Eisenberg, Carrick Glenn, Carolyn Houlihan, Fisher Stevens, Holly Hunter- Productora Coproducción Estados Unidos-Canadá; Filmways Pictures / The Cropsy Venture - Género Terror - Slasher - Distribuidora: Resen

Comentario película:

En 1978 John Carpenter inauguraba una ola cinematográfica, ya tocada previamente pero nunca con tanta intensidad ni estilo; el slasher. Cintas protagonizadas por un asesino en serie empeñado en dejar un rastro de cadáveres a su paso. Dos años después, apareció la primera Viernes 13 y el éxito fue tremebundo, creando una saga de más de diez títulos, incluido un crossover con Freddy Krueger. Muchos afirman que la película que debía haber tenido ese éxito tendría que haber sido la que nos ocupa: La quema. Estrenada en 1981, La quema posee todos los elementos del slasher y un guión muy bien elaborado, lleno de giros, tramposos algunos, pero siempre con mucha originalidad, y unas muertes sorprendentes.

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El argumento no puede ser más sencillo. Unos chicos por gastarle una broma al empleado de mantenimiento del campamento de verano, acaban prendiéndole fuego y dejándole al borde de la muerte y totalmente deformado. Años después, el hombre, llamado Cropsy, comienza a atacar a los chicos de otro campamento.

Suele ser común entre estos psicópatas el tema de la venganza. Casi siempre algo del pasado les atormenta y necesitan solucionarlo empleando la violencia irracional. En el caso de La quema, el asesino arremete contra jóvenes de una generación distinta a los que le atacaron, pero en su mente siguen siendo esos chicos violentos que le prendieron fuego. Simbólicamente son los mismos jóvenes, aunque haya alguna que otra sorpresa en el desarrollo de la trama.

Es habitual también —de alguna manera para justificar la extrema violencia— que los asesinos tengan alguna carencia mental. Así nos quitamos el debate moral de un plumazo. Esa deficiencia mental es suplida por una fuerza física sobrehumana, que hará muy difícil su eliminación.

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El director de la cinta es Tony Maylam, que no tuvo mucha suerte en su carrera cinematográfica, pues salvo ésta y Segundo sangriento (Split Second, 1992) sus demás películas no son muy conocidas, aunque en los últimos años ha estado más centrado en la publicidad que en el cine.

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En la idea y en el guión nos encontramos a dos hermanos que ahora son dueños de una gran parte de  Hollywood, los Weinstein, famosos productores que llevan las películas de los hermanos Coen y Tarantino, entre otros. De Harvey Weinstein es la idea y la historia la desarrolla junto a otros dos guionistas, y el guión es de Bob Weinstein, que lo firma junto a Peter Lawrence, especializado posteriormente en guiones de series de dibujos animados, como Thundercats.

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Dentro del reparto de la cinta, destacamos el dato curioso de encontrarnos a un joven Jason Alexander, bien conocido por muchos por ser el maniático George Costanza en la enorme sit-com Seinfeld.

Valoración BD:

Imagen: La imagen de este bluray se presenta en su relación de aspecto original, 1.85:1, en 1080p. La calidad es muy alta. Es la gran baza de este bluray. Aparte de que nunca fue editada en nuestro país en dvd ni en HD y, siendo como es un título básico del slasher, es una compra indispensable. El negativo ha sido limpiado y la nitidez es extrema. Tan solo en las secuencias oscuras aparece algo de grano, pero es natural del propio celuloide con el que fue filmada. A diferencia de otras películas no ha sido utilizado el filtro DNR para eliminar el grano, o por lo menos no en demasía, cosa de agradecer. El color posee una alta saturación y la definición es mayor, como es lógico, en los primeros planos que en los generales, algunos difuminados con filtros, habituales en esa época. El contraste es alto en toda la cinta.

Sonido: La pista de audio en su versión original (inglés) está en DTS-HD 2.0. Tiene muy buena calidad, tanto en su parte de diálogos, como en música y ambientes. Es la mejor manera de disfrutar de esta interesante película. Existe la opción de verla con subtítulos en castellano.

La pista en castellano es la del doblaje original con la que se estrenó en España. Aunque posee el encanto de los doblajes clásicos, la calidad es bastante inferior a la de la pista en inglés, habiendo de vez en cuando algún que otro salto de sonido y siendo su mayor carencia los diálogos, que a veces suenan enlatados y otras veces han sido sustituidos por fragmentos de la pista inglesa.

 Extras:

  • Trailer cinematográfico: A diferencia de otras ediciones de fuera, que traen making of y comentario en audio del director, ésta solo incluye el trailer original. Viene en inglés, sin subtítulos. 

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Valoración película: 7

Valoración bluray: 7

EL POZO DEL INFIERNO (1983, AMITYVILLE 3D)

EL POZO DEL INFIERNO (AMITYVILLE 3-D, 1983)COMENTARIO: Al amparo de la desparecida productora Orion surgió una tercera parte de Amityville aprovechando el rebufo de la serie iniciada a finales de los setenta. Casi sin quererlo se estrenó en muchos países una versión en 3 dimensiones, con el novedoso sistema de Arrivision. Hoy en día esta técnica de filmación y proyección parece algo normal; sin embargo, en los años cincuenta se iniciaría este proceso requiriendo de unas medidas especiales en cuanto al coste y a la manipulación de todo un equipo pesado y que hacía combinar dos proyectores superpuestos en su estreno en salas. Fue en aquella época en la que Richard Fleischer –también Arch Oboler, André de Toth y otros- experimentó por vez primera con el 3D con el western Arena, cuyos resultados fueron decepcionantes. Treinta años más tarde, el propio Fleischer tuvo la oportunidad de reencontrarse con este sistema tridimensional que tan bien queda en pantalla cuando esta realizado ex profeso para ello. En esta ocasión, el material de una secuela escrita por William Wales convertía la historia en algo sobrenatural, lo cual encajaba perfectamente en el encargo. Amityville 3 –aquí rebautizada como El pozo del infierno- es una continuación del film de Damiani en cuanto a que la casa de la mansión costera de Amityville sigue siendo la misma, pero con distintos propietarios. No obstante, esta apreciación evidente vistas las primeras imágenes y la presentación de la casa en primer plano conlleva, acto seguido, una estructura bien distinta en cuanto a la disposición argumental y de personajes. Es aquí donde se aprecia la mano de Fleischer, uno de los ‘maestros’ de la planificación, poniendo en el mismo plano diferentes elementos de calibre similar. In medias res aparece un primer estudio y diagnóstico de la casa, cuando en plena sesión de espiritismo en ella, se abren las luces y se descubre un fraude por parte de sus promotores. Un periodista llamado John Baxter (Tony Roberts visto en alguna cinta de Woody Allen, posteriormente) descubre este tejemaneje y lo publica. Un psiquiatra (Robert Joy, un rostro activo en los thrillers de los noventa) ayuda a la exmujer (Tess Harper) de éste a convivir con la separación, a la vez que asesora a Baxter en sus investigaciones paranormales. En este sentido, Amityville 3 es un film distinto, excelentemente planteado y planeado, sin estridencias, queriendo provocar en el espectador una suerte de sustos inocuos, que hagan avanzar la cinta sin desdén. En este sentido Fleischer declaraba:  Sin relieve o no, el film me dio la ocasión de hacer un thriller sobrenatural, no en el sentido ‘grand guignol’ de recientes films de terror, pero si con buenos elementos de suspense capaces de provocar miedo en el espectador. Satisfecho de su trabajo, del cual muchos críticos creyeron impropio de su talento, Fleischer encuentra lugar y tiempo para ejecutar lo que llamaríamos ‘golpes visuales de efecto en primerísimo plano’. Acciones preparadas para el 3D bien escogidas, desde los planos laterales de los árboles moviéndose al son del viento; las moscas revoloteando ante nuestros ojos; el cuerpo ardiendo en el interior de un coche siniestrado por una barra de metal que se incrusta literalmente en el cristal; el accidente del ascensor; el espectro surgiendo del interior del pozo, etc, … A decir verdad, todos estos efectos –excepto los de maquillaje- no los podemos apreciar –que sí intuir- en la versión en 2D; por el contrario, aquellos que tengan un proyector casero en 3D o un televisor en este formato, podrán contemplar una de las escasas cintas que durante los ochenta pudieron estrenarse en esa recuperación del 3D. Otro ejemplo sería el de Parasite (1982), de Charles Band. Eso sí, con menores efectos estereoscópicos y resultados más pobres.Ocasión única, pues, de rememorar y recordar en su justa medida uno de los filmes más curiosos de Richard Fleischer, nada desdeñable, y que cuenta con el aliciente de ver a Meg Ryan, desprovista de esas dotes innatas para la comedia juvenil; aquí como la amiga rebelde que desafía las leyes de los espíritus atrapados en la casa maldita de la población de Amityville. Àlex Aguilera

¡QUÉ VIENE VALDEZ! (1971)

¡QUÉ VIENE VALDEZ! (1971)COMENTARIO: Resulta paradójico pensar que un western al uso como ¡Qué viene Valdez! surgiera de la pluma del novelista y escritor Elmore Leonard, allá por 1969. Su faceta encaminada a la literatura negra, de suspense, no se contempla como complementaria al género del oeste, ni tan siquiera cercana a los libretos de Marcial Lafuente, Estefanía. Más allá de esta disonancia estrictamente ocasional, Leonard escribió su novela en función del carácter racial y vengativo de sus personajes. Así lo quiso ver Burt Lancaster, parte implicada en la producción del film junto a la Norlan Productions y el producer judío Ira Steiner.Siendo el declive del género del oeste una evidencia en los albores de los años setenta, el inicio de esa década contribuyó, no obstante, a albergar un buen puñado de títulos que reflejaban ese ocaso de manera más bien nostálgico, sin perder un ápice de su implicación como tal. A este tributo se sumarían títulos hoy en día apreciados como A Gunfight (El gran duelo, 1970; Lamont Johnson), o la enigmática La noche de los gigantes (1970, Robert Mulligan). En esta línea se encuentra ¡Qué viene Valdez!, una encrucijada de encuentros y desencuentros entre mexicanos y norteamericanos que apuntan a un clímax incierto.La idea inicial sería la de contar con Marlon Brandon en el papel de Bob Valdez, relegando a Burt Lancaster a interpretar al arrogante y malicioso Frank Tanner. Finalmente, y como en muchas otras ocasiones, Brando abandonó pronto el proyecto, así como, el director previsto, Sydney Pollack. Por su parte, Susan Clark, Frank Silvera y Héctor Elizondo completarían un reparto encaminado a resaltar el enfrentamiento entre un hombre de ley y unos secuaces instruidos para dar muerte a cualquiera que se oponga a los dictámenes de su capataz. A ellos se uniría un joven actor llamado Richard Jordan, posteriormente convertido en vedette televisiva gracias a su presencia en la serie Poldark. Sin embargo, la significancia del film recaería en la localización de los espacios naturales donde se desarrolla el mismo. No por casualidad, se acordó su rodaje en Almería –y también la portentosa Sierra de Gredos-, cuna del nacimiento del llamado peyorativamente spaghetti-western. Equiparar a estas alturas, el film del debutante Edwin Serin con aquellas producciones con capital transalpino, en su mayoría, no es ninguna desconsideración, más aun si damos cuenta de sus vínculos hispanos (los técnicos eran nuestros, además de tener una buena aceptación). Rememorando esos años de esplendor en tierras andaluzas, a uno le viene a la memoria un título no por menos absurdo menos inquietante: El bastardo (1969). Ese carácter vengativo está igualmente expuesto en Valdez Is Coming a partir de cuando éste se coloca la placa de sheriff y se dirige a la cabaña del supuesto desertor y asesino. La autoridad en entredicho y el remordimiento de conciencia acrecientan ese sentimiento interior cuando Valdez entierra a su víctima inocente. El comisario de Lonoria (México), mitad mexicano mitad yanqui (anteriormente, formó parte del séptimo de Caballería), se conjurará para dar caza al déspota señor Tanner -contrario a los símbolos religiosos y los predicadores- y sus hombres. Una crucifixión en toda regla y la posterior redención del mártir harán en el resto en este notable western a mitad de camino entre lo crepuscular y religioso. La copia en alta definición aquí presentada así lo corrobora. Àlex Aguilera 

VERACRUZ (VERACRUZ, 1954)

VERACRUZ (1954, VERACRUZ)COMENTARIO: Contando con prácticamente el mismo equipo técnico con el que la Compañía Lancaster-Hetcht rodó Apache en 1954, se estrenaría Vera Cruz, epopeya anclada en plena Revolución mexicana en 1866. Al operador Ernest Laszlo, al escritor James R. Webb y al montador Alan Crosland, Junior se les uniría el realizador de aquella, Robert Aldrich, toda una autoridad en retratar escenas de una violencia casi obscena, aunque a menudo estilizada; amén, del productor de nuevo cuño, James Hill (Nacida libre).A buen seguro que la contienda entre mexicanos y americanos surgidos de la finiquitada Guerra de Secesión, era un tema que por lo menos interesaba a Aldrich o cuanto menos la libertad con la que contaría para recrear la historia de Bordon Chase, explícitamente reducida a enfrentamientos entre bandos poco homogéneos, en cuanto a la parte norteamericana.El paisaje de la batalla se concibió al amparo de una pequeña novedad técnica: el empleo del SuperScope –apenas perceptible en esta más que aceptable edición en Blu-ray disc-. Además, se consiguió que los ángulos de cámara resultaran lo más realistas posibles, aunque algo extraños, por su poco convencionalismo, a los ojos del espectador.La sucesión de imágenes de comienzo nos adentran en los estertores de la Guerra Civil americana, pese a que en esta ocasión se confunde con la Revolución mexicana en pleno mandato del Emperador Maximiliano. Harold Hetcht contrató a Gary Cooper –tras autodescartarse Cary Grant por su poca afinidad con los equinos- como Star máxima de la cinta que encabezaría encarnando a Ben Trane, un tranquilo pistolero de Louisiana que acaba de perder su particular guerra contra los Norteños. Esas primeras escenas nos presentan al bando mexicano, a través de una férrea indígena que respondería –en realidad- al nombre de Sarita Montiel, en su primera incursión en el cine norteamericano de la mano de United Artists.El enfrentamiento de ideales entre dos hombres a priori antagónicos, Burt y Joe Erin (el casi siempre sonriente Burt Lancaster), desencadena una disyuntiva de consecuencias imprevisibles; más aun cuando el botín que custodian es de una suma considerable (tres millones de dólares). En ese punto, Burt  asevera que no tengo nada contra ellos, en clara referencia a sus nuevos patrones, los mexicanos apegados al régimen, e incluso a los guerrilleros revolucionarios. Una situación ambivalente que comparte Joe Erin cuando proclama que no tengo amigos, ni siquiera tú, toda vez que salva de una muerte casi segura a su nuevo partenaire, Ben. A la pregunta de si, ¿piensa intervenir en la guerra civil de este país?, el fuera de la ley Joe admite que si le pagan actuará.No queda demasiado bien reflejado en el film, el porqué de la unión inicial con los mandamases del régimen, en lugar de su asociación con el General Ramírez, a la sombra del revolucionario Benito Juárez. Ese trasfondo eminentemente político, donde la estabilidad gubernamental está puesta en tela de juicio, se muestra latente a lo largo del film, reflejando una situación de tensión dividida entre dos bandos bien diferenciados: los unos, con camisas blancas –signo de pureza- amparados en su condición de campesinos: los otros, con sus trajes y caballos de postín.A través de parajes naturales, entre ellos las ruinas Mayas, Aldrich realza en todo momento las esplendorosas vistas del territorio mexicano, en especial, los exteriores de Cuernavaca y, en cuanto a los interiores, los famosos Churubusco Estudio, lugar de peregrinaje de muchas coproducciones.Los mercenarios de Doce del patíbulo se darían cita en esta producción anterior de Aldrich, conformando un bando heterogéneo de ocho unidades, en las que sobresalen los nombres de tres de los villanos más requeridos de la época. A saber, Enest Borgnine, Jack Elam (maravillosa danza bajo los efectos etílicos, entre ambos) y Charles Bronson, aún bajo su nombre real Charles Buchinsky.En suma, Vera Cruz representa un cruce de enfrentamientos y caminos encontrados, de una época en la que cada pueblo y Estado luchaba por sus ideales y por una estabilidad que no poseían. Àlex Aguilera 

NAVIDADES NEGRAS (1974, BOB CLARK)

NAVIDADES NEGRAS (BLACK CHRISTMAS, 1974)COMENTARIO: Hora era de qué pudiéramos descubrir con nuestros propios ojos el primer slasher concebido para la gran pantalla. De todos cuantos han tenido estreno en nuestro país –en diferentes formatos-, nos faltaba de forma incomprensible este Black Christmas rodado en Canadá en 1974. Lejos de ser un film peregrino, puesto que la cinematografía canadiense gozaba por aquellos tiempos de un valor añadido en cuanto a su facturación, Black Christmas supuso un antes y un después para con el cine de psicópatas asesinos o Psycho-killers –palabra compuesta que hemos aceptado como nuestra-, gracias a la perspicacia de un realizador que forma parte tristemente del obituario del séptimo arte: Bob Clark. A muchos le sonará su nombre al relacionarlo con Porky’s (1982) y su indefinida saga; comedias de regusto decreciente que ejemplificaron un estilo de vida universitario de forma un tanto burda, pero en ciertas tomas, graciosa, sin más. Aquella cinta protagonizada por Kim Cratall pasó a la posteridad, mejor dicho al imaginario popular de aquella generación, no así esta Black Christmas, superior en todos los aspectos.Antes de hablar de este film en su sentido técnico, decir que su responsable Clark lo fue en tareas de producción ese mismo año de Deranged (1974), otro título maldito a imagen y semejanza de La matanza de Texas, que ha ido revalorizándose con el paso del tiempo. En lo que concierne a Navidades negras, valorar su aportación al género, su irrupción como film de misterio, asesinatos múltiples incluidos, a modo del Bahía de sangre (1971, Mario Bava) perteneciente al consolidado giallo italiano. Si bien, las diferencias entre ambas son constatables, no siendo ni mucho menos un apócrifo de aquella, salvo en la secuencia dilatada de muertes. Clark conocía a la perfección los resortes del género, no en vano había dirigido dos títulos de distinta concepción argumental, Deathdream y Children Shouldn’t Play with Dead Things, que lo conducirían hacia este título mucho más trabajado a todos los niveles, incluso en el de guión, en el cual no estuvo acreditado, aunque si participó junto a Roy Moore. La base del mismo, el de una hermandad de mujeres acechadas –en primera instancia, vía telefónica, prefigurando el Llama un extraño (1989, Fred Walton)- por un asesino al cual no se le ve el rostro en ningún momento, supuso un desafío para Clark, quien solventó con profesionalidad la práctica totalidad de las tomas. En especial, el aporte de la cámara subjetiva siguiendo los devaneos del asesino, vinculada a los preliminares de La noche de Halloween (1978, John Carpenter), está resuelta de forma magistral, sin ambages, dando rienda suelta a la locura que se deriva del personaje desconocido. Otras caras conocidas como las de Margot Kidder (anteriormente descubierta en Hermanas, y futura novia de Clark Kent en Superman, posteriormente caída en desgracia), una espléndida Olivia Hussey en el rol de la sorprendida Bless, o el sempiterno hombre de la ley, John Saxon, como el corrosivo Teniente Fuller –se ríe incluso de sus propios compañeros de trabajo-, así como, el desaprovechado Keir Dullea, por siempre vinculado a la odisea espacial de Kubrick, acreditan esta certera obra de suspense.A pesar de su falso final, atribuible por error al subgénero de ‘casas encantadas’, la brillantez se cierne sobre todo en esa parte última, donde los espacios cerrados del sótano aparecen recorridos al mismo tiempo por víctima y verdugo. A resaltar, el asesinato de Barbara (Margot Kidder) que evoca el contrapicado de Leatherface en La matanza de Texas, en contraplano con los cánticos navideños de un grupo de niños a las puertas de la residencia; y esa silueta agrandada por los cristales y la luz artificial externa, en búsqueda de su última víctima.Conocería en 2006, un remake de título homónimo, dirigido por Greg Morgan, el mismo que hiciera lo propio con Willard (La revolución de las ratas, 1971). Àlex Aguilera

OCURRIÓ CERCA DE SU CASA (1992)

OCURRIÓ CERCA DE SU CASA (C’EST ARRIVÉ PRÈS DE CHEZ VOUS, 1992)COMENTARIO: Hijos putativos de André Delvaux, Marion Hansel y Chantal Akerman –recientemente traspasada-, los jóvenes por aquel entonces –en plenas Olimpiadas barcelonesas-, Rémy Belvaux, André Bronzel y Benoît Poelvoorde, acometieron una de las piezas más extrañas y transgresoras del llamado falso documental con C’est arrivé près de chez vous, traducida literalmente como Ocurrió cerca de su casa. Diáfana y comprometedora cinta de origen belga, que hurga sobre la desafección de la sociedad para con sus conciudadanos, en clave netamente de crítica brutal. De esta forma, el trío invocado en segundo término, responde a una situación de extrema violencia con las mismas armas que genera la propia situación personal, la de un desequilibrado a quienes sus vecinos y familiares no conocen su verdadero estado de ánimo ni sus aficiones más encarnizadas con el mal. Un retrato realizado en primera persona a través de un equipo de televisión amateur –como lo es el film, aunque en momentos no lo aparente- que filma las vejaciones y los asesinatos cometidos por su protagonista (Benoît Poelvoorde, todo un (auto)descubrimiento), con luz y taquígrafos, sin condescendencia ninguna. Lo que ratifica el otorgamiento de varios premios o menciones especiales en los Festivales en los que se presentó –entre ellos, Sitges, alzándose con el primer premio-, es más su escenificación, su planteamiento alejado de los estereotipos del Serial Killer y su punto de vista neutral o distorsionado.En Ocurrió cerca de su casa las alocuciones surgen del propio asesino, intentando incluso dar una explicación empírica al resultado de sus crímenes. Disposiciones que se encuentran entre lo macabro y lo elemental, con un grado de sinceridad que acaban en declararse en el espectador una cierta empatía con el psicópata conocido desde los primeros planos. Por cierto, la cinta belga despliega con toda su esencia aquello que se llamó en denominador a partir de Al final de la escapada (1959), como el Cinema verité, aquel cine a partir del cual la realidad superaba la ficción. Aquí el trío de personajes, dos de ellos haciendo las veces de operador de sonido y cámara, se mofan directamente de esa corriente nacida en el país vecino, Francia, en una secuencia que precede a un final sorpresivo.En varias ocasiones se ha querido mostrar a C’est arrivé … como una respuesta tácita al Henry, retrato de un asesino (1986, John McNaughton), también premiada en Sitges, sin reparar en un detalle importante; el film norteamericano basaba su relato en la relación familiar desestructurada que habilita al Psycho-Killer precedido de un trastorno y retraso mental. Aquí, Belvaux –el creador de la idea original- desata su ira hacia una manera de entender una comunidad poblada de desperfectos estructurales, construcciones fallidas y yermas, falta de oportunidades –extrapolable al extrarradio de Bruselas o el Molebek musulmán actual-, que acaba girándose en su contra. En este aspecto, Polveroode encarna a un simple trabajador autónomo, promiscuo, homófobo y juerguista, a quien gusta ser el centro de atención, alejándose de esta forma de la timidez reinante en los Psycho-killers redimidos del pasado.Un soplo de aire nuevo llegaría ese año -1992- desde el país belga, como también lo haría un par de años después Justino, un asesino de la tercera edad en tierra hispana y castiza. Un ejemplo de naturalidad que envolvió por un espacio corto de tiempo a estas cintas en blanco y negro –con contrastado granulado- de marcada falta de pretensiones –cámara en mano, en el caso que nos atañe- pero que calaron en el espectador más receptivo. Eso sí, sin manipular ni engañar al espectador como lo hiciera a finales de siglo, la insufrible El proyecto de la bruja de Blair (1999).Àlex Aguilera

LARGO FIN DE SEMANA (1977, COLIN EGGLESTON)

LARGO FIN DE SEMANA (LONG WEEKEND, 1977) COMENTARIO: Creía que sería interesante pensar en lo que ocurriría si la Naturaleza se revelara. La razón de ser de este propósito manifestado por Everett de Roche, guionista de largo recorrido en la cinematografía ossie ya desde temprana edad –los veintidós años- viene a demostrarnos que la Naturaleza no es inmune al papel del hombre como queda reflejado en Long Weekend. Hay que hablar, eso sí, en clave de alegoría para con una película que reveló ese estado latente de la madre Naturaleza ante las imperfecciones que provoca el ser humano. Existe algo subyacente en la cinta rodada en Nueva Gales del Sur que desemboca en una transformación, la que atrapa a una pareja a punto de divorciarse en producto de desecho, en un sobrante que genera el propio hábitat natural. Existen varias lecturas acerca de una película que sorprendiera el año de su estreno, en 1978, inclusive a los asistentes –medios especialmente- del Festival de Cine de Terror de Sitges, alzándose con el Premio de la Crítica. La primera de esas lecturas, es su carácter de defensora de un medio inquebrantable, con sus propios códigos de comportamiento, que no tolera en última instancia la intrusión de especies invasoras –el hombre- y que guarda en su memoria colectiva las atrocidades que cometen sobre ella. El atropellamiento de un canguro –símbolo nativo por excelencia de Australia-; la ejecución de una araña; la inanición de una ballena fuera del agua; o la brutalidad cometida sobre distintas especies autóctonas de un bosque que aparenta una cárcel rural sin límites marcados, son elementos suficientes como para suponer que la pareja protagonista (Mannie y su marido) acabe rendida ante tan descomunal y triste final.A las antípodas de otras propuestas del género, Largo fin de semana es un periplo que acompaña a los jóvenes partenaires a luchar contra sus propios miedos, sus dudas, sus conflictos internos y su propia existencia, dejando paso libre a decisiones que condicionan el comportamiento de cada uno de ellos y, a la vez, perjudican a ambos. Sintomática es, pues, la escena en la que John Hardgraves disuade de morir ahogada a su compañera de fatigas. En otra ocasión, ella le devuelve el favor casi sin quererlo. Es cierto, entonces, que Long Weekend profundiza tanto en las relaciones humanas como en la interconexión entre todo el entramado vivo (animales, plantas, árboles, …) que puebla las zonas boscosas de Australia, conformando así, una red que interactúa y señala al enemigo. En este punto, la única película que puede emparentarse a este ideario de Naturaleza revelándose, es amén de El viento –en sus distintas versiones-, Sucesos en la IV Fase (1973, Saul Bass), dando cuenta de una especie superior a la nuestra, en cuanto a su comunicación y laboriosidad: las hormigas. Habida cuenta de que Long Weekend bebe de la cinematografía australiana como fuente de recursos en cuanto a paisajística se refiere, cabe convenir de que se trata de una propuesta honesta, distinta, algo inverosímil en su resolución media, pero que contiene suficientes elementos como para considerarla todo un referente del Cinema fantaustraliano. La animalización del hombre de ciudad queda reflejada en las palabras de su protagonista masculino, cuando advierte a su todavía mujer de lo primitivo de sus comportamientos. Una confusión con el propio medio en el que acaban perdiéndose y, finalmente, sucumbiendo, literalmente. Su director, Colin Eggleston, autor de series televisivas como Division IV y Matlock Police –donde coincidiría con el propio De Roche- nunca llegó tan alto como con esta cinta ‘ecológica’, firmando trabajos tan planos como Outlack Vampires o la olvidada para un servidor, Cassandra (1987). Àlex Aguilera

AMITYVILLE II: LA POSESIÓN (1982)

AMITYVILLE II: LA POSESIÓN (1982, DAMIANO DAMIANI)

COMENTARIO: Cuando el profesor Ángel Gómez Rivero hablaba de la tipología A, referida a las casas encantadas vivas como casas diabólicas que sobreviven merced a ellas mismas. Da igual que contengan fantasmas. Cuando éstos desaparecen, la vivienda ha de seguir siendo maldita reclamando nuevas víctimas que la alimenten. Es el tipo de vivienda más peligroso y menos abundante. Poco o mucho dirigía su pensamiento en Amityville. Caserón colonial surgido de los recortes de periódico de los años setenta y que acabaría siendo un libro de éxito difuso –en nuestro país apenas es conocido-, Murders in Amityville, merced a los acontecimientos brutales que allí se cometieron.

En algún lugar recóndito de ese testimonio escrito tendría su génesis un film inspirado a su vez en una primera novela, El terror vuelve a Amytiville, de Jay Anson; esta vez sí, con un éxito que lo acercaría al best-seller. He aquí una pequeña confusión al respecto que suele trastocar al más pintado de los mortales: ¿cómo una segunda parte puede no parecerlo en su orden justo?

La respuesta está en la misma producción. Si Terror en Amityville, rodada y estrenada en 1979 era una fiel adaptación del libro de Anson; la posterior Amityville II: La posesión lo sería a su vez del libro anterior de Hans Holzer, La casa endemoniada. Por tanto, se trataba en realidad de una precuela ad hoc. Cambiando a la familia de origen trasalpino De Feo por los Montelli, Amityville II precede en el tiempo, pues, en 1974, a la matanza indiscriminada de aquella otra familia.

En verdad, pudiera parecer la misma historia, pero aquí, Dino de Laurentiis a la cabeza, quiso dotar a su film de elementos que no convergían en esa primera aproximación a la ‘casa encantada’ por excelencia del cine norteamericano de esa década. Para ello, se rodeó de técnicos de procedencia italiana, conocedor de que su proyecto llevaría aún con mayor fuste su inconfundible sello. Damiano Damiani al frente como realizador experimentado (films políticos como Yo soy la revolución o flirteando con el fantástico Las diabólicas del amor); Franco diGiacomo, como operador;  y, en labores, no acreditadas, como guionista el avezado Dardano Sachetti, serían la punta de lanza de ese equipo al abrigo del influyente producer.

Lo que denota un sentido fantasmagórico a la cinta no es su sentido del susto fácil con clichés y estereotipos, sino su consideración en no mostrar aquello que la gente quería ver en pantalla. Por tanto, se eligió el camino de lo subliminal, lo intangible, lo subyacente. Eso sí, en una primera parte, de una puesta en escena incluso superior a la primera entrega de la serie.

Sandor Stern, guionista de ésta no tenía la misma visión que Tommy Lee Wallace, nombre propio del fantástico ligado a Carpenter y a trabajos en solitario (Halloween 3), recabado por De Laurentiis para pulir un guión repleto de recovecos y situaciones difíciles de resolver. En este aspecto, Amityville II: The Possession mantiene su pulso en todo instante, desde la llegada escalonada de los Montelli a la recién adquirida casa con ventanas que parecen ojos al acecho, hasta la posesión del hijo de la familia y de otro miembro de su entorno. Pero, ¿qué es lo que hace realmente diferente a ambas cintas? A decir verdad, todo y nada. La estructura se mueve a diferentes escalas, puesto que en Amityville II ocurren más cosas, se muestran en mayor medida (pínceles sobreimpresionando blasfemias, objetos volando estilo Poltergeist, crucifijos cubiertos por una sábana blanca, …) sin tener que aparentar una normalidad relativa. En este aspecto, resulta mucho más valiente y convincente que esa segunda historia paralela. Lo que sí escuchamos de fondo en las dos es la partitura del argentino Lalo Schifrin, un prodigio de creador de atmósferas sonoras que dio en la clave en ambas, ayudando al espectador a entrar en situación.

En ese estado de excitación que provocan las corrientes provenientes del sótano profanado –curiosamente, idéntica explicación que los fenómenos paranormales escritos por Steven Spielberg en la citada Poltergeist de ese mismo año 1982- por un antiguo cementerio indio, Damiani infunde un valor de intensidad quizá excesivo en una segunda parte de la cinta que acaba en la evidente posesión demoníaca descubierta ya en el subtítulo del film. Si bien, toda ella es ejecutada en un proceso lento pero sincopado en la piel del ejecutor de su propia familia, Sonny. La transformación que sufre el enfermizo e incestuoso (la relación con su hermana es más que evidente) adolescente convertido en la encarnación de un ser abominable y demoníaco merece un reconocimiento en la persona del también italoamericano John Gaglione, Jr. y su equipo, incluso al mismo nivel que el ejecutado por Rick Baker en Un hombre-lobo americano en Londres.

Por último, apuntar que esta versión –íntegra- que tenemos la ocasión de disfrutar más allá de prejuicios varios, en inglés –en su lengua original- contiene todo el memorándum de escenas en una calidad superior, con sus tráilers correspondientes de la época –tanto en italiano como en inglés-. Hay que tener en cuenta que Amityville II nunca se estrenó en salas en nuestro pañis, únicamente la conocemos de su edición videográfica, de algún lejano pase televisivo y, los más afortunadas, de su proyección en 1983 en el Imagfic madrileño.

Mención especial para tres actores de carreras distintas. El primero, el sacerdote que topa con la Iglesia, James Olson, visto en La amenaza de Andrómeda; el segundo Burt Young, secundario de lujo que encarna al padre irascible de la familia Montelli; y, finalmente, Rutanya Alda, un descubrimiento que cayó pronto en el olvido, como la madre abnegada que recuerda a la Vera Farmiga de Expediente Warren, todo un homenaje a esa serie que declinó a partir de la cuarta entrega. Sin olvidar a los característicos Moses Gunn y Andrew Prine en roles más discretos. Es por ello, que nos hemos centrado en los dos mejores filmes de la longeva saga.

Àlex Aguilera

Análisis: SIMBAD, EL REY DE LOS MARES (de Enzo G. Castellari, 1989) Por Alberto Carpintero

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Título original Sinbad of the Seven Seas - Año 1989 - 93 min. - Estados Unidos - Director Enzo G. Castellari - Guión Tito Carpi, Enzo G. Castellari, Ian Danby (Historia: Luigi Cozzi) - Música Dov Seltzer - Fotografía Blasco Giurato - Reparto Lou Ferrigno, John Steiner, Roland Wybenga, Ennio Girolami, Hal Yamanouchi, Ted Rusoff - Productora Coproducción EEUU-Italia; Cannon Films - Género Fantástico - Aventuras Distribuidora: Resen Comentario película:Simbad y sus acólitos visitarán varias islas para encontrar unas gemas mágicas que salvarán la ciudad de Basora y liberarán a la princesa Alina del hechizo del malvado Jaffar.

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Tras realizar las dos películas de Hércules para la Cannon, Luigi Cozzi preparó una historia sobre Simbad, pero por diferentes causas no se acabo de realizar. El proyecto pasó a ser una miniserie de unas seis horas de duración, pero el mando cambio de Cozzi a Enzo G. Castellari, quien reescribió el guión junto a Tito Carpi. El que no cambió fue su protagonista original, el hercúleo Lou Ferrigno. Por falta de presupuesto no se llegó a acabar el asunto y, años después, a espaldas de Castellari, y de nuevo con Cozzi en la dirección, alegando adaptar a Poe y su relato “El cuento mil y dos de Scherezade” y añadiendo un prólogo a lo “princesa prometida”, donde una madre lee a su hija un relato, por fin se dio término a la película que hoy podemos visionar. Con todo este preámbulo, imagínense el resultado. Una deslavazada historia, infantiloide y por momentos aburrida, repleta de voz en off innecesaria, pero con grandes escenas de acción made in Castellari, repletas de brillantes cámaras lentas, personajes divertidos de tan estridentes, efectos especiales de “chichinabo” —que son los que queremos ver en estas películas— y hasta un enfrentamiento de Ferrigno contra sí mismo, que solo se podría definir como “colosal”. Una rareza en toda regla, vamos. Qué mejor ocasión para descubrir esta extraña cinta de aventuras que en su versión restaurada, en alta definición.

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Valoración BD:Imagen: El apartado visual de esta edición es fantástico. No creo que podamos ver esta película en mejores condiciones. Los primeros planos de la cinta son los que más lucen, como suele ser habitual. Al ser producto de su época, los ochenta, el abuso de los filtros de cámara es habitual y muchos de los planos poseen un halo blanquecino que rebaja el nivel de definición, pero es intencionado, no es un error de restauración. Por otro lado, da verdadero placer contemplar efectos baratos en tan alta calidad y las mentadas cámaras lentas tan habituales en el cine de Castellari —como el momento de Ferrigno corriendo perseguido por unos caballos fantasmales— son un espectáculo inmejorable.Se presenta en un bluray prensado, con su formato de imagen original: 1:85:1.Sonido: La cinta podemos verla en español y en inglés con la opción de subtítulos en castellano. La película no se grabó con sonido directo por lo que el audio original, al igual que ocurre en los spaguetti western, en cada país es diferente. De todas formas, la pista en inglés tiene un poco más de calidad.Extras: –Trailer cinematográficosinbad_of_the_seven_seas2-Valoración película: 5-Valoración bluray: 7 

Análisis: SECUESTRADORES DE CUERPOS (Abel Ferrara 1993) por Alberto Carpintero

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Título original- Body Snatchers - Año 1993 - 87 min. - Estados Unidos - Director Abel Ferrara - Guión Nicholas St. John, Dennis Paoli, Stuart Gordon (Novela: Jack Finney) - Música Joe Delia - Fotografía Bojan Bazelli - Reparto Gabrielle Anwar, Terry Kinney, Billy Wirth, Christine Elise, Meg Tilly, Forest Whitaker, Reilly Murphy, R. Lee Ermey, Kathleen Doyle, G. Elvis Phillips, Tonea Stewart - Productora Dorset Productions / Robert H. Solo Productions / Warner Bros. - Género Ciencia ficción - Distribuidora: ResenComentario película:

En una base militar de Alabama están ocurriendo extraños sucesos. Un biólogo que trabaja para el ejército está pasando unos días con su familia en el campamento, para analizar unas aguas residuales de la zona. La hija adolescente y su hermano pequeño empiezan a percatarse de que algo raro ocurre. La gente no se comporta de un modo normal.

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Lo más curioso de esta nueva adaptación de los ultracuerpos de Jack Finney es que ahora es mucho más difícil distinguir si una persona sigue siendo humana o no, pues en el ejército bien es sabido que se imparte una estricta educación alienada. Si un soldado común anda erguido, serio y responde con frases cortas y directas, sin ápice de emoción, un ultracuerpo no es menos. En una situación así, ¿en quién puedes confiar? Si incluso tu madre, no es tu madre, si no una madrastra, a la que realmente nunca has querido igual que a tu verdadera madre. Cuando el pequeño Andy dice —no es mi madre, mi madre está muerta— no miente, pero la realidad es que se refiere a que la ha visto deshacerse y aparecer como una nueva madre, recién hecha pero, ¿quién va a creerle? Sin duda las posibilidades de un argumento así son enormes. La pena es que tanto los guionistas, como su director, como supongo, principalmente, la Warner no supieron exprimir tan buen planteamiento o no les interesaba.El dato principal es que la película inicialmente iba a ser el nuevo proyecto de un prometedor director llamado Stuart Gordon, que había fascinado con su genial “lovecraftiana” Re-Animator (1985). Gordon elaboró un guión junto a su habitual Dennis Paoli y basado en un historia o guión previo del inefable —a pocos directores/guionistas le pega tan bien ese adjetivo— Larry Cohen, que a su vez adapta la famosa novela —inicialmente serial de revista— de Jack Finney, ya llevada al cine anteriormente en dos ocasiones; la obra maestra de Don Siegel, La invasión de los ladrones de cuerpos (1956) y la oscura y turbadora La invasión de los ultracuerpos (Philip Kaufman, 1978). Gordon por fin no hizo la película, por decisión de la Warner, y se incorporó Abel Ferrara, creador atormentado, polémico y antisistema, que supongo aceptó la oferta por razones puramente económicas. Ferrara añadió a su equipo al guionista de casi todas sus obras, Nicholas St. John. Y ya se sabe que un proyecto que tocan tantas manos no puede salir demasiado bien, salvo honrosas excepciones como Lo que el viento se llevó (1939), que tuvo varios directores y pese a todo es una obra maestra.Estamos ante una película fallida pero con mucho interés. Pese a su desarrollo lento y un tanto impersonal, hay varios momentos muy buenos de pura atmósfera de terror y los FX son excepcionales. La dirección de Ferrara es correcta, pero no brillante, como en otras ocasiones, aunque en ciertas escenas nos regala algún plano aberrante o movimiento de cámara, a la altura de su talento.

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Como dato curioso, la película costó 13 millones y solamente recaudó medio millón, porque la Warner apostó más por el mercado de vídeo, debido a su flojo recibimiento en Cannes.Se edita en dvd por primera vez en España.Valoración DVD:Imagen: El dvd viene en su formato correcto, 2:35:1. Es un disco prensado y, para no ser HD, tiene buena calidad. Destaca la gran fotografía de la cinta, con predominancia por el color naranja y las noches frías, con tonos azulados. Pese a ser principalmente una cinta oscura, no hay problema de entendimiento y visualización, como ocurre con otras películas.Sonido: Existe la opción de ver la película en su versión original (inglés) y en castellano. Las dos pistas tienen buena calidad pero la inglesa es un poco más nítida. Vienen subtítulos en castellano.Extras: No posee ningún contenido extra.-Valoración película: 6-Valoración dvd: 7 

Análisis: AUTOPISTA AL INFIERNO. Por Alberto Carpintero

Título original Highway to Hell - Año 1991 - 94 min. - EEUU -Director: Ate de Jong  - Guión: Brian Helgeland - Música: Hidden Faces-Fotografía: Robin Vidgeon -Reparto: Patrick BerginAdam StorkeChad LoweKristy SwansonPamela GidleyJarrett LennonC.J. GrahamRichard FarnsworthGilbert GottfriedBen StillerJerry StillerMichael Della Femina -Productora: Goodman / Rosen Productions -Género: Terror - Road Movie Distribuidora: Resen Autopistaalinfiernofotoblog

Comentario película:

Un chico y una chica se dirigen a Las Vegas para casarse. Se han escapado de casa y para no ser detenidos por la policía deciden tomar carreteras secundarias, en vez de la autopista. Una vez allí son parados igualmente por un coche patrulla, pero de su interior no sale un agente normal, sino una especie de ser del inframundo, que les arranca la puerta del coche y se lleva a la chica. A partir de ese momento, el chico tendrá que hacer un viaje a los infiernos para rescatar a su amada.

Con un argumento basado en el mito de Orfeo, el director holandés Ate de Jong y especialmente el escritor Brian Helgeland nos sumergen en una odisea repleta de horror y fantasía, toda envuelta en un humor naïf. En esta atípica road-movie brilla sobre todo la parte visual, repleta de escenarios fantásticos y seres monstruosos, hecho con un cuidado extremo.

Brian Helgeland es uno de los guionistas americanos más importantes de los últimos años, autor de clásicos modernos como Pesadilla en Elm Street 4 (Renny Harlin, 1988), Mystic River (Clint Eastwood, 2003) o L.A. Confidential (Curtis Hanson, 1997); está última le dio el Oscar al adaptar la compleja novela de James Ellroy. Cuando escribió el guión de la que nos ocupa, ya era su tercera obra que iba a ser realizada y decidió también ejercer de productor, para controlar el resultado final. Como en casi todas sus creaciones el contenido religioso y mitológico era muy grande y pese a estar envuelta en humor absurdo y grotesco, la simbología es constante.

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Aparte del curioso guión, lo que más destaca, como ya hemos comentado, es todo el diseño de arte, de producción y efectos, tanto visuales como, sobre todo, físicos. Se nota un gran cuidado, hasta el más mínimo detalle, con su máxima en las esposas-zombi y en la cabeza tatuada a sangre del “sargento”, personaje que podría poblar las peores pesadillas, villano ya clave en el imaginario fantástico. Como curiosidad, las esposas formadas por dos manos zombi, con vida propia, inspirada en la mano andante de la familia Adams, fueron todo un esfuerzo de ejecución, llegando a crearse casi una docena de ejemplares diferentes, una para cada tipo de escena.

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Aparte del curioso guión, lo que más destaca, como ya hemos comentado, es todo el diseño de arte, de producción y efectos, tanto visuales como, sobre todo, físicos. Se nota un gran cuidado, hasta el más mínimo detalle, con su máxima en las esposas-zombi y en la cabeza tatuada a sangre del “sargento”, personaje que podría poblar las peores pesadillas, villano ya clave en el imaginario fantástico. Como curiosidad, las esposas formadas por dos manos zombi, con vida propia, inspirada en la mano andante de la familia Adams, fueron todo un esfuerzo de ejecución, llegando a crearse casi una docena de ejemplares diferentes, una para cada tipo de escena.

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Un dato muy curioso es la aparición de Ben Stiller, cuando aún no era famoso, interpretando dos papeles delirantes en los que, según cuenta el director Ate, improvisó la mayor parte. Junto a él aparecen sus padres, Jerry Stiller, conocido por interpretar al padre de George Costanza en la enorme serie Senfield, y Anne Meara, muy divertida haciendo de una peculiar Medea, regentando el alocado dinner de carretera, donde policías mutantes toman su café con donuts.

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La película, inspirada levemente en ciertos aspectos de la obra literaria de Clive Barker, resulta un entretenido viaje por un infierno desértico, con aire de Mad Max, que no tuvo mucho éxito en su día pero que hoy está considerada una cinta de culto para los fans del fantástico.

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Con esta edición en bluray no solo se saciará la necesidad de completismo de los coleccionistas, también conectará con la gente de nuevas generaciones o de viejas que no pudieron disfrutarla en su día, debido a su poca difusión, los cuales descubrirán una pequeña joya, con mucha más imaginación que la mayor parte del cine actual.

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Valoración BD:

Imagen: La imagen de este bluray se presenta en su relación de aspecto original, 1:85. En cuanto a la calidad es excelente. Presenta un alto nivel de colorido y limpieza. Tan solo en algunos planos repletos de efectos visuales se nota algo de grano, pero nada molesto, pues es grano natural del celuloide. Hay otros momentos que se pierde un poco de definición debido a ciertos efectos, que contienen difuminados. Esto se nota en algún plano general con matte painting (efecto pintado).

Sonido: Se incluyen dos doblajes en castellano. El doblaje original con la que se estrenó en España y un redoblaje, que mejora la sonoridad del conjunto pero que es más impersonal. También viene el audio original inglés y posee una mayor calidad que las otras dos pistas. Aunque precisamente no es el sonido lo que más destaque en esta cinta. Luce más el apartado visual.

El que decida ver la película en versión original puede hacerlo con subtítulos en español.

Extras:

  • Trailer cinematográfico: Con una duración de 2'15'', se presenta el trailer original en inglés, que muestra las mejores imágenes del film. No viene subtitulado.

  • Galería de imágenes: (2'43'') Fotos del rodaje y de la multitud de personajes deformes secundarios, que pasan fugazmente por la cinta. Es una ocasión estupenda para fijarse bien, ya que durante el visionado de la película no da tiempo a valorar el extrema minuciosidad puesta en cada detalle. Contemplaremos extraños personajes como el policía con unas esposas en la nariz, el predicador con los ojos cosidos o lo bien realizada que está la cabeza del “sargento”, repleta de mensajes bíblicos.

  • Entrevista con el creador de efectos Steve Johnson: (10'29'') Titulado originalmente “Steve Johnson goes to Hell”, esta entrevista al maestro de FX, autor de los efectos de Golpe en la Pequeña China (1986) o Cazafantasmas (1984), es de lo más interesante. Nos cuenta los problemas que tuvo de conseguir trabajo por esa época y cómo entró a trabajar en esta curiosa producción gracias a Randall William Cook, ganador de tres Oscars por la trilogía de El señor de los anillos. Steve nos habla de la inspiración que tuvieron viendo las terribles imágenes de campos de concentración nazis y la influencia de los Libros de sangre de Clive Barker. Cuenta también anécdotas simpáticas y peculiares del rodaje, como la percepción que tuvo de Ben Stiller, al que tenía por un cretino sin talento, que no llegaría a nada. Esto lo recuerda con humor al ver lo equivocado que estaba.

  • Audiocomentario del director: El director de la cinta Ate de Jong con un tono templado nos va comentando la película con multitud de anécdotas. Nos cuenta lo difícil que fue la realización de la cinta, incluyendo los roces que tuvo con la productora. Para él resulta estimulante ver la película después de muchos años sin hacerlo. Es un extra muy interesante y viene subtitulado en español.

Valoración película: 7 - Valoración bluray: 9 

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Análisis: Aquella Casa Al Lado Del Cementerio

Mezcla de horror, terror y suspense, Aquella Casa Al Lado Del Cementerio es uno de los films más famosos de Lucio Fulci, consagrado director de cine Giallio que falleció en 1996. Aunque dentro de su carrera toco varios géneros del cine, el que más fama le dio fue el de terror.En España, ya se encuentra disponible la edición en Blu Ray de los chicos de Resen (Research Entertaiment) con una cuidada edición carente de extras pero con buena calidad de imagen y sonido.3038892Presentada en un Blu Ray prensado, algo que muchos usuarios reclamaban a esta distribuidora, el film de Lucio viene con idiomas en Inglés y Castellano, sin incluir la pista de doblaje en italiano. El sonido es un estéreo básico, sonando un poco enlatado en la pista castellana. La pista en inglés es superior.housebluray1_originalLos subtítulos en castellano cuadran perfectamente con las conversaciones en pantalla. Al tratarse de la versión integra no estrenada en España, algunas escenas solo están disponibles en inglés con subtítulos automáticos en castellano. Un detalle por parte de la distribuidora.housebluray6_originalLa calidad de imagen es asombrosa, tratándose de un film que tiene casi 36 años. Aunque se aprecia un pequeño grano en algunas escenas, como bien hemos comentado, la calidad de imagen es bastante correcta. Un diez para la distribuidora.El color rojo, que tanto veremos resaltar en las escenas sangrientas del film (muchas) se ve con una calidad abrumadora. Cabe reseñar que cuando la imagen es clara, los colores son óptimos, para la antigüedad del film, aunque las escenas oscuras no se ven con buena calidad.House-by-the-Cemetery-Blu-Ray-9-1170x429En lo que escasea este Blu Ray es en los extras, ya que no se incluye absolutamente nada de nada. Ni siquiera una caratula reversible, o algún tipo de libreto que amplié la información de este film de 1981.Una curiosidad es que en la contraportada del Blu Ray se indica que incluye audio en italiano, cuando dentro del menú del mismo solo vienen incluidas las pistas en inglés y castellano, son subtítulos en castellano y portugues. Desde Resen nos han comentado que futuras ediciones si incluirán el idioma italiano ya que han tenido problemas con esta ediciónSin títuloNorman Boyle, un académico y padre de familia que reside en Nueva York, es asignado para investigar el extraño suicidio de un científico, compañero suyo, llamado Dr. Peterson. Lo único que Norman sabe es que Peterson se trasladó a un viejo caserón de Nueva Inglaterra junto a su amante, para investigar a su antiguo dueño, un tal Dr. Freudstein, y que al final, Peterson mató a su amante y acabó ahorcándose. (FILMAFFINITY) .user2317_pic3920_1408110283Muchos son los aficionados que llevamos años intentando ponernos en contacto con las distribuidoras para recuperar ese cine de la época 70-80-90 que tanto nos gusto y que hoy en día se encuentran desaparecidas. Se agradece a Resen el lanzamiento a buen precio de esta clase de cine.Esta entrada fue originalmente publicada en la web INAJAYAA con la que Resen colabora activamente.

Abraham Lincoln (1930, Abraham Lincoln). Dtor.: David Ward Griffith

Existen una serie de convencionalismos acerca de la figura de Abraham Lincoln que difícilmente no hubiesen trascendido a lo largo de los años a no ser de la dedicación que el cine le ha conferido, con mayor o menor acierto. En este orden de cosas, la primera aproximación seria al decimocuarto Presidente de los Estados Unidos de América llegaría de la mano de David Wark Griffith, en su única irrupción en el sonoro. Abraham Lincoln representa aún hoy en día la obra de un gigante de la industria de Hollywood. Todos los valores que unánimemente infundió Lincoln en su trayectoria como ‘hombre de paz’ se ven reflejados en este pedazo de la historia estadounidense de un periodo que abarcó más de cincuenta años. Más allá de ser un panegírico fidedigno de la vida y muerte de un galvanizador de multitudes, Abe se coronó como la persona que selló la abolición de la esclavitud en el siglo XIX, en la llamada quinta enmienda, premisa a partir de la cual Steven Spielberg abordó su celebrada aunque algo tediosa Lincoln (2012).Con pocos elementos a su favor, quizá el plano actoral encabezado por un emergente Walter Huston –padre de John Huston- sobresalía sobre el resto de participantes en el proyecto, Abraham Lincoln constituye un retrato laborioso y bien ejecutado de la longeva trayectoria de la persona pública y, antes que nada, el hombre que hay detrás de ella.Desde el nacimiento prematuro y premonitorio de Abraham –nombre bíblico por antonomasia- en el seno de una familia extremadamente pobre –la madre muere en el parto al carecer de medios para subsistir-, hasta su muerte a manos de un actor y activista político, la cámara –casi siempre fija, combinando primeros planos y planos americanos- de Griffith concentra todas y cada una de las épocas de las vicisitudes relevantes vividas por Lincoln. Cada episodio está marcado con un tempo determinado, no dejando nada al azar, hilvanando de manera gradual su carrera profesional. De este modo, veremos como un simple granjero pasa a convertirse en un hombre de leyes, con unos escasos planos, esquemáticos pero suficientemente explicativos. Del enfrentamiento –político- entre Abe y Douglas sirven apenas unas simples pinceladas para conocer los puntos fuertes y débiles de ambos.No obstante, el estandarte de Lincoln siempre fue, como ya hemos apuntado,’ la esclavitud en ningún Estado’, siendo, asimismo, contrario a la secesión de un país dividido entre dos frentes, el Sur y el Norte. La unión siempre se convirtió en una obsesión para el dirigente; algo que retrata Griffith con suma elegancia y con diálogos adecuados. En el apartado privado y personal, Lincoln siempre vivió sumido en la tristeza interior tras el fallecimiento de su prometida, Anne –memorable la escena en la que resta en la cama implorando a su futuro marido-. Años más tarde, esa melancolía se tradujo en bienestar al conocer a la que fuera su profesora y posterior esposa, Ann Rutledge (Una Merkel). El trasfondo que lo convirtió de abogado rural, con una casi nula asistencia escolar de tan solo tres meses, hasta verse aupado a lo más alto –no por su estatura y sombrero de copa característico-, solo sería factible si su carácter afable y hogareño así lo atestiguaran. Fracasado a los cincuenta, como el mismo constata, el personaje de Lincoln utiliza frases cortas y contundentes para dar credibilidad a su rol neutral. En este viaje irá acompañado de Hernston (Jason Robards Senior), compañero de fatigas, quien lo espolea hasta la cumbre. Además, el film es rico en hacernos conocer acontecimientos pasados de indudable calado e importancia. Así pues, la fecha del doce de abril de 1861 nos recuerda el día en que los confederados abrieron fuego en Ford Sumter contra los numerosos voluntarios –más de setenta y cinco mil- combatientes del lado enemigo. El perdón a un desertor, la devastación de vidas inocentes, la autoridad del padre o la soledad del Presidente en sus estancias de Washington, son temas tangenciales e igual de definitorios de la vida de Lincoln que la cámara –casi siempre fija- de Griffith desea darlos a conocer.De igual forma, Griffith nos presenta dos hombres clave de la lucha entre bandos, Lee y Grant, ambos generales de renombre que acabaron salvando sus respectivos honores militares, aun habiendo vencedores y vencidos.  La retirada del General Grant y su aflicción acabaron con los rebeldes. Algunos de ellos convertidores en auténticos traidores como bien expone el film de Griffith.El asesinato de Lincoln a manos de John Wilkes Booth, en el icónico palco del teatro de provincias de Chicago, es el preludio del cierre del magnífico film de Griffith, en su canto del cisne. Los sueños recurrentes de Lincoln serían recogidos por Spielberg de forma igualmente majestuosa, no así la sensación de que conocemos más y mejor el recorrido que tuvo que recorrer Lincoln hasta convertirse en una leyenda.Mucho se ha hablado de las numerosas apariciones de Lincoln como gancho de producciones cinematográficas; tan solo tres de ellas merecen estar en sintonía con el film de Griffith, la mencionada Lincoln (2012), la venerable El joven Lincoln (1939, John Ford) con Henry Fonda en el papel de Abe, y de forma tangencial, La conspiración (Robert Redford, 2011). Àlex Aguilera

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